El truco del manco, crudeza en estado puro

Con el título de este post creo que ya se hace uno una idea de lo que se va a encontrar ante el visionado de esta película. Pero por si queda alguna duda, voy a explicar el argumento de la misma. Eso sí, antes de empezar quiero que el lector se ponga en situación mediante una reflexión. Aunque no es que nos salga dinero por las orejas ni mucho menos, en mi casa podemos llegar a fin de mes, y tenemos una familia más o menos estructurada. No me puedo quejar. Pero uno no elige dónde nace. Hay quien la "fortuna" le lleva a familias que lo pasan mal para vivir el día a día, viven en barrios llenos de criminalidad y pobreza. Además tu mejor amigo es drogadicto y tiene un padre alcohólico. Ahora imaginaros a un chaval (bueno, ya crecidito) que le ha tocado vivir en esta situación. Es duro, ¿verdad? Pues ahora añadidle a ello el ser minusválido, tener medio cuerpo afectado por una parálisis cerebral. Si antes ya era chungo, ahora es realmente jodido.

Kamikaze (2014)

Para una producción nacional no es fácil sobrevivir a la vorágine de estrenos extranjeros que cada fin de semana se dan cita en nuestras carteleras. Si además tiene la mala fortuna de coincidir en el espacio y el tiempo con una de las películas españolas más taquilleras de los últimos años, la posibilidad de que pase inadvertida aumenta exponencialmente.

Kamikaze ha sido una de esas películas. Una producción que pasó sin pena ni gloria por la taquilla y a la que sin embargo le sobran tablas y argumentos para posicionarse, incluso por delante de Ocho Apellidos Vascos, como una de las mejores cintas españolas del año.

La Isla Mínima. Made in Spain

El cine al igual que la vida, está lleno de prejuicios.
Sobre todo si de cine español se trata: "Siempre es lo mismo", "Sólo funciona la comedia fácil y plana", "No hay buenos actores españoles", "Sólo se tratan temas como drogas, desenfreno y mucho sexo"...
Pues bien, el post de hoy trata sobre uno de esos títulos que se cargan de un plumazo todos los estereotipos creados alrededor de nuestro cine patrio. Producción, dirección, reparto, guión...en resumen, todo, más español que una buena siesta, para rescatar un género poco tratado en las producciones de nuestro país.

Vivir es fácil con los ojos cerrados

Las cosas como son, viajar en autobús es un infierno. En las cinco horas que dura un trayecto Madrid - Granada te da tiempo a explorar las extensas praderas del aburrimiento. Tras darle cuatro vueltas a las pocas canciones que te caben en el móvil, e intentar sin éxito leer unas lineas del libro que llevas (provocando que te pongas bizco y que te entren ganas de echarle la pota al que llevas al lado...), solo te queda mirar con desesperación por la ventana e implorar al cielo que algo haga que el tiempo pase lo más rápido posible.

El Diputado (1978)

La película narra en flash back los años de activismo de Roberto (Jose Sacristán) un diputado de un partido de izquierdas que trabaja por aunar a socialistas y comunistas. 

Recorremos los años desde su toma de conciencia política en la universidad a los tiempos revueltos de la transición. Describiendo a tiempo real el momento histórico en el que la película fue rodada: El Franquismo daba sus últimos coletazos y los denominados grupos incontrolados de ultra derecha ejercían la violencia con impunidad.

Ocho apellidos vascos

No creo que nadie implicado en la producción de esta película llegara a pensar que se convertiría en el fenómeno social que es hoy en día. 25 días después de su estreno, ha sido cada semana la película más taquillera en las 4 semanas que ha estado en cartelera, aún compitiendo con superproducciones como El Capitán América: El soldado de invierno. Quizás con algo de ayuda de La fiesta del cine, acaba de convertirse en la película hablada en español más taquillera de la historia con 25,1 millones de euros, que no la película española más taquillera ya que ese puesto lo ocupa Lo imposible (42,3 M€), seguida de Los Otros (27,2 M€), ambas de habla inglesa pero de producción española, por lo que Ocho apellidos vascos sería la tercera película española en el ranking de mayor recaudación.

Alicia (2013)

Como muchos ya sabréis, Crónicas de Valhalla tiene a bien presentar, de vez en cuando, aquellos trabajos inéditos que caen en nuestras manos y nos llaman la atención. Siguiendo esa línea hoy me gustaría hablar de un proyecto joven (de apenas unos meses de vida) que espero que os guste: se trata de "Alicia", un corto que se mueve entre la fantasía y el thriller y al que tengo la suerte de estar íntimamente ligada.

El cortometraje, que fue seleccionado para la fase de concurso de la segunda edición del Festival "Horror Online Art", es obra de Mikel Martínez Alcántara, un joven director (y buen amigo) que estuvo a cargo de tareas tan diversas como la producción, dirección, montaje, fotografía, o escritura del guión.

Una de vampiros

- Somos la Noche

Hace unos días me vi una película más o menos reciente de vampiros: Somos la noche, cuyo título original en alemán es Wir sind die Nacht. Era una tarde lluviosa, de esas que apetecen siesta de pijama y orinal. De hecho en eso consistió el calentamiento antes de poner la peli en buena compañía.

Esta película alemana del año 2010 trata sobre un grupo de tres vampiresas que convierten a otra chica llamada Lena para que se una a su grupo, ya que la líder parece haberse encaprichado con ella. Sin embargo, al mismo tiempo a la misma chica le echa el ojo un agente de policía con el que al comienzo de la película tiene un rifi rafe con persecución incluida.

Hecatombe zombi a la española

Llevaba algún tiempo sin escribir, ya que entre unas cosas y otras no he tenido tiempo. Para compensar he querido traer algo nuevo y diferente que presentaros. Una serie que no recomendaría verla en horario infantil, aunque hoy día eso del contenido según los horarios en la tele lo respetan poco o nada. Pero bueno, que me voy por los cerros de Úbeda. Quiero presentaros una serie independiente que podéis ver totalmente gratis en internet vía youtube. Pero antes que nada cuento el cómo me topé con ella. Estaba yo por una página de series totalmente legal para visualizar online la tercera temporada de El Barco, cuando buscando la misma en la letra E un título me llama enormemente la atención (aviso que lo de "enormemente" tiene un significado más profundo como luego descubriréis). El título en cuesión es "El ataque de los zumbas". Pincho con el ratón sobre el título (lo de "pincho" también tiene un significado oculto) cuando chrome me redirige a la página con los enlaces a los vídeos de youtube de la serie y una breve sinopsis. He ahí mi agradable sorpresa cuando descubro que se trata de una serie que trata el tema de invasión zombi pero desde un punto de vista cómico. Con lo de moda que están los zombis, y más con Guerra Mundial Z a la vista.

Una vez visto esto, abandono mi idea de ver un capítulo de El Barco para ponerme manos a la obra con el primer capítulo de El ataque de los zumbas. Y comienza bien, vaya que sí. Comienza con el primer plano de una chica en picardías tumbada en una cama, totalmente "ofrecida" como diría la vieja'l visillo. Está esperando a su chico, con la esperanza de que éste le...quite el stress.

La cámara enfoca entonces al chico, que está en el baño, y vemos que se lleva a la boca una pastilla de un producto llamado Erecto.

De repente a este chico le crece una nueva "extremidad" (o más bien le crece una que ya tenía, la tercera pierna, no sé si nos entendemos...), una monstruosidad que hasta le golpea en la cara y todo. Y con ello también se transforma en un zombi con ganas de marcha.

Prefiero no desvelar más del primer capítulo, creo que es mejor que lo veáis vosotros mismos. Dura apenas unos 8 minutos, que se pasan volando y con una decente cantidad de risas.

En cuanto al reparto y participantes del proyecto, tenemos el siguiente listado que he podido redactar a partir de los créditos iniciales que aparecen en los capítulos. Desgraciadamente la página web de la serie (www.elataquedeloszumbas.com) en este momento no está activa.

Eva Redondo
Jesús Monroy
Cecilia Gessa
Germán Torres
César Duro
Daniel Diosdado


Idea original: Germán Torres, Daniel Diosdado.

Y como sé que sois tan perros o más que yo, no voy a daros ni siquiera el enlace al primer capítulo de la serie, sino que directamente os pongo el vídeo a continuación.


Bueno, espero que os haya gustado. Disfrutad del buen tiempo y mucho cuidado con que no os zumben.

Nacho Vigalondo habla en exclusiva para Crónicas de Valhalla y nos desvela algunos detalles de su próxima película: Open Window

Hablar de Nacho Vigalondo es hablar de CINE, pero del que se hace sin complejos, sin prejuicios. Hablar de Nacho Vigalondo es hablar de controversia, elegancia y extravagancia -que aunque parezcan conceptos enfrentados, están estrechamente vinculados-. Hablar de Nacho Vigalondo es hablar de uno de los directores españoles con mayor proyección internacional. Hablar de Nacho Vigalondo es hablar de la nominación al Oscar que recibió por su cortometraje "7.35 de la mañana"; es hablar de Extraterrestre o Los Cronocrímenes, de la que por tierras hollywoodienses llevan ya unos años con idea de rodar un remake.

Hablar de Nacho Vigalondo... pero nosotros no queríamos hablar de Nacho Vigalondo; queríamos hablar con Nacho Vigalondo (vale, puede que se nos haya subido muy rápido a la cabeza lo de Mejor blog de Cine y Televisión). Así que con esa ausencia de pudor que nos caracteriza nos pusimos en contacto con él y, para goce de propios y extraños, accedió amablemente a atendernos (prometemos que libre de amenazas y sin emplear ninguna clase de coacción).

Foto: Leticia Hueda
Crónicas de Valhalla: Nacho, has pasado por casi todos los registros audiovisuales, guionista, actor, productor, director. ¿Cómo te defines?.

Nacho Vigalondo: Aunque lo que más he hecho, y desde hace más tiempo, es escribir, creo que de tener que escoger una de las opciones que planteas es la de director. Ha habido épocas en las que he vivido de la interpretación, y otras en las que estaba convencido de ser únicamente guionista, pero hoy por hoy no hay nada que me haga disfrutar más que un día de rodaje, y no hay nada que me haga reflexionar más que el lenguaje cinematográfico.

CdV: Empezaste haciendo cortos y te dieron muchas satisfacciones, ¿cómo fue el paso a los largometrajes?.

N.V.: Fue bastante duro y laborioso, un proyecto como Los Cronocrímenes no planteaba más que dudas, y más estando yo detrás, que no había rodado nada que no fuese comedia. Tuve el apoyo de la nominación al Oscar por aquel corto, y Eduardo Carneros, el productor, creyó en el proyecto desde el borrador, pero desde el primer momento hasta la distribución todo fue complicado. Recuerda que habíamos vendido los derechos de remake y distribución en USA sin que nadie supiera nada de ella en España.

CdV: Bayona dijo en la gala de los Goya que hay que arriesgar, hacer cosas grandes porque puede merecer la pena y sí somos capaces. ¿Crees que los directores españoles arriesgan poco?

N.V.: No puedo contestar a esa pregunta, porque, para empezar, no creo que los directores españoles se puedan contemplar como un colectivo definido, y menos a la hora de juzgar una capacidad de riesgo, en conjunto. Tendríamos que ir mirando a todos los directores, uno por uno, y nos daríamos cuenta que cada director no sólo tiene una personalidad diferente, sino que además se dirige a mercados distintos, a públicos que no tienen nada que ver entre sí.

CdV: ¿Qué te parece que se utilice la gala de los Goya como plataforma de reinvindicación política? ¿Se desvirtúa el cine?

N.V.: Esa percepción de los Goya como acto político no se genera al ver la gala, ya que en realidad, muy pocos de los presentes fueron reivindicativos, sino que se construye la mañana siguiente, en las portadas de algunos periódicos. Medios de comunicación que, por otro lado, politizan sus contenidos sin rubor trescientos sesenta y cinco días al año.
Mi postura es que cada uno, desde cualquier filia política, debería ser capaz de decir en voz alta lo que le venga en gana a la hora de recoger un premio, algo propio de cualquier régimen democrático.

CdV: Fuiste guionista de la segunda edición de Gran Hermano, ¿qué nos cuentas de esta experiencia?

N.V.: Bueno, viví en primera fila la tensión que desembocó en la expulsión de Carlos Yoyas. Aquello fue como la crisis de los misiles de Cuba en versión pop. Recuerdo que todos los partidos políticos apoyaron en unísono la expulsión de Carlos Yoyas. Carlos Yoyas creó en un fin de semana un sentimiento de unidad política que no provocó ni el terrorismo vasco en cuarenta años.

CdV: En tu carrera has hecho muchísimos guiños a la comedia y al humor, ¿es tu género?

N.V.: Nunca me lo he planteado así, como mi género, aunque reconozco que me costaría mucho hacer una película que no le diese en un momento dado al público la oportunidad de reirse de lo que está viendo, o de percibir lo ridículo de algunas situaciones. No es humildad, incluso pienso que es lo contrario. Hay que tener mucha confianza en la dimensión "seria" de tu discurso para permitirte burlarte de ella. También apelas a la inteligencia del público. Para mí lo horrible sería forzar la solemnidad de una película para subrayar su importancia.

CdV: Eres un director jóven, español y con muchos logros a tu espalda. ¿Una combinación del buen trabajo con la buena suerte?

N.V.: Entiendo que, desde fuera, tengas esa percepción tan halagadora de mi carrerilla, pero desde aquí te aseguro que veo tantos logros como tropiezos, golpes de suerte y giros desdichados. En cualquier caso, creo que es imposible rodar tres películas sin mucho trabajo de por medio, pero ha habido momentos de potra gigantesca, como haber sido nominado al Oscar por un corto.

CdV: Extraterrestre, tu segundo largo y todo un éxito. ¿Cómo fue el embarque en esta aventura?

N.V.: Bueno, no estoy seguro de que haya sido un éxito. Digamos que ha conseguido cosas que son extraordinarias, como una distribución internacional bastante inusual para una comedia en español con ese presupuesto, o una aceptación crítica que yo no había tenido nunca, pero no encontró su público el día del estreno. En cualquier caso, fue una película muy placentera desde que la escribí hasta que la montamos. Fue una manera de escapar de las dificultades en el desarrollo de Open Windows, que ya había empezado, con lo cual, en realidad, Extraterrestre es mi tercera película.

Foto: Leticia Hueda
CdV: Dicen que es una película excéntrica. ¿Dicen eso quienes no entienden tu humor?

N.V.: Bueno, no creo que "excéntrica" sea un calificativo necesariamente negativo. Yo jamás lo utilizaría en ese sentido. Por otro lado, nunca he pretendido hacer una comedia que intentase ganarse el calificativo de "excéntrica". Es más, he pretendido retratar las idioteces que, honestamente, creo que llenarían nuestros días si las sociedad se quedase en pausa de un día para otro.

CdV: Actualmente estás ya trabajando en tu tercer largometraje, una apuesta grande, debutas en inglés. ¿Cómo está siendo esta experiencia? ¿Nos adelantas algo de Open Window?

N.V.: Está siendo un desarrollo muy largo y muy complejo. Se trata de un guión que empecé a escribir en el 2007, y que ha sido reescrito a fondo muchas veces. La película transcurre a través de la pantalla de un portátil, y toda la acción transcurre en tiempo real, en un plano secuencia.

CdV: ¿Hay alguna obra que te gustaría reinventar y adaptar al cine?

N.V.: Me gustaría ser capaz de adaptar al cine "La transmigración de Timothy Archer" de Philip K. Dick, sin insultar la obra original.

CdV: Tu flirteo con las redes sociales ha generado bastante controversia. ¿Crees que Twitter ha ayudado a tu popularidad?

N.V.: Sinceramente, no lo sé. Hay gente, incluso periodistas, que creen que soy el twittero con más seguidores de España, cuando, si comparas mi cifra con la de cualquier figura televisiva, ocupo un espacio diminuto.

CdV: ¿Nos cuentas un sueño?

N.V.: Vivir del cine hasta que explote. El cine o yo.

CdV: Muchas gracias Nacho por concedernos este rato de tertulia bloguera.

N.V.: Gracias a vosotros.

Y así concluía nuestra distendida charla. No me gustaría terminar sin reiterar nuestro agradecimiento a Nacho por el rato de tertulia, a Leticia Hueda por las fotografías y a Cristina Vílchez por echarme una mano con la entrevista.

Entrevista a Manolo Hernández y Vicente García, director y guionista de DOMO

Manolo Hernández (guión, producción y dirección) y Vicente García (guión, producción y diseño de producción), han tenido a bien concedernos una entrevista exclusiva para hablar sobre su primera aventura cinematográfica, DOMO, de la que ya os hablamos por aquí hace unos meses.

Sin más preámbulos, aquí os dejamos con la distendida tertulia que mantuvimos con ellos.

Crónicas de Valhalla: ¿En qué momento y cómo surge la idea de "DOMO"?.

DOMO: A finales de 2009 pensamos en llevar a cabo un nuevo proyecto, ¿Pero cuál? Nos preguntamos, acabábamos de realizar en un año; un corto, un videoclip, un documental, y el piloto de una sitcom, y decidimos que era el momento de dar el salto a un largometraje.

CdV: Contad a nuestros lectores de qué va "DOMO".

DOMO: Morgen Brandt, era una soprano de origen Alemán que murió hace muchos años en el incendio de su casa, donde ahora hay un museo llamado con su nombre.

Sira trabaja en el turno de noche limpiando en el Museo MORGEN BRANDT y empieza a notar una presencia extraña.

CdV: ¿Qué nos podéis desvelar de la trama?

DOMO: Más que de la trama te podemos hablar del concepto narrativo de la peli, que creemos es novedoso.

Domo se ha grabado, de manera íntegra, desde el punto de vista de todas las cámaras de seguridad que hay en el Museo, donde se sitúa la acción de la peli, es como si alguien ha cogido los brutos que han captado las cámaras de seguridad en las 2 noches en donde suceden los hechos, y con esos brutos los ha editado, dejando muchas horas de grabación, en una hora y pico de metraje final,

Aclaramos que es ficción, jamás quisimos fomentar un bulo de que pasó en realidad, solo nos interesaba el punto de vista de las cámaras para contar la historia, esto creemos que jamás se ha hecho al 100 %, si que se ha utilizado la estética de las cámaras de seguridad en una parte de alguna peli, pero en la totalidad no, al menos que sepamos.

No hay contra planos, ni primeros planos, ni planos detalle, ni panorámicas, ni nada de lo que se utiliza en la narrativa cinematográfica convencional, todo es en plano general y ligeramente picado simulando el tiro de cámara de video vigilancia.

Pero solo desde el punto de vista de la imagen, porque el sonido sí que se oye como en cualquier peli.

Gran parte de la peli la grabamos en el Museo Municipal de Badalona, un sitio espectacular.

CdV: ¿Por qué ese título?

DOMO: Precisamente por lo del concepto narrativo de grabar desde el punto de vista de las cámaras de seguridad, a este tipo de cámaras que están pegadas al techo se les llaman cámaras Domo.

CdV: ¿Los protagonistas de "DOMO" son actores profesionales?

DOMO: Algunos si, aunque no todos, pero todos tienen experiencia, en teatro, cine o cursos de formación.

CdV: ¿En cuánto tiempo se ha rodado la película?

DOMO: En 4 noches, un día y dos tardes.

CdV: ¿Y cuántos meses de preparación previa ha necesitado?

DOMO: Nosotros empezamos a escribir la escaleta del guión en enero de 2010, y el rodaje lo empezamos en mayo de 2012.

Lo más complicado fue adaptarnos al punto de vista de las cámaras de seguridad, era levantar un historia en donde no había artificio por parte de la cámara, todo era aséptico y directo, y pronto nos dimos cuenta que teníamos que hacer andar la historia sobre todo desde el diálogo, pero el problema es que gran parte del tiempo de la peli vemos a una chica sola en un museo por la noche, nos costó salir pero creemos que ha merecido la pena.

Luego buscar el equipo, un equipo de 40 personas directas, entre técnicos y actores, una veintena de figurantes y muchos colaboradores.

Todo ello dilató mucho el proceso de preproducción.

CdV: ¿Con el presupuesto que teníais inicialmente se puede hacer una película?

DOMO: Abrimos una cuenta con 2.000 € y es lo que gastamos, ya desde el guión teníamos claro que no había mucho dinero, con lo cual el guión siempre estuvo supeditado a no pasarse en el presupuesto.

Esto añadido a que desgraciadamente no pudimos pagar a nadie, y que muchos de los que curraron en la peli son profesionales con experiencia, y que el digital da una muy buena calidad con poco dinero, el resultado es que si quieres, es posible, pero has de quererlo de verdad.

El problema, además de trabajar con un presupuesto exiguo, viene dado por la complejidad del guión. A más complejidad, más caro. Por lo que hay que buscar como simplificar una idea, y luego plasmarla en un guión sin perder calidad y esto si que entraña una dificultad considerable.

CdV: ¿Por qué ahora se os ocurre embarcaros en este proyecto, cuando la situación económica parece que no anima?

DOMO: Siempre es buen momento para cumplir un sueño.

CdV: ¿Creéis que hacer cine en este país es cosa de locos?

DOMO: Nunca es tarde para emprender una aventura, y es más divertido si es con un punto de locura.

CdV: ¿Pensáis que a lo mejor una buena forma de solucionar la crisis de la industria en este país es hacer lo mismo que vosotros, contar historias sencillas y sin artificios?

DOMO: Por supuesto, hay que empezar a cambiar el rumbo de las cosas, ahora cada vez es más complicado aspirar a ayudas y subvenciones, es el momento de la imaginación y el coraje.

CdV: ¿Qué opináis de toda la polémica surgida con el tema de la piratería?

DOMO: Es un tema muy complicado de resolver, es ponerle puertas al campo. Es evidente que Internet ha cambiado muchas cosas, y no es fácil buscar el término medio que beneficie a todos, ojalá se consiga.

CdV: ¿Hay qué cambiar los canales de distribución o las cosas funcionan como están?

DOMO: Hay que cambiar sin duda porque el mundo ha cambiado, ahora es posible hacer pelis con calidad a un bajo coste, esto ha democratizado el mundo del cine, en donde todos tenemos más oportunidades, y esto debe llegar a las salas de cine, por ejemplo algo que ya funciona en otros países, es que al menos en una sala de los multicines se reserve un espacio a las pelis independientes, de bajo coste, o de autoproducción

CdV: ¿Cuáles son las mayores dificultades en las que se ve envuelto un realizador joven a la hora de enfrentarse a un proyecto de estas características?

DOMO: Dificultades hay muchas, pero si sabes rodearte de la gente ideal la cosa tira adelante.

El equipo es vital, y en el cine sin equipo no eres nada, hay que saber delegar y saber nutrirte de lo mucho que te puede aportar el equipo, tener claro lo que quieres, y eso es tener un guión sólido en el que creas de manera absoluta. Saber tratar a la gente, saber respetar a la gente, y estar preparado para tomar muchas decisiones. Mano firme en guante de seda.

CdV: Una vez terminada de rodar la película, podéis contar a nuestros lectores, ¿cuáles son los siguientes pasos a seguir?

DOMO: Enviarlo a festivales, y de manera paralela buscar la distribución en cines, Internet, televisiones, o venta en Dvd. Todo vale.

CdV: ¿Cuáles son vuestras influencias? ¿Quiénes son vuestros ídolos?

DOMO: Muchos y variados: BUÑUEL, KUBRIC, LYNCH, BERLANGA, SCORSESE, BURTON, HITCHCOCK, DE LA IGLESIA, GUILLERMO DEL TORO, EL EQUIPO DE EDICIÓN DE CUARTO MILENIO, CARPENTER, BALAGUERÓ o LOS COEN, entre otros.

En cuanto a pelis, LA COSA, PSICOSIS o EL RESPLANDOR.

CdV: ¿Qué consejos podéis dar a otros jóvenes realizadores que como tú quieran hacer de sus proyectos una realidad?

DOMO: Si quieres, debes, no esperes, es difícil, pero no imposible.

CdV: ¿Y ahora qué? ¿Tenéis algún proyecto futuro?

DOMO: Sí, estamos trabajando en el guión de otra peli de terror, aunque el titulo todavía es provisional.

Y hasta aquí llega la entrevista que amablemente nos han concedido Manolo Hernández y Vicente García. No se nos ocurre mejor manera de concluir la misma que compartir con vosotros el nuevo trailer de la película:


Les deseamos toda la suerte del mundo y esperemos verla pronto en cines.

Blancanieves (2012)

Esta semana quiero hablaros de la gran ganadora de los pasados Premios Goya con nada menos que 10 estatuillas de las 18 a las que optaba, de la película que ha sido selecionada por la Academia de Cine Español para representarnos en los Óscar, esta semana dedico este rinconcito a hablar de Blancanieves, de Pablo Berger. 

Sería de cobardes no empezar reconociendo que la idea de una cinta muda, en blanco y negro y que utilizara aspectos tan españoles como los toros o el flamenco para recrear el cuento de los Hermanos Grimm, me hizo en un principio guardar ciertas reticencias a dejarme llevar por la ficción, a creer en aquello a lo que iba a asistir. Blancanieves es una película que intenta emular el cine mudo europeo de los años 20, potenciando al máximo el expresionismo de cada escena con unos cuidados primeros planos. Las palabras que nos cuentan la historia son los gestos, unos gestos entrelazados con una música pasional que describe cada una de las escenas. 

Si en algo resalta es en los apartados técnicos. La banda sonora es una fusión de cine mudo con temas españoles de la época, las luces y sombras matizan, complementan y resaltan aquello que visionamos, los decorados y vestuarios reconstruyen con un gran trabajo la Sevilla de los años 20. 

Además las interpretaciones con un cuidado lenguaje de gestos, y de no gestos, consiguen crear una conexión con aquel que se encuentra al otro lado de la pantalla, resaltando de entre el elenco una Maribel Verdú en el papel de Madrastra, es decir, la película cumple con todo aquello que se le debe exigir, como mínimo, a una película de este género.

Es cierto que esconde ciertas similitudes con The Artist, otra obra reciente del cine mudo, ya que ambas cintas son un intento de rescatar esa esencia de este tipo de cine, orquestando musicalmente una película reciente y filtrando en blanco y negro. Sin embargo, en el filme francés se contaba algo muy previsible, algo que ya habiamos visto antes, mientras que si algo podemos decir de Blancanieves es que le da un giro sustancial a la historia primitiva, confiando más que la primera en el entendimiento del espectador. 

Si tuviera que emitir una valoración, diría que me dejó un sabor extraño, una mezcla de sensaciones atípicas, ya que realmente no me esperaba un relato como el ofrecido. Para mi gusto es demasiado larga y se sobrexplotan ciertos recursos del cine mudo, llegando en ocasiones a resultar un poco lenta. Si te atreves a verla, no puedo asegurarte que te cautive, aunque lo que si te puedo garantizar es que no creo que te deje indiferente. 

Nos vemos en la próxima entrada, hasta entonces... ¡¡¡¡¡ SONRÍAN!!!!!

FIN (2012)

Cuando uno decide armarse de valor y arriesgarse a jugar a la "ruleta rusa cinéfila", que, para quienes no conozcan esta modalidad, consiste en apostar por la cultura y el cine patrio e ir a ver una película pagando una desorbitada e insultante cantidad de dinero por una entrada sin tener muy claro lo que se va a encontrar, ha de ser previa y plenamente consciente de que la apuesta puede salir bien... o puede salir rematadamente mal.

Si para más inri te acomodas en la butaca y unos segundos antes de que apaguen las luces constatas que tú y tu acompañante estáis en la más absoluta soledad, por tu cabeza empieza a instalarse el más pesimista de los augurios.

Y vaya por delante que trato ser de los que ven las películas sin expectativas. De la que viene a continuación sólo conocía el título y los escasos 20 segundos de trailer con los que me había topado por televisión. Pretendí acercarme a la película sin prejuicios. Tampoco tenía conocimiento de la novela original (que la hay). ¿El resultado? Pues el resultado es que "Fin" de Jorge Torregrosa es una de esas películas que promete mucho para luego acabar decepcionando. Y es una verdadera lástima porque durante los primeros 20 o 30 minutos hay una puesta en escena realmente interesante con una fotografía y unos paisajes maravillosos, unos efectos especiales muy aceptables y unos personajes que van apareciendo y son presentados de forma más que correcta.

Pero como digo eso son los primeros 20 minutos, porque a partir de la media hora de película los únicos alicientes que te hacen aguantar hasta el final y no abandonar la sala a mitad de proyección son la esperanza de que en algún momento se produzca un giro de guión sublime que acabe por arreglar el desaguisado (el hombre es iluso por naturaleza), la compañía (al cine es mejor no ir solo), la talega de palomitas tamaño XL de la que estáis dando buena cuenta, y por supuesto la intención de amortizar el pastizal que te has dejado en la taquilla. Y es que a partir del instante en el que lo "sobrenatural" hace acto de presencia, la trama de la película se hace muy cuesta arriba.

Es cierto que FIN no es una película convencional. No me cabe duda que habrá opiniones contrarias a la que os cuento aquí; y ojo, que nadie me malinterprete, me gusta mucho el cine donde el espectador tiene que entrar en el juego y tratar de sacar sus propias conclusiones. Me gustan las películas que no te dan el argumento mascado y listo para digerir, esas que no tienen un final redondo que haga encajar todas las piezas del puzzle. El problema de la película de Torregrosa es que acaba perdiéndose en su propia ambigüedad, en una explosión de fragmentos sin conexión alguna que acaban por confundir al espectador (por no decir una barbaridad).

En definitiva, "Fin" es una película que apuntaba alto pero que se ha quedado en agua de borrajas. Sin duda de la película me quedo con el trailer (destripa los pocos momentos interesantes que hay) y con la frase que aparece en el cartel promocional: "No quedará nadie". A tenor de cómo se encontraba la sala de cine, es bastante explícita.

Amanece que no es poco

"Calabaza, se acaba un nuevo día y, como todas las tardes, quiero despedirme de ti. Quiero despedirme y darte las gracias una vez más por seguir aquí conmigo. Tú, que podías estar en la mesa de los ricos y de los poderosos, has elegido el humilde bancal de un pobre viejo para dar ejemplo al mundo.
Yo no puedo olvidar que en los momentos más difíciles de mi vida, cuando mi hermana se quedó preñada del negro o cuando me caparon el hurón a mala leche, sólo tú prestabas oídos a mis quejas, e iluminabas mi camino. Calabaza, yo te llevo en el corazón."

Tal vez estas palabras sean un buen resumen de Amanece que no es poco, de José Luis Cuerda, una obra repleta de humor absurdo, de risas envueltas en el hilarante entramado que forman el guión, repleto de situaciones imposibles, y la brillante actuación de todos los personajes. Un pueblo donde los hombres crecen en los bancales, se puede hacer "flashback" para volver al pasado, y donde la Guardia Civil puede perder las elecciones, es el lugar ideal para pasar unas vacaciones relajadas y distintas. Esa es la vía central de la historia, el nexo de unión de todos los acontecimientos, de todas las locuras geniales que componen la película.


De estas se han escrito pocas. Haberlas las hay, pero pocas, y de la brillantez con la que está realizada Amanece que no es poco, hay menos, contadas casi con los dedos de la mano. Una película ideal para una tarde "tonta"; casi dos horas de puro bienestar mental, más de cien minutos de risas; un largometraje de esos que puedes ver varias veces, aprenderte los diálogos y repetirlos una y otra vez, como si de un mantra se tratara, con una sonrisa en la boca, mientras recuerdas que "quería yo a hablarle de Dostoievski".


Sirva, por cierto, esta pequeña entrada como homenajea a Manuel Alexandre, actor que falleció en 2010, que se ganó el cariño de todos los amantes del cine.

Personalmente tengo un gran cariño a esta película, quizá porque la recuerdo con el afecto con el que se recuerdan las cosas que te han acompañado en muchos buenos momentos. Muchas han sido las tardes que he pasado, junto a grandes amigos, pegado a la pantalla de la televisión, viendo una y otra vez, incansables, esta delicia del cine español. Si no la conocéis, no dejéis de verla. Si ya la habíais visto, es el momento ideal de volver a verla.

Domo (2012), cine de terror paranormal con acento español

De la mano de Manolo Hernández y Vicente García, dos jóvenes aspirantes a cineastas con varios cortos y documentales a sus espaldas -y ganas de comerse el mundo-, nos llega Domo, un largometraje de terror sobrenatural con el que buscan continuar la buena senda que últimamente está marcando el cine español en el género.

La película narra la historia de Sira (Mireia Grau), una chica que trabaja de limpiadora en el turno de noche del Museo Morgen Brandt. Sira descubre que una soprano de origen alemán, Morgen Brandt (Olga Galvany), murió hace años en el incendio de una mansión sobre cuyas cenizas fue construido el museo en el que trabaja. Sira tiene miedo, empieza a notar sucesos extraños; percibe que no está sola.

Los responsables del ambicioso film prometen una cinta de terror con una forma narrativa que el director califica de "novedosa y arriesgada" que da como resultado un concepto cinematográfico "minimalista e hipnótico" con el que pretenden encontrar una manera distinta de abordar el género y hacer que el espectador no pueda despegar su trasero del asiento.

"En un porcentaje muy elevado está grabada en el MUSEO DE BADALONA, porque con su espectacular subsuelo arqueológico de termas Romanas nos ofrecía ese plus que necesitábamos para acabar de armar el proyecto."

"Es una peli que producimos nosotros, y que cuenta con unas 40 personas directas en cuanto equipo técnico y artístico, y unos 40 más entre figurantes y colaboradores."

La película, además de tener muy buena pinta, está en fase de posproducción y la intención es que pueda ser estrenada antes de final de año.

Aquí os dejo el primer teaser oficial, donde ya se intuye el papel que la oscuridad y el silencio parece que jugarán en la historia:



También os dejo algunas imágenes del rodaje que los responsables del proyecto nos han hecho llegar en primicia para Crónicas de Valhalla:

Arrugas

Dicen las malas lenguas que a Almodóvar le sentó peor perder el Goya al mejor guión adaptado, frente a Arrugas, que el de mejor película o mejor director. Según parece, era un premio con el que contaba casi seguro. Nunca, hasta este año, un Goya al mejor guión adaptado había sido concedido a una película de animación, pero Arrugas, dirigida por Ignacio Ferreras, y basada en un cómic de Paco Roca, rompió la tradición y se llevó los honores del premio. Y honores bien merecidos.

La película es una fiel traslación cinematográfica del genial cómic de Paco Roca, con las adaptaciones que exige el medio. Una película de contrastes, de extremos, donde se nos empuja tanto a la risa como a la lágrima, una delicia con el amargo sabor del realismo, de los años finales, sin tabúes, sin eufemismos. Dura, genial y real. Brillante.

Arrugas nos sumerge en la vida de Emilio justo cuando su familia decide ingresarlo en una residencia de ancianos. La historia nos lleva a vivir junto al protagonista, con síntomas de Alzheimer en las primeras fases de la enfermedad, el día a día de una institución geriátrica, descrita con un realismo que nos congela la sangre, que nos hiela el corazón y el ánimo por su crudeza bañada de ternura y sentido del humor. Que el espectador no empatice con Emilio es prácticamente imposible, tal vez porque, en cierto modo, sabemos que el nuestro no será un destino muy distinto al que Paco Roca nos muestra, tal vez porque precisamente el autor hace un esfuerzo titánico por conseguir que sus dibujos tengan más humanidad que algunas (demasiadas) personas.

Hablar del cómic es hablar de la película, y hablar de la película es hablar del cómic: un guión que comienza sobresaliente y asciende hasta límites extraordinarios. Bravo. Bravo por conseguir que "una de dibujos" parezca tan real como las demás. Bravo por escapar del eufemismo y contar la realidad tal y como es. Bravo por la valentía de afrontar de cara una enfermedad que, tal vez por su dureza, parece que queremos olvidar. Y de eso se trata precisamente, del olvido.

Recomendación: leer el cómic, ver la película. Guardar ambos con el cariño que merecen. Una gran obra.