Al inicio jamás nos planteamos la posibilidad de alcanzar un "empate". Espero que la "travesía" sea lo suficientemente larga como para poder ir superando todas aquellas adversidades no tenidas en cuenta previamente.
"El tambor de hojalata" y "El juego de Ender" han sido las elegidas y, no deseando dar de lado a ninguna de ellas, hemos decidido iniciar el proyecto con una lectura simultánea de ambas. Dos novelas antagónicas, o no; dos retos a los que esperamos os unáis desde el principio con espíritu participativo.
A lo largo de la semana publicaremos un post para cada una y mientras tanto, disfrutemos la lectura de ambas o bien, de una de ellas. Entre todos iremos dando forma a lo que esperamos sea algo que merezca la pena.
... y cuando tales palabras salieron de su boca, sus pobres madres se llevaron las manos a la cabeza. Y aprovecho la ocasión para hacer un llamamiento indiscriminado a los frikis en química de todo el mundo para que me cuenten cuáles son las sustancias, forma de ingestión y dosis necesarias para tener superpoderes, porque siempre me lo he preguntado y porque ¡yo también quiero! Pero he visto la luz, y he descubierto un procedimiento mucho más sencillo y menos arriesgado para convertirse en un superhéroe:
Hacerse actor
Ponerse cuadrado
¿Hacerse con amigos que sean directores de cine?
Queridos y queridas fans de los cómics de nuestra infancia:
Nacen los premios Marvel y anti-Marvel de Valhalla: "Marvalhalla" para aquellos que estuvieron a la altura de nuestras expectativas, y "anti-Marvalhalla" para aquellos responsables de -casi - cargarse un mito. Repasemos pues, algunos de los actores que han llegado a convertirse en superhéroes, estos pobres cuyos pseudopoderes no podrán apaciguar las travesuras de Valhalla. Los candidatos son...
Batman
Un buen puñado de actores han dicho eso de "Soy Batman":
- Michael Keaton en Batman (1989) y Batman returns (1992) de Tim Burton
- Val Kilmer en Batman Forever (1995) de Joel Schumacher
- George Clooney en Batman & Robin (1997) de Joel Schumacher
- Christian Bale, que ganó casi 50kg en menos de seis meses, en Batman Begins (2005), The Dark Knight (2008) y The Dark Knight Rises (2012) de Christopher Nolan
Spiderman
- Tobey Maguire en Spiderman (2002), Spiderman 2 (2004) y Spiderman 3 (2007) dirigido por Sam Raimi. - Andrew Garfield en El increíble Spiderman (2012), dirigido por Marc Webb.
Superman
Desde siempre, de toda la vida, Christopher Reeve ha sido el Superman (1978), Superman II (1980), Superman III (1983) y Superman IV (1987). Creó una imagen que nadie se atrevió a batir (salvo en series de TV), hasta que apareció Brandon Routh en Superman Returns (2006).
X-Men
X-Men (2000) y X2 (2003) fueron dirigidas por Bryan Singer y X-Men: La decisión final (2006), por Brett Ratner. Patrick Stewart es el Profesor Xavier y Hugh Jackman es Wolverine.
Ben Affleck es DareDevil (2003), el responsable de haberme lanzado a escribir este post.
Robert Downey Jr. es Iron Man (2008), Iron Man II (2010), dirigidas por Jon Favreau, y repite en Iron Man III (2013), esta vez dirigida por Shane Black.
Votad aquí. Daremos a conocer los resultados próximamente.
Uno se va haciendo mayor. El tiempo corre sin remedio y las canas van apareciendo. Sin embargo hay recuerdos y momentos de la infancia que nos acompañarán toda la vida. Entre ellos el recuerdo de algunas series. A mí una de las que más me ha marcado, así como a muchos contemporáneos a mi generación, es la inigualable y eterna Dragon Ball. ¿Quién no ha hecho el gesto de realizar un Kame hame ha?
Desde que inicié mi periplo en Crónicas de Valhalla consideré un pecado que una serie de éste calibre y que ha marcado la infancia de tantos y tantos niños y no tan niños careciese de un post que hablase sobre ella. Pero claro, tampoco se trataba de una serie de actualidad precisamente, y no encontraba el momento de mentarla. Afortudamente el próximo lanzamiento de una nueva película me ha dado la excusa que necesitaba.
La película en cuestión bajo el título Dragon Ball: La Batalla de los Dioses (Dragon Ball Z: Kami to Kami) nos sitúa en un momento cronológico posterior a la batalla contra Majin Buu y anterior a esa bazofia que nunca debió existir conocida como Dragon Ball GT.
¿Cuál es el argumento de la misma? Es difícil resumir el argumento sin desvelar información relevante. A mí me gusta ver ciertas películas sin conocer nada del argumento. Quien conozca la serie (que seréis la mayoría) se imaginará fácilmente lo que va a pasar. Al igual que en el resto de películas de Dragon Ball Z, se vuelve a seguir el patrón "Aparece un enemigo poderoso que amenaza la paz de la humanidad. Goku y sus amigos luchan juntos para vencer al enemigo. Salvan la Tierra."
Lo que cambian entre película y película (salvo excepciones) son matices, un poco el trasfondo y quién o quiénes y cómo derrotan al enemigo. No quiero como digo destriparos detalles importantes, así que quien prefiera verla desde la ignorancia argumental mejor que deje de leer. Lo único que creo que hasta en el fondo del mar se han enterado es que el enemigo esta vez es un dios de la destrucción llamado Bills que despierta de su letargo tras llegar a sus oídos noticias del gran poder de Goku así como de sus proezas en la lucha.
Como curiosidades de la historia que han llegado a mis oídos diré que en esta ocasión va a ser imprescindible la participación de nada menos que 6 Saiyans, aunque de un modo de lo más curioso, del que tendréis que ver la película para conocer (o leer resúmenes que os lo destripen como he hecho yo...ojalá pudiera volver atrás en el tiempo con la máquina de Trunks pero olvidando lo vivido). Habrán sorpresas como una nueva transformación de esta raza de formidables guerreros. Además, para los fans de Vegeta entre los que me incluyo, se rumorea que quizás por fin veremos a nuestro personaje favorito alcanzar la transformación de Supersaiyan 3, lo que hasta ahora era inédito (excepto en videojuego) y a mí al menos los fans de Goku siempre me han restregado para defender que Goku es mejor. Aunque creo que se trata de información falsa, sigo pensando que Vegeta es el mejor de la serie. Para los más nostálgicos que recuerden Dragon Ball de cuando Goku era un niño, comentaré que aparecerán personajes carismáticos de esa época como son Pilaf y sus secuaces, aunque desconozco si tendrán mucha o poca relevancia (me inclino por poca).
Podría contaros más cosas pero prefiero que sean sorpresa y que podáis disfrutar de la película de una mejor manera, y con ello despertar vuestra curiosidad y vuestras ganas de verla. Eso sí, os dejaré algunos trailers para abriros el apetito. A mí ya se me hace la boca agua pensando en su estreno en Japón el 30 de marzo.
Trailer 1:
Trailer 2:
Que las 7 bolas del dragón hagan vuestro deseo realidad.
Con el único objetivo de compartir lecturas y poder establecer el natural y lógico espacio donde expresar todo aquello que surja, nace "Domingos literarios". La idea del grupo de editores es elegir, con la periodicidad que marque el tiempo que dure cada lectura seleccionada, obras que consideremos destacadas y permitan generar el necesario coloquio entre todos aquellos que deseéis participar.
No deseamos imponer lecturas sino que publicaremos un listado de autores/obras donde deberéis elegir una de ellas en comentarios. Aquella obra más votada el domingo siguiente a la publicación del post será la elegida. Desde ese momento tanto nosotros como vosotros comenzamos la lectura, comentando con la periodicidad elegida, aspectos importantes de la misma. Durante la semana, y como es lógico, queda a vuestra disposición el poder aportar todo aquello que deseéis.
Para comenzar hemos seleccionado como candidatas:
- El Tambor de Hojalata (Günter Grass).
- La Casa Verde (Mario Vargas Llosa).
- Estudio en Escarlata (Arthur Conan Doyle).
- El juego de Ender (Orson Scott Card).
Como podéis comprobar son obras de géneros muy diferentes. Ahora os toca a todos los que queráis participar elegir una de entre las anteriores. El próximo domingo y, tras revisar los comentarios, os indicaremos la elegida y comenzaremos con este dominical y singular "club de lectura".
Recordemos nuestra infancia, ese tiempo en que nuestra imaginación se desarrolla y vivimos soñando despiertos. ¿Quién no ha imaginado de pequeño alguna vez que una puerta te puede llevar a un lugar diferente al real? ¿O qué un objeto está dotado de características diferentes a las que posee? ¿Y si esas ilusiones se hicieran realidad? ¿Y si encontrásemos una habitación, una habitación perdida?
LaHabitación Perdida es una miniserie estadounidense del canal SciFi, que nos presenta tres capítulos llenos de fantasía, misterio y acción. Creada por Laura Harkcom y Christopher Leone y protagonizada por Peter Krause y Julianna Margulies, nos cuenta la historia de Joe Miller, detective de homicidios que durante una investigación se hace con una misteriosa llave, que además de ser indestructible, permite abrir cualquier puerta creando un portal a la habitación de un misterioso motel en otro plano dimensional. Algo sucedió el 10 de Mayo de 1961 a la 1:20:24 que hizo que la habitación se se borrara de la historia y que todos los objetos que en ella se encontraban se dotaran de poderes que los hacen muy valiosos y codiciados.
Cuando la habitación queda vacía se reinicia y cualquier objeto o persona que no estuviera primitivamente en ella desaparece. Así es como la hija del detective Miller desaparece y este comienza una lucha por recuperarla cuyo primer paso será descubrir que misterioso incidente ocurrió en el motel. Sin embargo como buena hisoria de suspense, no será un camino fácil, ya que dos organizaciones también luchan por encontrar los poderosos objetos, una de ellas encabezada por Jennifer Bloom para salvarlos y descubirir la verdad y otra para utilizarlos en su propio beneficio.
Con un argumento donde todos y cada uno de los hechos tienen un significado por descifrar, unos actores estupendos, una banda sonora inquietante y una muy cuidada escenografía, es casi imposible no sentirse atrapado por esta historia. Para mi gusto el único inconveniente es su duración, ya que tres capítulos se me antojan demasiado cortos para una serie tan interesante y con tanto potencial.
Y tú, ¿estás preparado para descubrir todos los misterios?
Nos vemos en la próxima entrada, hasta entonces... ¡¡¡¡ SONRÍAN !!!!!
Como decía Einstein, "todo es relativo". Desde que nos caímos del árbol hace millones de años, y sin saber cómo empezamos a pensar, a nuestra condición de ser social se le sumó una capacidad individual de raciocinio. Desde ese momento dejó de existir un solo universo, apareciendo uno en cada uno de los "cocos" de nuestros antepasados. Y eso, ha ido perdurando a lo largo de la evolución hasta llegar al día de hoy. ¿Que leches tiene que ver toda esta ida de olla con el cine? Pues que cada película significa algo diferente para cada uno. No me refiero a esas películas simplonas de tiros y tortas que lo único que hacen es distraernos de la realidad, y no lo niego, entretenernos sin estresarnos los sesos. Me refiero a esas películas que de alguna forma nos llegan hondo, películas cuyo mensaje depende de la persona que lo recibe, y más importante aún, del estado de ánimo de esa persona en ese momento. De alguna manera, esas películas nos motivan, nos dan un empujón en el buen camino cuando estamos en un pozo, o nos ponen los pies en el suelo cuando creemos que nos estamos comiendo el mundo. Películas que viste hace tiempo y no significaron nada especial, pero que las vuelves a ver ahora y te inducen a la reflexión, a tener ideas, a sacar coraje de lo más hondo...Esto me ha pasado con una película que vi hace pocos días, Moon.
Se trata de un film con toques futuristas y ciencia-ficción que nos cuenta la vida de Sam Bell. Este hombre (interpretado por Sam Rockwell) está a punto de finalizar su contrato de trabajo en la Base Minera Sarang de Lunar Industries Ltd., situada en la cara oculta de la Luna (allí en tó lo alto). Este contrato consistía en permanecer tres años totalmente solo en la base, con la única compañía de GERTY, un ente robótico dotado de inteligencia artificial programado para ayudarle y protegerle que se comunica con él y muestra sentimientos a través de emoticonos (el único actor de reparto). La comunicación directa con la Tierra se interrumpió cuando el satélite que se ocupaba de esta operación se averió, y la empresa, propietaria y responsable de dicho satélite, tiene otras prioridades antes de arreglarlo. Por este motivo, Sam se comunica con su esposa y su pequeña hija a través de mensajes grabados, así que el escaso contacto humano que podía dar una conversación de Skype en directo está también impedido. Sam lleva su rutina diaria con toda la normalidad que puede, controlando tres excavadoras que extraen de la superficie lunar un valioso isotopo, Helio-3, el cual es imprescindible para alimentar los reactores de fusión terrestres, y que proporcionan energía limpia a la humanidad. Sam recoge el Helio de las excavadoras y lo manda a través de lanzaderas a la superficie terrestre. Dedica el tiempo libre a hacer ejercicio, a cuidar plantas, y a construir una maqueta. Solo quedan dos semanas para que le toque el relevo y pueda volver a casa a besar a su esposa y abrazar a su hija, y se siente muy ilusionado, pero desde hace un tiempo tiene episodios de malestar, y tiene visiones extrañas, fruto de tanto tiempo solo, piensa él. Esto le lleva a tener un accidente, que conllevará a descubrir un oscuro secreto que se ocultaba en la base...
Se trata de una película independiente británica de 2009 que obtuvo muy buenas críticas y hasta consiguió un par de premios que reconocieron su buena puesta en escena, al ser una película de ciencia ficción simple pero muy bien ambientada, y con una trama que no es la primera vez que se lleva al cine y que siempre genera controversia y opiniones. Y aquí, es donde entra la relatividad de cada espectador, y donde dejo mis propias impresiones. Este film invita a luchar contra los margenes establecidos, defiende el valor y el coraje para superar obstáculos y conseguir lo que se desea, aunque esos obstáculos sean tus propios recuerdos, grabados a fuego en tu memoria. Cuando lo son, hay que desprenderse de todos ellos, no dejar que dinamiten tu optimismo y mirar hacia adelante y hacia arriba (hacia abajo en el caso de nuestro protagonista, hacia la Tierra). Deja de pensar en como eras, no eres quien fuiste en el pasado, eres tú, diferente en cada instante, y no serás como esperan que seas nunca más.
Si os llama os recomiendo que busquéis la película directamente, sin contrastar informaciones ni nada, evitareis spoilers. Ahora, con vuestro permiso, me quedaré por aquí un rato, las vistas son verdaderamente increíbles...
De la primera risa salida de un bebé nacieron miles de hadas pero cada vez que un niño niega su mágica existencia, alguna de ellas, aún en un remoto lugar, deja de existir.
Con esta oda a la ilusión se desarrolla "Descubriendo nunca jamás", basada en los momentos de la vida de James Barrie que le inspiraron para la creación de su obra cumbre, Peter Pan.
Este dramaturgo escocés (interpretado aquí por Johnny Depp) pasa por un momento de sequía creativa cuando irrumpe en su camino la dulce familia Llewelyn Davies: Sylvia, viuda, (Kate Winslet) y sus cuatro hijos George, Jack, Peter y Mickie.
Si bien sus hermanos se entregan desde el primer momento a los pasatiempos ideados por James, el joven Peter, aún herido por la pérdida de su padre, se muestra reacio a confiar en la imaginación. Esta falta de ingenuidad origina un singular interés en el escritor que se siente obligado a infundir de nuevo el hechizo de la ilusión en el pequeño. Esta conexión especial que surge entre todos ellos da lugar a la invención de grandes aventuras en sus juegos y a una complicidad que inunda todos aquellos momentos que comparten. Instantes que pasan a ser pura inspiración para James y se transforman a través de su pluma en su siguiente obra de teatro.
Ambientada en el Londres de 1904, esta tierna creación se apoya en los encantadores paisajes ingleses de frondosos árboles y fresco césped para equilibrar la fantasía del guión con el encanto del ambiente. Una emotiva historia contada para llamar a fuerza de ternura a esa inocencia con la que nacemos y que el paso del tiempo se encarga de adormilar.
Y ya que la fecha de hoy acompaña particularmente, aprovecho: ¡Felicidades papás!
Sí, es verdad que no es la traducción literal de Little Secret Film, pero ese pequeño secreto llamado cine es mi interpretación no sólo del título del movimiento (aunque ellos no lo definan como movimiento, sino como modelo), sino de todo el ambiente que lo rodea: un modelo nuevo de hacer cine, basado, sobre todo, en el amor a este arte.
¿Qué es Little Secret Film?
Little Secret Film se define como un modelo de producción cinematográfico basado 10 normas que podéis leer en su manifiesto. Las resumo aquí:
La producción será secreta hasta el día del estreno.
El largometraje deberá ser grabado en un máximo de 24 horas ininterrumpidas.
Se grabará empleando tecnología digital HD.
No se contará con guión dialogado previo, por lo que la improvisación de los actores tendrá especial valor.
El equipo total de la producción será de 10 personas como máximo. Ninguno recibirá retribución económica.
El director financiará la totalidad de la producción, sin apoyos externos.
El largometraje se estrenará en Internet, bajo licencia Creative Commons y de forma gratuita.
El director distribuirá la obra bajo la etiqueta #littlesecretfilm en cualquier servidor de Internet.
Little Secret Film no es un movimiento: es un modelo de producción basado en el riesgo, la improvisación y el azar; una defensa de Internet como medio de distribución; un acto de amor al cine.
Little Secret Film es una manera diferente de hacer cine. ¡Viva el cine!
Bajo estas 10 premisas, el modelo ya cuenta con 15 largometrajes. Ya hay quien lo compara con el movimiento Dogma, creado por Lars Von Trier y Thomas Vinterberg. Intuyo, desde luego, cierto parecido entre los dos movimientos, sobre todo a la hora de romper la tendencia, transgredir las normas no escritas acerca de la producción de cine actual y la incansable búsqueda de creación de un cine puro, donde lo importante son la historia y el actor, dejando en segundo plano los efectos visuales modernos.
Todo en Little Secret Film está rodeado de cierto romanticismo: la idea platónica de Cine, donde la película es lo importante; la colaboración desinteresada de todos los integrantes del equipo; el peso que el modelo ofrece al actor, que da rienda suelta a sus dotes interpretativas y de improvisación; y, por supuesto, la gran accesibilidad de la obra para el gran público a través de Internet.
Llama la atención el límite de 24 horas de rodaje ininterrumpido. El margen de error se acorta hasta hacerse casi nulo, sobre todo si se pretender generar cinta para una producción de más de una hora: una estudiada improvisación teatral-digital.
Piccolo Grande Amore
Piccolo Grande Amore es la primera obra que he visto de este modelo de producción. Casi 90 minutos de cine donde, además de la historia, marca la brillante actuación de todos los participantes.
(Muy) Breve sinopsis:
Los miembros del curioso Club para la apreciación de la canción italiana, dirigido por Claudio, quedan por fin para verse las caras. Todos los miembros del club son mujeres, a excepción del creador de la idea. Todas han visto sus vidas modificadas, empujadas por la irresistible personalidad de Claudio, y por el terrible Amor, fuerza despiadada que gobierna el Universo.
Excepcional la interpretación de los actores, como ya he dicho. Son varias las ocasiones en las que los personajes se atreven con viejas canciones italianas, que cantan a capela: un toque de distinción, que alimenta más el mérito del reparto, que ya era mucho. Tampoco nos iba a extrañar siendo, como son, actores de muy interesante trayectoria tanto en cine como en teatro.
No dejéis de atender a este modelo de producción, concededle el mérito que tiene, y disfrutad (y difundid) las obras que estos amantes del cine nos ofrecen. Un regalo en forma de talento. ¿Qué más se puede pedir?
Confieso que me enfrento a este post con cierto temor, tengo miedo a que se me tache de frívola y superficial debido al tema a tratar, y por esa misma razón me resistía a ver ‘Magic Mike’. Para los que no la conozcáis, esta película trata sobre el mundo del stripper masculino, pero no os confundáis, en primer lugar aclarar que a mí no es un tema que me atraiga en absoluto, es más, en mi humilde opinión considero que un striptease masculino es una de las cosas más chabacanas que me puedo encontrar y que más vergüenza ajena me puede dar. Aclarado esto, decir también que la cinta la dirige Steven Soderbergh (toda la saga ‘Ocean´s’, ‘Erin Brockovich’, o ‘Traffic’, por poner algunos ejemplos), lo que fue uno de los puntos para que al fin me animara a verla, cosa de la que no me arrepiento en absoluto.
Os pongo en situación con unas simples pinceladas sobre el argumento. El film narra la vida de Mike y sus compañeros en un club de striptease masculinos de Tampa, Florida. Mike tiene sueños y quiere montar un negocio de muebles artesanales, pero mientras tanto, sabe que una buena forma de ganar dinero fácil y conocer muchas mujeres es explotar su talento como stripper. Introduce en este mundillo a un joven de 19 años llamado Adam quien se ve atraído por este tipo de vida nocturna, pero no es capaz de alejarse de los peligros que implica. En resumen, esto es lo que nos cuenta ‘Magic Mike’.
Siento contradecir a todo aquellos que ven en esta película la versión masculina del ‘Bar Coyote’, pero con más descaro, permitidme que os diga que si solo habéis llegado hasta ahí no veis más allá de vuestras narices, si tengo que compararla con alguna, en todo caso veo similitudes con ‘Boogie Nights’. Esta cinta tiene una estética underground, es fresca, divertida, muy descarada, está muy bien rodada y cuenta con unas actuaciones increíbles, todas dignas de aplauso. Tiene sus defectos, claro está, no es ni mucho menos la mejor película de Steven Soderbergh, pero se merece su huequecito entre los estrenos más interesantes del año pasado; para mi gusto le falla el final, por ser un tanto descafeinado, pero por lo demás pocos peros le pongo.
Paso a hablaros del reparto, como ya os he comentado esta estupendo, sí, en todos los sentidos. Ya hablando en serio, las actuaciones son muy buenas, parece que esto del striptease lo llevaran haciendo toda la vida, aunque alguno tenía cierta experiencia previa de sus años mozos, es el caso de Channing Tattum de cuya cabeza surgió la idea de la película. Tattum, a parte del productor es también el protagonista, Mike, he de confesar que este señor nunca ha sido santo de mi devoción (‘Querido John’ me aburre sobremanera), ni siquiera me resulta especialmente atractivo, pero sin embargo aquí hace un trabajo magnifico; sus números de baile son espectaculares, he descubierto que tiene un don para la comedia, por lo tanto, retiro todos mis malos pensamientos y prejuicios acerca de sus facultades como actor porque estaba realmente equivocada. También podemos ver al actor británico Alex Pettyfer, a quien yo conocía por su papel de Alex Rider, esa especie de mini-James Bond de ‘Stormbreaker’, pues bien, (ahora es cuando me toca pedir disculpas de antemano porque llega el comentario “baboso” que tanto he tratado de evitar), pasa a formar parte de ese grupo de ‘yogurines’, que al igual que Zac Efron, han crecido para el bien común y damos gracias por ello, solo les queda demostrar que son buenos actores porque el resto ya lo tienen ganado.
Dejando de lado mi entusiasmo por el británico, decir que en el film aparecen tres rostros televisivos fácilmente reconocibles que también realizan un trabajo sobresaliente, son: Joe Maganiello, uno de nuestros hombres lobos favoritos por su papel de Alcide en ‘True Blood’,y que interpreta a un señor apodado 'Big Dick Richie' (prefiero ahorrarme la traducción), una de las mejores escenas del film es cuando Maganiello sale vestido de bombero (lo sé, todo suena fatal pero tenéis que verla).
También podemos disfrutar de Matt Bomer, protagonista de ‘White Collar’, se rumorea que gracias a este papel en 'Magic Mike' es uno de los candidatos favoritos para interpretar al famoso Christian Grey, pero el único obstáculo puede ser su reconocida homosexualidad (que absurdos son los norteamericanos cuando quieren); y el tercero que da la sorpresa no es otro que Adam Rodríguez, muchos le reconoceréis por su trabajo como Eric Delko en 'CSI: Miami', pues bien, el bueno de Adam ha decidido dejar de lado su imagen de ‘rata de laboratorio’ y enseñarnos que él tiene algo más.
Por último, dirige el cotarro Matthew MacConaughey en el papel de Dallas, y ante cuyo trabajo me quito el sombrero de cowboy, doy las gracias porque este señor ya no pretenda ser el rey de la comedia romántica y nos ofrezca actuaciones como esta que son realmente interesantes; jamás creí que iba a decir esto de Mateo, pero el personaje de Dallas me da autentica grima, y eso me gusta. Un ¡olé! por MacConaughey, que aunque en el film vemos que los años no pasan en balde para nadie, interpreta el papel de su vida.
Poco, más me queda por añadir, solo deciros que deberíais verla, por las razones que queráis, bien porque os apetece ver pectorales y mucho musculo, obuenas coreografías; o porque los tiempos están cambiando, ya era hora de que el cine nos mostrara al hombre como objeto, que parece que esos papeles siempre estaban reservados para mujeres; o porque siempre es interesante ver el trabajo de Soderbergh; o porque queréis ver unas magníficas interpretaciones; o simplemente por su increíble grosería que es un soplo de aire fresco entre tanta monotonía.
Yo nací en los ochenta. Sí, fui uno de esos niños que tuvieron una bicicross de BH, que crecieron con Mazinger Z, con La historia interminable (Die unendliche Geschichte, 1984) y fueron testigos de la primera emisión en España de Dragon Ball. ¿Qué fue de Bastian subido a lomos del dragón Fujur, la Emperatriz Infantil o al guerrero Atreyu? Los que nacimos y crecimos en la década de los ochenta somos de otra pasta, unos supervivientes del VHS, de las cintas de casete y testigos de excepción de la evolución que ha vivido el cine en los últimos treinta años. Los que nacimos en los ochenta aprendimos la historia del cine... al revés.
Como niño de los ochenta crecí con películas (alguna convertidas ya en mitos del séptimo arte) que ayudaron a que me familiarizara con referencias y homenajes al cine clásico de Hollywood. Se podría decir que mi primer acercamiento al cine antiguo se fraguó a través del cine actual de la mano de Francis Ford Coppola, Martin Scorsese o el mismo Tarantino.
Pero hubo una película que resultó excepcionalmente influyente en lo que supuso mi primera toma de contacto con el cine negro en mi, por aquel entonces ingenua e inexperta, imaginación infantil. Esa película era -aunque parezca mentira- Solo en casa (Home Alone, 1990).
Y es que en la película que catapultó a la fama a Macaulay Culkin había un breve momento, que se repite invariablemente en el transcurso de la historia, que cimentó mi idea de lo que para Hollywood debía ser el cine negro; el cine clásico. Hablo de la escena en la que Kevin McCallister se prepara un tazón de helado y se dispone a ver una cinta titulada "Angels with Filthy Souls".
Pese a frustrar al pizzero, en primer lugar, y a los ladrones que tratan de robar en casa más tarde -haciéndoles creer que hay adultos armados y peligrosos en casa- y pese a contar con todas las características que definen el cine negro de los años cuarenta -sombras expresionistas, oficinas llenas de humo, sombreros fedora y tommyguns- resultó que Angels with Filthy Souls no era una película real, sino una película ficticia de gangsters creada especialmente para la saga "Solo en casa".
La fidelidad de las escenas con los estilos cinematográficos y prácticas reales del Hollywood de 1940 importaba poco; lo más importante en mi imaginación hasta ese momento era el hecho de que la película parecía de aquella época y resultó que no lo era. Más tarde descubrí que el film es una parodia de Ángeles con caras sucias (Angels With Dirty Faces, 1938), el clásico protagonizado por James Cagney en el que los responsables de "Solo en casa" decidieron inspirarse para su "película"; sí, su película dentro de su "otra" película.
Existe incluso una secuela de esta película ficticia llamada "Angels with Even Filthier Souls" que aparece en la segunda parte de Solo en casa (Home Alone 2: Lost in New York, 1992) que el bueno de Kevin utiliza para asustar a los encargados del Hotel cuando estos descubren el engaño:
Por si os pica la curiosidad, aquí tenéis el trailer de la peli real en la que se inspira esta recreación:
Este post puede estar fuera de lugar ahora, no es 5 de noviembre y el calor de las manifestaciones populares en España ha descendido, pero me apetecía escribiros de esta fantástica película que sin duda tenéis que ver, si aún no lo habéis hecho.
La película está protagonizada por Natalie Portman como Evey Hammond , una periodista que trabaja en la televisión pública británica, y Hugo Weaving como el misterioso "V". Ambientada en un futuro donde la sociedad británica languidece bajo el yugo de un régimen autoritario, "V" hará todo lo posible para llevar a cabo su venganza.
Pero hablar de "V de Vendetta" no es hablar de una historia usual, ya que, como ocurre en Matrix (la gran obra de los hermanos Wachowski), hay mucho más que una película de acción detrás. Hablar de "V de Vendetta" es hablar de política y de revolución, de libertades perdidas y como recuperarlas.
La máscara representa a Guy Fawkes y es el símbolo elegido por "V" contra la tiranía del Adam Sutler y Fuego Nórdico. Todos tenemos algo en común, vivimos bajo el yugo de una tiranía. Pero somos más los que estamos abajo. Todos somos uno.
Fuego Nórdico controla los medios de comunicación, sus voceros hablan noche y día de los peligros que acechan y el caos que llegará. En definitiva, miedo, una poderosa herramienta usada demasiadas veces para recortar libertades que nos pertenecen. Miedo al emigrante, miedo al que es diferente, miedo a los enemigos de fuera o a los enemigos de dentro. Y por miedo es como esta sociedad ficticia se entrega a nuestro tirano.
Y es que "V de Vendetta" hoy en día es más que una película y se usa como fuente de inspiración de ciertos movimientos sociales que creen que hemos perdido el control de nuestras instituciones en favor de intereses más poderosos.
Así su iconografía se puede ver en manifestaciones y es usada por grupos como Anonymous que plantean ciertos ataques cibernéticos. Fue bastante popular hace unos meses la imagen de algunos mandos policiales sujetando la ya famosa máscara como símbolo de la desarticulación de uno de estos grupos por presuntas actividades ilegales.
Y en mi opinión personal, este esperpento de rueda de prensa que se dio, salvando las distancias, sería similar a la teórica rueda de prensa que se daría si "V" hubiera sido capturado.
Pero como se dice en la película, las ideas, son a prueba de balas. Disfruten de esta fantástica película que aumentara sus ganas de revolución.
"Este POST es grosero e irreal, las IMÁGENES de los famosos son pobres imitaciones, debido a su contenido les aconsejamos que no lo LEAN"
Cruel, radical, archi-políticamente incorrecta, grosera, sarcástica, cínica, ácida, surreal, absurda... Trey Parker y Matt Stone tienen su particular forma de ver el mundo.Se meten con todo y con todos, utilizan temas controvertidos, los analizan con palabrotas, y luego los distorsionan y les dan un giro totalmente absurdo y excéntrico. Eso sí, al final siempre hay una moraleja porque, al fin y al cabo, Kyle, Stan, Cartman y Kenny son sólo niños que intentan aprender lecciones de vida entre taco, polémica y la soberana estupidez de los adultos.
Pero el motivo real de este post es el de repasar el legado que South Park ha dejado en el cine, y no me refiero a la película, sino a las celebridades de Hollywood a las que más cruelmente han atacado en sus episodios, a aquellas que han caricaturizado y parodiado vilmente, y los que han resultado ser los capítulos más controvertidos y polémicos de South Park (no entiendo porqué, si sólo se meten con ricos y famosos). ADVERTENCIA: ES SOUTH PARK.
Vida de una obesa en Etiopía - por Sally Struthers
¡Sesenta puntos y nueve vidas para el/la que me aclare quién es Sally Struthers! En "Starvin' Marvin" (1997), la señora Struthers -con un sospechoso y excesivo sobrepeso- es "la cara famosa" de una ONG que lleva alimentos a Etiopía, pero Cartman es enviado allí por accidente y descubre que la tía lo engulle todo. Mientras tanto, South Park recibe un ataque masivo de pavos de Día de Acción de Gracias genéticamente modificados, y Chef lidera la batalla parodiando a Braveheart. Este episodio es una sátira genial sobre la indiferencia de los Estados Unidos hacia el hambre en África.
Barbara Streisand (uuuuuh uuuh uuuh) es Godzilla
¡Trey y Matt parodian a las famosas películas Kaiju! Tras completar el "Diamante de Pantheos" encontrado por Cartman y Kyle, Streisand evoluciona -pre-discurso japonés incluído- a... "Mecha-Streisand" (1998), un mega-dinosaurio mecánico. Streisand-zilla es finalmente abatida por Robert Smith, el cantante de The Cure, que se transforma en una mariposa gigante.
Ben Affleck se acuesta con la mano de Cartman
En "Fat Butt and Pancake Head" (2003), Cartman hace una presentación sobre la contribución de los latinos en la cultura de Estados Unidos y utiliza su mano, cual ventrílocuo, para crear una diva que se llama -sonido en jota- Jennifer López. La auténtica J.Lo aparece cabreadísima por South Park porque la Jennifer-mano acaba firmando para la misma discográfica y arrebatándole su carrera, sus fans y a su pareja de entonces, Ben Affleck. El elegido en los Oscars tampoco se ha salvado de South Park.
Christopher Reeve con células madre
Un año antes que muriera el actor, la tropa de South Park demostró que ni siquiera las estrellas más queridas se iban a salvar de sus crueldades: crearon "Krazy Kripples" (2003). El Reeve de South Park hacía campaña para fomentar el uso de células madre, reconociendo que él mismo las utilizaba para curarse y recuperar su movilidad. ¿Cómo lo hacía? Succionando fetos. ¿Grosero? Sí ¿Ofensivo? Sí. Pero funcionó. Y en cuanto Reeve se recuperó totalmente creó la "Legión de la muerte" (en México se tituló "Los inválidos locos") y reveló su plan para dominar el mundo y sembrar terror y caos.
Mel Gibson está loco de remate, y mucho
"La Pasión de Cristo" (2004) recorrió Estados Unidos como un huracán, embolsando millones de dólares y generando numerosos debates sobre el cine y las divisiones religiosas, hasta tal punto que la gente empezó a preguntarse: ¿Qué tan loco esta Mel Gibson? South Park puso la respuesta en bandeja: mucho, muchísimo. Stan y Kenny van a la casa de Gibson para intentar que les devuelva el dinero que han pagado en el cine. Gibson reacciona saltando de un lado para el otro diciendo: "¿quieres torturarme, verdad?" y ridiculizando a varios personajes de sus películas, William Wallace incluído. Hasta Cartman, que lo había venerado con esa película porque por fin le había dado una razón para odiar a los judíos y comenzar su campaña antisemita, termina por desidolatrarlo.
Tom Cruise sale del armario
En el capítulo "Trapped in the Closet" (2005) la peña de South Park se burla de Tom Cruise personal, profesional y espiritualmente. El actor fue retratado como un hombre desesperado por la aprobación del profeta de la Cienciología, quien resulta haber retornado en forma de Stan. Tras fracasar en su intento, se encierra en el armario del cuarto del niño. John Travolta intenta disuadirlo, pero termina encerrado con él. Un ridículo continuo gira en torno a la Cienciología y, por supuesto, a lo de sacar a Tom del armario. Sé que no era lo que pensabais pero, según los creadores, la metáfora del armario es una insinuación sobre las veces que Cruise ha demandado a gente en el pasado y lo ha negado.
Angelina Jolie tiene piojos en...
Hay una epidemia de piojos en el colegio, pero el capítulo "Lice Capades" (2007) se desarrolla en aquellas cabezas donde los piojos han creado su ciudad, su hogar, y sus vidas: la dura vida de un piojo. Tras varios "desastres naturales" -obra del clásico champú anti-piojos- un superviviente llega, finalmente, a la tierra prometida, donde el líder le da la bienvenida y le dice que allí han vivido en paz por generaciones y sin haber sido molestados jamás. Al alejar la cámara se revela que este lugar es el pelo púbico de Angelina Jolie...
Y termino de escribir esto con TERROR porque hasta los editores de Crónicas de Valhalla tienen personaje en South Park. Tres vidas más para quien encuentre al que ha matado a Kenny.
Hablar de Nacho Vigalondo es hablar de CINE, pero del que se hace sin complejos, sin prejuicios. Hablar de Nacho Vigalondo es hablar de controversia, elegancia y extravagancia -que aunque parezcan conceptos enfrentados, están estrechamente vinculados-. Hablar de Nacho Vigalondo es hablar de uno de los directores españoles con mayor proyección internacional. Hablar de Nacho Vigalondo es hablar de la nominación al Oscar que recibió por su cortometraje "7.35 de la mañana"; es hablar de Extraterrestre o Los Cronocrímenes, de la que por tierras hollywoodienses llevan ya unos años con idea de rodar un remake.
Hablar de Nacho Vigalondo... pero nosotros no queríamos hablar de Nacho Vigalondo; queríamos hablar con Nacho Vigalondo (vale, puede que se nos haya subido muy rápido a la cabeza lo de Mejor blog de Cine y Televisión). Así que con esa ausencia de pudor que nos caracteriza nos pusimos en contacto con él y, para goce de propios y extraños, accedió amablemente a atendernos (prometemos que libre de amenazas y sin emplear ninguna clase de coacción).
Foto: Leticia Hueda
Crónicas de Valhalla: Nacho, has pasado por casi todos los registros audiovisuales, guionista, actor, productor, director. ¿Cómo te defines?.
Nacho Vigalondo: Aunque lo que más he hecho, y desde hace más tiempo, es escribir, creo que de tener que escoger una de las opciones que planteas es la de director. Ha habido épocas en las que he vivido de la interpretación, y otras en las que estaba convencido de ser únicamente guionista, pero hoy por hoy no hay nada que me haga disfrutar más que un día de rodaje, y no hay nada que me haga reflexionar más que el lenguaje cinematográfico.
CdV: Empezaste haciendo cortos y te dieron muchas satisfacciones, ¿cómo fue el paso a los largometrajes?.
N.V.: Fue bastante duro y laborioso, un proyecto como Los Cronocrímenes no planteaba más que dudas, y más estando yo detrás, que no había rodado nada que no fuese comedia. Tuve el apoyo de la nominación al Oscar por aquel corto, y Eduardo Carneros, el productor, creyó en el proyecto desde el borrador, pero desde el primer momento hasta la distribución todo fue complicado. Recuerda que habíamos vendido los derechos de remake y distribución en USA sin que nadie supiera nada de ella en España.
CdV: Bayona dijo en la gala de los Goya que hay que arriesgar, hacer cosas grandes porque puede merecer la pena y sí somos capaces. ¿Crees que los directores españoles arriesgan poco?
N.V.: No puedo contestar a esa pregunta, porque, para empezar, no creo que los directores españoles se puedan contemplar como un colectivo definido, y menos a la hora de juzgar una capacidad de riesgo, en conjunto. Tendríamos que ir mirando a todos los directores, uno por uno, y nos daríamos cuenta que cada director no sólo tiene una personalidad diferente, sino que además se dirige a mercados distintos, a públicos que no tienen nada que ver entre sí.
CdV: ¿Qué te parece que se utilice la gala de los Goya como plataforma de reinvindicación política? ¿Se desvirtúa el cine?
N.V.: Esa percepción de los Goya como acto político no se genera al ver la gala, ya que en realidad, muy pocos de los presentes fueron reivindicativos, sino que se construye la mañana siguiente, en las portadas de algunos periódicos. Medios de comunicación que, por otro lado, politizan sus contenidos sin rubor trescientos sesenta y cinco días al año.
Mi postura es que cada uno, desde cualquier filia política, debería ser capaz de decir en voz alta lo que le venga en gana a la hora de recoger un premio, algo propio de cualquier régimen democrático.
CdV: Fuiste guionista de la segunda edición de Gran Hermano, ¿qué nos cuentas de esta experiencia?
N.V.: Bueno, viví en primera fila la tensión que desembocó en la expulsión de Carlos Yoyas. Aquello fue como la crisis de los misiles de Cuba en versión pop. Recuerdo que todos los partidos políticos apoyaron en unísono la expulsión de Carlos Yoyas. Carlos Yoyas creó en un fin de semana un sentimiento de unidad política que no provocó ni el terrorismo vasco en cuarenta años.
CdV: En tu carrera has hecho muchísimos guiños a la comedia y al humor, ¿es tu género?
N.V.: Nunca me lo he planteado así, como mi género, aunque reconozco que me costaría mucho hacer una película que no le diese en un momento dado al público la oportunidad de reirse de lo que está viendo, o de percibir lo ridículo de algunas situaciones. No es humildad, incluso pienso que es lo contrario. Hay que tener mucha confianza en la dimensión "seria" de tu discurso para permitirte burlarte de ella. También apelas a la inteligencia del público. Para mí lo horrible sería forzar la solemnidad de una película para subrayar su importancia.
CdV: Eres un director jóven, español y con muchos logros a tu espalda. ¿Una combinación del buen trabajo con la buena suerte?
N.V.: Entiendo que, desde fuera, tengas esa percepción tan halagadora de mi carrerilla, pero desde aquí te aseguro que veo tantos logros como tropiezos, golpes de suerte y giros desdichados. En cualquier caso, creo que es imposible rodar tres películas sin mucho trabajo de por medio, pero ha habido momentos de potra gigantesca, como haber sido nominado al Oscar por un corto.
CdV: Extraterrestre, tu segundo largo y todo un éxito. ¿Cómo fue el embarque en esta aventura?
N.V.: Bueno, no estoy seguro de que haya sido un éxito. Digamos que ha conseguido cosas que son extraordinarias, como una distribución internacional bastante inusual para una comedia en español con ese presupuesto, o una aceptación crítica que yo no había tenido nunca, pero no encontró su público el día del estreno. En cualquier caso, fue una película muy placentera desde que la escribí hasta que la montamos. Fue una manera de escapar de las dificultades en el desarrollo de Open Windows, que ya había empezado, con lo cual, en realidad, Extraterrestre es mi tercera película.
Foto: Leticia Hueda
CdV: Dicen que es una película excéntrica. ¿Dicen eso quienes no entienden tu humor?
N.V.: Bueno, no creo que "excéntrica" sea un calificativo necesariamente negativo. Yo jamás lo utilizaría en ese sentido. Por otro lado, nunca he pretendido hacer una comedia que intentase ganarse el calificativo de "excéntrica". Es más, he pretendido retratar las idioteces que, honestamente, creo que llenarían nuestros días si las sociedad se quedase en pausa de un día para otro.
CdV: Actualmente estás ya trabajando en tu tercer largometraje, una apuesta grande, debutas en inglés. ¿Cómo está siendo esta experiencia? ¿Nos adelantas algo de Open Window?
N.V.: Está siendo un desarrollo muy largo y muy complejo. Se trata de un guión que empecé a escribir en el 2007, y que ha sido reescrito a fondo muchas veces. La película transcurre a través de la pantalla de un portátil, y toda la acción transcurre en tiempo real, en un plano secuencia.
CdV: ¿Hay alguna obra que te gustaría reinventar y adaptar al cine?
N.V.: Me gustaría ser capaz de adaptar al cine "La transmigración de Timothy Archer" de Philip K. Dick, sin insultar la obra original.
CdV: Tu flirteo con las redes sociales ha generado bastante controversia. ¿Crees que Twitter ha ayudado a tu popularidad?
N.V.: Sinceramente, no lo sé. Hay gente, incluso periodistas, que creen que soy el twittero con más seguidores de España, cuando, si comparas mi cifra con la de cualquier figura televisiva, ocupo un espacio diminuto.
CdV: ¿Nos cuentas un sueño?
N.V.: Vivir del cine hasta que explote. El cine o yo.
CdV: Muchas gracias Nacho por concedernos este rato de tertulia bloguera.
N.V.: Gracias a vosotros.
Y así concluía nuestra distendida charla. No me gustaría terminar sin reiterar nuestro agradecimiento a Nacho por el rato de tertulia, a Leticia Hueda por las fotografías y a Cristina Vílchez por echarme una mano con la entrevista.
"He aquí que veo a mi padre, he aquí que veo a mi madre, a mis hermanas y mis hermanos. He aquí que veo el linaje de mi pueblo hasta sus principios. Y he aquí que me llaman, me piden que ocupe mi lugar entre ellos, en los atrios de Valhalla, el lugar donde viven los valientes para siempre".
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Publicado por SrRorschach | 
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