Entrevista a Manolo Hernández y Vicente García, director y guionista de DOMO

Manolo Hernández (guión, producción y dirección) y Vicente García (guión, producción y diseño de producción), han tenido a bien concedernos una entrevista exclusiva para hablar sobre su primera aventura cinematográfica, DOMO, de la que ya os hablamos por aquí hace unos meses.

Sin más preámbulos, aquí os dejamos con la distendida tertulia que mantuvimos con ellos.

Crónicas de Valhalla: ¿En qué momento y cómo surge la idea de "DOMO"?.

DOMO: A finales de 2009 pensamos en llevar a cabo un nuevo proyecto, ¿Pero cuál? Nos preguntamos, acabábamos de realizar en un año; un corto, un videoclip, un documental, y el piloto de una sitcom, y decidimos que era el momento de dar el salto a un largometraje.

CdV: Contad a nuestros lectores de qué va "DOMO".

DOMO: Morgen Brandt, era una soprano de origen Alemán que murió hace muchos años en el incendio de su casa, donde ahora hay un museo llamado con su nombre.

Sira trabaja en el turno de noche limpiando en el Museo MORGEN BRANDT y empieza a notar una presencia extraña.

CdV: ¿Qué nos podéis desvelar de la trama?

DOMO: Más que de la trama te podemos hablar del concepto narrativo de la peli, que creemos es novedoso.

Domo se ha grabado, de manera íntegra, desde el punto de vista de todas las cámaras de seguridad que hay en el Museo, donde se sitúa la acción de la peli, es como si alguien ha cogido los brutos que han captado las cámaras de seguridad en las 2 noches en donde suceden los hechos, y con esos brutos los ha editado, dejando muchas horas de grabación, en una hora y pico de metraje final,

Aclaramos que es ficción, jamás quisimos fomentar un bulo de que pasó en realidad, solo nos interesaba el punto de vista de las cámaras para contar la historia, esto creemos que jamás se ha hecho al 100 %, si que se ha utilizado la estética de las cámaras de seguridad en una parte de alguna peli, pero en la totalidad no, al menos que sepamos.

No hay contra planos, ni primeros planos, ni planos detalle, ni panorámicas, ni nada de lo que se utiliza en la narrativa cinematográfica convencional, todo es en plano general y ligeramente picado simulando el tiro de cámara de video vigilancia.

Pero solo desde el punto de vista de la imagen, porque el sonido sí que se oye como en cualquier peli.

Gran parte de la peli la grabamos en el Museo Municipal de Badalona, un sitio espectacular.

CdV: ¿Por qué ese título?

DOMO: Precisamente por lo del concepto narrativo de grabar desde el punto de vista de las cámaras de seguridad, a este tipo de cámaras que están pegadas al techo se les llaman cámaras Domo.

CdV: ¿Los protagonistas de "DOMO" son actores profesionales?

DOMO: Algunos si, aunque no todos, pero todos tienen experiencia, en teatro, cine o cursos de formación.

CdV: ¿En cuánto tiempo se ha rodado la película?

DOMO: En 4 noches, un día y dos tardes.

CdV: ¿Y cuántos meses de preparación previa ha necesitado?

DOMO: Nosotros empezamos a escribir la escaleta del guión en enero de 2010, y el rodaje lo empezamos en mayo de 2012.

Lo más complicado fue adaptarnos al punto de vista de las cámaras de seguridad, era levantar un historia en donde no había artificio por parte de la cámara, todo era aséptico y directo, y pronto nos dimos cuenta que teníamos que hacer andar la historia sobre todo desde el diálogo, pero el problema es que gran parte del tiempo de la peli vemos a una chica sola en un museo por la noche, nos costó salir pero creemos que ha merecido la pena.

Luego buscar el equipo, un equipo de 40 personas directas, entre técnicos y actores, una veintena de figurantes y muchos colaboradores.

Todo ello dilató mucho el proceso de preproducción.

CdV: ¿Con el presupuesto que teníais inicialmente se puede hacer una película?

DOMO: Abrimos una cuenta con 2.000 € y es lo que gastamos, ya desde el guión teníamos claro que no había mucho dinero, con lo cual el guión siempre estuvo supeditado a no pasarse en el presupuesto.

Esto añadido a que desgraciadamente no pudimos pagar a nadie, y que muchos de los que curraron en la peli son profesionales con experiencia, y que el digital da una muy buena calidad con poco dinero, el resultado es que si quieres, es posible, pero has de quererlo de verdad.

El problema, además de trabajar con un presupuesto exiguo, viene dado por la complejidad del guión. A más complejidad, más caro. Por lo que hay que buscar como simplificar una idea, y luego plasmarla en un guión sin perder calidad y esto si que entraña una dificultad considerable.

CdV: ¿Por qué ahora se os ocurre embarcaros en este proyecto, cuando la situación económica parece que no anima?

DOMO: Siempre es buen momento para cumplir un sueño.

CdV: ¿Creéis que hacer cine en este país es cosa de locos?

DOMO: Nunca es tarde para emprender una aventura, y es más divertido si es con un punto de locura.

CdV: ¿Pensáis que a lo mejor una buena forma de solucionar la crisis de la industria en este país es hacer lo mismo que vosotros, contar historias sencillas y sin artificios?

DOMO: Por supuesto, hay que empezar a cambiar el rumbo de las cosas, ahora cada vez es más complicado aspirar a ayudas y subvenciones, es el momento de la imaginación y el coraje.

CdV: ¿Qué opináis de toda la polémica surgida con el tema de la piratería?

DOMO: Es un tema muy complicado de resolver, es ponerle puertas al campo. Es evidente que Internet ha cambiado muchas cosas, y no es fácil buscar el término medio que beneficie a todos, ojalá se consiga.

CdV: ¿Hay qué cambiar los canales de distribución o las cosas funcionan como están?

DOMO: Hay que cambiar sin duda porque el mundo ha cambiado, ahora es posible hacer pelis con calidad a un bajo coste, esto ha democratizado el mundo del cine, en donde todos tenemos más oportunidades, y esto debe llegar a las salas de cine, por ejemplo algo que ya funciona en otros países, es que al menos en una sala de los multicines se reserve un espacio a las pelis independientes, de bajo coste, o de autoproducción

CdV: ¿Cuáles son las mayores dificultades en las que se ve envuelto un realizador joven a la hora de enfrentarse a un proyecto de estas características?

DOMO: Dificultades hay muchas, pero si sabes rodearte de la gente ideal la cosa tira adelante.

El equipo es vital, y en el cine sin equipo no eres nada, hay que saber delegar y saber nutrirte de lo mucho que te puede aportar el equipo, tener claro lo que quieres, y eso es tener un guión sólido en el que creas de manera absoluta. Saber tratar a la gente, saber respetar a la gente, y estar preparado para tomar muchas decisiones. Mano firme en guante de seda.

CdV: Una vez terminada de rodar la película, podéis contar a nuestros lectores, ¿cuáles son los siguientes pasos a seguir?

DOMO: Enviarlo a festivales, y de manera paralela buscar la distribución en cines, Internet, televisiones, o venta en Dvd. Todo vale.

CdV: ¿Cuáles son vuestras influencias? ¿Quiénes son vuestros ídolos?

DOMO: Muchos y variados: BUÑUEL, KUBRIC, LYNCH, BERLANGA, SCORSESE, BURTON, HITCHCOCK, DE LA IGLESIA, GUILLERMO DEL TORO, EL EQUIPO DE EDICIÓN DE CUARTO MILENIO, CARPENTER, BALAGUERÓ o LOS COEN, entre otros.

En cuanto a pelis, LA COSA, PSICOSIS o EL RESPLANDOR.

CdV: ¿Qué consejos podéis dar a otros jóvenes realizadores que como tú quieran hacer de sus proyectos una realidad?

DOMO: Si quieres, debes, no esperes, es difícil, pero no imposible.

CdV: ¿Y ahora qué? ¿Tenéis algún proyecto futuro?

DOMO: Sí, estamos trabajando en el guión de otra peli de terror, aunque el titulo todavía es provisional.

Y hasta aquí llega la entrevista que amablemente nos han concedido Manolo Hernández y Vicente García. No se nos ocurre mejor manera de concluir la misma que compartir con vosotros el nuevo trailer de la película:


Les deseamos toda la suerte del mundo y esperemos verla pronto en cines.

Suicidio y Genio

Periandro (siglo VI a.c.), además de llevar el injustificado sobrenombre de “tirano de Corinto”, fue uno de los siete sabios de Grecia y primer suicida que la historia pueda documentar. No debiendo ser el único de aquella época pues ya Aristóteles comentaba que, "los hombres de genio, los grandes creadores, ¿no se encuentran entre los depresivos y melancólicos?".

El suicidio, a través de los distintos periodos de la historia, ha tenido distintas consideraciones, pasando de ser “acto demoniaco”, “heroico”... hasta la actual consideración de “hecho social”.

En literatura, como en cualquier otra forma de manifestación artística, los nombres de suicidas aparecen a lo largo de todos los tiempos: Mariano José de Larra, Stefan Zweig, Primo Levi, Ernest Hemingway y Virginia Woolf gozan de ser escritores de prestigio reconocido y que, ¿voluntariamente?, pusieron fin a sus vidas.

David Foster Wallace -DFW- (21 de febrero de 1962 - 12 de septiembre de 2008), "uno de los escritores más influyentes e innovadores de los últimos 20 años", conocido y admirado por su novela “Infinite Jest" (“La Broma Infinita”) es considerada una de las 100 mejores novelas en lengua inglesa.

La admiración que ha generado en los últimos años, la excelente crítica recibida y sobre todo, reconocerlo como un escritor de culto para un querido y gran amigo ha hecho que su primera novela, "The Broom of the System" (“La Escoba del Sistema”), publicada en España el pasado mes de enero y escrita a sus 23 años, haya sido la elegida para el mes de febrero. Basta con abrirla por cualquier página y leer una frase para saber que es algo distinto; un inigualable estilo y estructura diferentes. Extasiado en una original y divertidísima historia, la misteriosa desaparición de la bisabuela de la protagonista y de veinticinco personas más en la residencia de ancianos, DFW  nos relata, en ocasiones de forma estrambótica, la vida tal y como él la concibe; tal y como es.

Para más adelante quedan, sin dudarlo, “La Broma Infinita" y su inacabada “The Pale King" (“El Rey Pálido”).

El padre de David Foster Wallace, tras hallar el cuerpo de su hijo colgado de una soga, lívido y rígido, aseguró que los últimos 20 años su hijo vivió junto a una pesada carga. La enfermedad que sufría, tan solo amortiguada por el habitual consumo de antidepresivos, finalmente acabó con él.

Si la semilla del genio fue depositada en él, en ellos, no me parece lícito dedicarse a buscar en sus obras signos que presagien lo ocurrido. Gracias por compartir vuestra grandeza con todos, pese a todo lo demás.

Alguien dijo una vez:

Morir es lo más hermoso que podía hacer...".

Siempre vuestro, Pedro.

Dexter: resumen y noticias frescas

¿¿Pero lo dices en serio?? ¿¿TODAVÍA NO HAS VISTO DEXTER?? ¿Pues a qué esperas? ¡si ya se ha convertido en un clásico!... ah vale, que sí que empezaste a verla pero la dejaste abandonada, pues no te preocupes porque aquí estoy yo para convencerte para retomarla.

Para quién no lo sepa, que creo que seréis pocos, Dexter es una serie que comenzó a emitirse en 2006 a través de la cadena Showtime, lo que puede que no sepáis es que está basada en un libro, Darkly dreaming Dexter, traducido en España como El oscuro pasajero, y que además de este, hay otros 5 libros más, el último de ellos publicado en 2011. No sabría deciros si la serie está basada en los libros, porque no sabía de su existencia hasta hace unos instantes, pero acaban de pasar a mi lista de lectura pendiente. 

Ganadores de Los Oscars 2013

Llamadme raro si queréis, puede que lo sea, o simplemente puede que me guste el séptimo arte hasta tal extremo que he decidido quedarme despierto hasta altas horas de la madrugada, incluso teniendo que levantarme tempranito para atender a mis labores de estudiante Erasmus, pero vamos, un día más que menos con cara de zombie no pasa nada (mamá, no te alarmes, mejor estar viendo Los Oscars que estar por ahí de fiesta), así que aquí os traigo los resultados de los premiados a lo largo de toda la gala en orden cronológico en que fueron entregados.

Sé que después de haber recibido el premio a Mejor blog de cine y televisión de los premios 20Blogs, estos premios son algo secundario, pero aún así puede que le interesen a alguien, así que hay que hacer un post resumen de lo acontecido… no, en serio, es mi turno para dar las gracias tanto al jurado que nos entregó el trofeo por vernos merecedores de tan prestigioso galardón en el mundillo bloggero, como a vosotros, que sois los que nos seguís y leéis, ya que sin vosotros, nada de esto tendría sentido.

Funny Games

Sería de un mal gusto irreparable empezar esta entrada sin agradecer al jurado de los Premios 20Blogs que eligiera éste como mejor blog en la categoría de Cine y Televisión. El alto nivel de los participantes en la categoría, y especialmente de los finalistas (¡Semejante Ramera! y Toma 11), me hace valorar aún más el premio obtenido. Tampoco puedo olvidarme de todos los compañeros integrantes de esta aventura ‘bloguera’: muchas gracias a todos por vuestro esfuerzo desinteresado, vuestra constancia y el buen hacer que demuestra la gran cantidad de entradas de enorme calidad que ya tenemos aquí. Gracias. Y por supuesto, gracias a ti, lector, por leer lo que tenemos que decir, y por tus comentarios siempre acertados. Uno escribe para ser leído, y sin vosotros nada de esto tendría sentido.

Pero la celebración ya acabó, nos reímos mucho, lo pasamos bien y nos dolió (mucho) la cabeza al día siguiente. Y ahora hay que seguir hablando de lo que nos gusta. Hoy hablamos de Haneke y su genial Funny Games.

Mientras Anna (Susanne Lothar) y Georg (Ulrich Mühe) se dirigen junto a su hijo Schorschi a su casa de verano para descansar unos días, no pueden imaginar el infierno en el que sus vacaciones están a punto de convertirse. La aislada casa de campo se transforma en una ratonera sin salida cuando dos jóvenes, de apariencia inocente, se cuelan en el interior de la vivienda, donde mantendrán secuestrada a la familia. El miedo y la tensión se apoderan desde ese momento de la escena. La lucha por la vida de unos se enfrenta con las ansias de dolor y muerte en los otros, una batalla de la que no pienso desvelar aquí el final.

Haneke consigue con esta película algo muy difícil, pero que no es otra cosa que la base real de la interpretación: que el espectador empatice con el personaje, que nos pongamos en el lugar del que está al otro lado y sintamos su dolor, su miedo y su desesperación. En Funny Games se llega a sentir. La brillante actuación del reparto nos empuja a sentirnos encerrados dentro de esa casa, vigilados por dos enfermos mentales de esos que no levantan la voz ni se ponen nerviosos, de esos cuya tranquilidad produce escalofríos.

Con poca música y a penas efectos especiales, la conversación, el diálogo, cobra todo el peso dramático de la acción; la tensión parte directamente de la situación. La casa de campo se convierte en un espacio cerrado del que es imposible salir. Pero lo más curioso es que la propia finca que rodea la casa, espacio abierto por excelencia, se transforma también en una terrible cárcel, dentro de la que transcurre toda la acción.

Angustiosa y a ratos agónica, Funny Games es una obra que hay que ver. Os aseguro que no os dejará indiferentes. Estoy seguro de que alguno encontrará cierto aire a La naranja mecánica, del genial Stanley Kubrick, y a su ultraviolencia: la violencia sin motivo, por diversión, la violencia por la violencia.

No puedo dejar de mencionar uno de los aspectos más interesantes de esta obra de Haneke: la complicidad con el espectador. Que personajes hablen directamente con los espectadores, rompiendo la estructura tradicional de la escena, nos hace cómplices de una situación aterradora. ¡Ah!, casi se me olvida: ojo con los mandos a distancia.

Crónicas de Valhalla nombrado mejor blog de Cine y Televisión en los premios 20Blogs

Después de muchas semanas de nervios y de compartir momentos de incertidumbre y tensión con el resto de finalistas, ayer se hizo oficial, en la ceremonia que organizó el diario 20 Minutos en Madrid, el fallo del jurado para elegir a los mejores blogs del año.

Queridos amigos -y ahora es cuando me pongo en plan monárquico- me llena de orgullo y satisfacción anunciar que este humilde rinconcito del ciberespacio cinéfilo fue elegido anoche mejor blog de Cine y Televisión de la séptima edición de los Premios 20Blogs.

Como ya os dije en su momento, el simple hecho de haber llegado a ser finalistas fue, además de una grata sorpresa, todo un premio para el equipo de Crónicas de Valhalla, así que os podéis imaginar lo que significa que finalmente nos hayamos alzado con la estatuilla. Solo puedo decir que... ¡somos muy felices!.

Me gustaría no dejar pasar la oportunidad de agradecer a todos los que nos habéis mandado vuestro apoyo y confianza durante la fase de votación y por supuesto al jurado por creernos, en última instancia, merecedores de tan preciado galardón.

Felicitar también a los compañeros de ¡Semejante Ramera! y Toma 11 porque fueron unos dignísimos rivales/amigos en la finalísima.

Y por último... estoy tremendamente orgulloso de todos y cada uno de los miembros de este equipo; esos que han hecho posible que hayamos llegado hasta aquí, los mismos que creyeron en mí y en este proyecto cuando les propuse zarpar juntos en este barco. Son ellos los que, dotando de vida a las palabras, narran las crónicas de este blog desde los mismísimos atrios de Valhalla. Enhorabuena chicos, lo hemos logrado.

Certeza de muerte, mínima esperanza de éxito. ¿A qué esperamos?

¡¡Hemos ganado!! Somos el mejor blog de Cine y Televisión y lo somos gracias a vosotros.

Esperamos seguir compartiendo mutuamente, y por mucho tiempo, nuestra común pasión por el séptimo arte, la literatura y las mejores series de televisión.

¡Fuerza y honor!

And the Oscar goes to...

Me vais a perdonar pero no puedo empezar este post sin hacer una mención a mis compañeros editores, ya que anoche fuimos los afortunados ganadores del premio 20Blogs en la categoría de Mejor Blog de Cine y Televisión, quería agradecéroslo a vosotros lectores, porque es por vosotros por lo que vale la pena escribir cada día, por ello en parte este premio es vuestro. Dicho lo cual no me enrollo más y me meto en harina. Hoy va la cosa de premios, como todos sabéis este domingo día 24 se entregan los premios Oscars y por ello quiero dedicar el tema de hoy a películas de Oscar, voy a hacer un repaso a las producciones que han estado nominadas y se han llevado la dorada estatuilla en la categoría de Mejor Película, en los últimos años. Lo primero que quiero decir es que yo soy un desastre haciendo quinielas, ningún año he acertado con la película que iba a ganar en este categoría, o mejor dicho ningún año le dan el Oscar a la película que yo quiero, pero bueno dicen que para gustos los colores y por lo que se ve a mí siempre me ha gustado desentonar.

Comenzamos haciendo un repaso a los Oscar del 2008, os preguntáis porqué tomo como punto de partida este año y no otro, muy fácil, porque por algún sitio tenía que empezar, no, es broma, elijo el 2008 porque fue el año de consagración de Javier Bardem, ya que consiguió su primer Oscar como actor de reparto gracias a la cinta de los hermanos Coen ‘No country for old men’ o ‘No es país para viejos’, que a su vez fue la ganadora a mejor película de ese año. El film es definido por muchos como obra maestra, nos encontramos a un asesino despiadado (interpretado magistralmente por Bardem), un asunto de drogas, dinero de por medio, un agente de la ley tratando de hacer bien su trabajo,… todos estos ingredientes combinados a la perfección por los hermanos Coen dieron el reconocimiento a la cinta. Pero, siempre hay un pero, no es ni de lejos mi peli favorita de los hermanos Coen, y no es por llevar la contraria, a mí me gustan los Coen, y mucho, pero me gustan cuando hacen humor negro y esta, aunque tiene sus puntos, no me termina de llenar, si me tengo que quedar con una película “seria” de estos directores elijo sin duda la revisión del clásico ‘True Grit’ o ‘Valor de ley’, bien es cierto que  el Western me pierde. Aquí os dejo el tráiler de ‘No country for old men’ por si alguien no la ha visto y tiene curiosidad, y decir, que este año yo aposte por la elocuente ‘Juno’ y el drama romántico ‘Atonement’ o ‘Expiación más allá de la pasión’. 


Año 2009,  mi favorita estaba clarísima, una peli de David Fincher, uno de mis cineastas favoritos, protagonizada por Brad Pitt, una historia emotiva, original,… pero, ‘The Curios Case of Benjamin Button' o ‘El Curioso Caso de Benjamin Button’, no lo consiguió (ni Brad Pitt tampoco, dicho sea de paso, le arrebató el Oscar Sean Penn haciendo de político homosexual). En esta ocasión mi cabreo era doble porque ‘The Dark Night’ /’El caballero Oscuro’ ni siquiera había sido nominada a mejor película. Quien sí se llevo el premio fue ‘Slumdog Millonaire’, que nos cuenta la historia un joven pobre de Bombay, Jamal Malik, que está a punto de ganar la versión hindú del concurso ¿Quién quiere ser Millonario?, pero es interrogado por la policía porque se sospecha que hace trampas, a partir de ahí una serie de flashback nos introducen en la dura vida del joven Jamal; y hasta aquí puedo leer. El problema que  tengo con esta película es que ciertas situaciones son tan crudas que me amargan, y no me dejó un buen sabor de boca por así decirlo. Me sigo quedando con el clásico de Danny Boyle ‘Trainspotting’, esa película sí que cambió mi vida. Aquí tenéis el tráiler de ‘Slumdog Millonaire’.


En 2010 yo tenía también mi favorita, apostaba por Tarantino y la primera de su trilogía de venganzas ‘Inglourious Basterds’/‘Malditos Bastardos’, aunque no me hubiera importado que el premio se lo hubieran dado a otras como ‘An Education’, ‘Precious’, ‘Up’, ‘Up in the Air’ o ‘The Blind Side’; lo que si tenía claro es que no quería que el premio fuera para ‘Avatar’, esa peli que nos vendieron tan bien, pero que para mí no era más que una revisión de la historia de 'Pocahontas', solo que cambiaban a los indios por extraterrestres de color azul. Pero esta vez la sorpresa la dio Kathryn Bigelow con ‘The Hurt Locker’/’En Tierra Hostil', el morbo en esta ocasión estaba servido porque competía contra su ex marido, James Cameron, director de ‘Avatar’. ‘The Hurt Locker’ es un film bélico que narra las experiencias de un grupo de artificieros norteamericanos destinados en Irak, película magistralmente dirigida por Bigelow que te envuelve en una atmósfera totalmente realista, te mantiene en tensión y no te deja despegarte del asiento en lo que dura el metraje. Pero a pesar de lo entretenida, una vez más, no era mi preferida de ese año.


Llegamos al año 2011, y en esta ocasión no sufrí tanta decepción porque el premio fue a parar a ‘The King's Speech’/ ‘El Discurso del Rey’, con una magistral interpretación de Colin Firth, que también se vio recompensada con estatuilla. Este film histórico basado en hechos reales, narra cómo trata de superar sus problemas de tartamudez el Rey Jorge VI de Inglaterra (padre de la actual monarca Isabel II), quien debido a su cargo se ve obligado a pronunciar discursos y cuyo problema en el habla le supone un autentico trauma, pero para solucionarlo recurre a Lionel Logue, un logopeda australiano, cuyas técnicas poco ortodoxas consiguen la mejoría del monarca. Recomiendo encarecidamente este film a todos aquellos que no hayan tenido la oportunidad de disfrutarlo, a mi me pareció muy divertido, pero si me permitís un consejo deberíais verlo en V.O., porque la versión doblada hace que pierdan bastante las actuaciones. Aunque este año mi favorita era la ya mencionada anteriormente ‘True Grit’ de los hermanos Coen. Fue un año con pelis muy majas, también os recomiendo ‘Winter´s Bone’, ‘Inception’/’Origen’, ’The Social Network’/’La Red Social’ y ‘Toy Story 3’. Matadme si queréis pero no os puedo recomendar ni ‘Black Swan’/’Cisne Negro’, lo siento, sé que está entre vuestras favoritas, pero a mí no me gusto nada, solo puedo alabar la maravillosa tarea en la dirección de Aronofsky, pero el argumento me pareció propio de tv movie de las que te ponen los fines de semana en los canales generalistas, ya lo he dicho. Así como tampoco recomiendo ‘The Kids are All Right ‘/‘Los chicos están bien’, ¿en serio que esta última fue nominada a mejor película?, la que creía que iba a ser la mar de entretenida me pareció un pestiño de principio a fin. Bueno después de haber aumentado mi lista de enemigos os dejo con el tráiler de ‘The King´s Speech’.


Llegamos al pasado año, Oscars 2012, me gustaba, y mucho ‘The Descendants’/’Los Descendientes’ (con un magnifico George Clooney dejando de lado su papel de seductor); me encantaba ‘The Help’/’Criadas y Señoras’ (donde todas las actrices estaban estupendas); también apostaba por ‘Moneyball’ (con otra actuación sobresaliente de Brad Pitt, al cual se niegan a darle el Oscar, quizás sea demasiado guapo para este galardón); pero la que no me gustaba tanto era ‘The Artist’, y el premio fue a parar a manos, como no, de ‘The Artist’. En esta ocasión los académicos apostaron por la originalidad de este film francés mudo y en blanco y negro, que narra las andanzas de un famoso actor de los años 20 que ve como su carrera peligra con la llegada del cine sonoro. Aquí podéis ver el tráiler.


Este próximo domingo compiten por el galardón a Mejor Película: ‘Amour’, ‘Argo’, ‘Beasts of the Southern Wild’/’Bestias del Sur Salvaje’, ‘Django Unchained’, ‘Les Misérables’/’Los Miserables’, ‘Life of Pi’/’La Vida de Pi’, ‘Lincoln’, ‘Silver Linings Playbook’/El lado bueno de las cosas’ y ‘Zero Dark Thirty’/’La Noche Más Oscura’. Mis favoritas son ‘Argo’, ‘Django Unchained’ y ‘Zero Dark Thrity’, pero como ha quedado sobradamente demostrado yo nunca acierto, solo me queda decir el clásico “la suerte está echada y que gane la mejor”.

Blancanieves (2012)

Esta semana quiero hablaros de la gran ganadora de los pasados Premios Goya con nada menos que 10 estatuillas de las 18 a las que optaba, de la película que ha sido selecionada por la Academia de Cine Español para representarnos en los Óscar, esta semana dedico este rinconcito a hablar de Blancanieves, de Pablo Berger. 

Sería de cobardes no empezar reconociendo que la idea de una cinta muda, en blanco y negro y que utilizara aspectos tan españoles como los toros o el flamenco para recrear el cuento de los Hermanos Grimm, me hizo en un principio guardar ciertas reticencias a dejarme llevar por la ficción, a creer en aquello a lo que iba a asistir. Blancanieves es una película que intenta emular el cine mudo europeo de los años 20, potenciando al máximo el expresionismo de cada escena con unos cuidados primeros planos. Las palabras que nos cuentan la historia son los gestos, unos gestos entrelazados con una música pasional que describe cada una de las escenas. 

Si en algo resalta es en los apartados técnicos. La banda sonora es una fusión de cine mudo con temas españoles de la época, las luces y sombras matizan, complementan y resaltan aquello que visionamos, los decorados y vestuarios reconstruyen con un gran trabajo la Sevilla de los años 20. 

Además las interpretaciones con un cuidado lenguaje de gestos, y de no gestos, consiguen crear una conexión con aquel que se encuentra al otro lado de la pantalla, resaltando de entre el elenco una Maribel Verdú en el papel de Madrastra, es decir, la película cumple con todo aquello que se le debe exigir, como mínimo, a una película de este género.

Es cierto que esconde ciertas similitudes con The Artist, otra obra reciente del cine mudo, ya que ambas cintas son un intento de rescatar esa esencia de este tipo de cine, orquestando musicalmente una película reciente y filtrando en blanco y negro. Sin embargo, en el filme francés se contaba algo muy previsible, algo que ya habiamos visto antes, mientras que si algo podemos decir de Blancanieves es que le da un giro sustancial a la historia primitiva, confiando más que la primera en el entendimiento del espectador. 

Si tuviera que emitir una valoración, diría que me dejó un sabor extraño, una mezcla de sensaciones atípicas, ya que realmente no me esperaba un relato como el ofrecido. Para mi gusto es demasiado larga y se sobrexplotan ciertos recursos del cine mudo, llegando en ocasiones a resultar un poco lenta. Si te atreves a verla, no puedo asegurarte que te cautive, aunque lo que si te puedo garantizar es que no creo que te deje indiferente. 

Nos vemos en la próxima entrada, hasta entonces... ¡¡¡¡¡ SONRÍAN!!!!!

Lincoln (2012)

Menos de una semana queda para que por la alfombra roja más famosa del mundo pasen las estrellas de camino a la gala donde reparten los premios más prestigiosos del séptimo arte. Así es, amigos, dentro de unos días la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas se pronunciará otorgando el Oscar a la que según ellos es la mejor película/actor/actriz/director... del año 2012. Pero, ¿cuál es a vuestro juicio lo mejor que nos ha dejado el cine? En Crónicas de Valhalla nos interesa más la opinión del gran público que la de los 5783 miembros de la Academia "hábiles" para votar, y por eso desde hace varias semanas os venimos presentando las películas que disfrutan de candidatura en alguna de las múltiples categorías en la edición de los premios de este año. Hoy le toca el turno a la última producción de Steven Spielberg, Lincoln.

Gracias a la omnipresencia de los yanquis en todo el mundo nosotros sabemos más de su historia que ellos de algo que no tenga que ver con EEUU. Por ello, de una manera o de otra todos sabemos quien fue Abraham Lincoln: un presidente de los Estados Unidos, que fue asesinado en la ópera, y que aparece en los billetes de 5 dolares. Pero, ¿sabéis por qué es un ente tan querido y alabado en su país? ¿Sabéis el motivo de su asesinato? No me avergüenza confesar que yo no lo sabía aún, así que esta película se me ha hecho muy interesante a la par que instructiva. Cerca de una veintena de películas se han hecho en el último siglo tratando la figura de ese carismático presidente adelantado a su tiempo, pero la mayoría utiliza el hecho de su asesinato como motivo central alrededor del cual se desarrolla la historia. En esta última superproducción, por el contrario, no se dedica ni un fotograma a este acontecimiento. La narración se centra en perfilar a  Lincoln como político, esposo, padre y ser humano.

Lincoln fue el principal artífice de la abolición de la esclavitud en Estados Unidos. Como miembro del partido republicano llegó a la presidencia en 1860, y su investidura fue prácticamente la gota que colmó el vaso en el país, haciendo estallar la Guerra Civil Americana. Para quien no lo sepa, esta guerra se inició por la sublevación de los estados sureños, cuya economía dependía fuertemente de la esclavitud, y además la presidencia del partido republicano traía consigo otro tipo de reformas que beneficiaban a los estados del Norte en detrimento de los sureños. Así pues esta guerra se produjo entre un grupo confederado de estados del Sur que se proclamaron independientes, y el Norte que se seguía considerando Estados Unidos. Durante los cuatro años que duró la guerra civil, Lincoln intentó por activa y por pasiva movilizar al pueblo y concienciar al congreso de que la abolición de la esclavitud era necesaria, para el fin de la guerra y sobre todo para el comienzo de la implantación de la igualdad racial. Con la Proclamación de Emancipación en 1863 por la cual anunciaba que se iban a tomar medidas para acabar con la esclavitud (amparada por la Constitución hasta esas fechas) se ganó muchos aliados y enemigos en la cámara del Congreso, en la que estaban representados los estados del Norte. Y mientras tanto, en la frontera meridional se libraba la batalla con los estados secesionistas.

Es a partir de este punto donde la película da comienzo. Se centra en los últimos años de su mandato, en como la situación del país y sus intenciones de presentar la 13ª Enmienda afectan a su capacidad de mantener la unidad territorial, y como afecta también en su familia. El papel es interpretado por un soberbio Daniel Day-Lewis, trabajo que se ha visto reconocido con una nominación a los Oscar por mejor actor principal (y que apostaría lo que fuera a que se lo va a llevar). Este hombre ha sido nominado cuatro veces y se ha llevado la mitad de sus candidaturas (por Mi pie izquierdo y por Pozos de ambición), así que donde caben dos caben tres. Perfectamente caracterizado y ayudado de sus similitudes a su personaje (un tipo alto, delgado, con cara de buena persona), completa su actuación con una fuerza presencial en pantalla que solo este actor es capaz de invocar. Otros de los personajes destacables que aparecen en la película son su esposa Mary Todd, interpretada por Sally Field (nominada a mejor actriz de reparto); y el líder de los abolicionistas republicanos Thaddeus Stevens, interpretado por uno de mis actores favoritos, Tommy Lee Jones (también nominado como actor de reparto). Pero eso no es todo, porque son 12 nominaciones las que tiene esta película, entre mejor director, mejor guion, mejor película... ahí es nada.

Cierto es que no es una película con la que te vayas a sorprender, ya que son hechos históricos que sabemos que han ocurrido, y también se puede pensar que el hecho de que este tan nominada es debido a que hablan de una de las figuras mas importantes de la historia de Estados Unidos (y a que Spielberg está sobrevalorado a veces...). Esta película como mínimo os servirá para comprobar las cualidades camaleónicas de un actor tan versátil como Day-Lewis, y sobre todo, para alimentar la leyenda del líder de un país que por primera vez tendió una mano a la raza negra.

Así que si queréis recibir una lección de historia (por supuesto tened en cuenta que tampoco sería un hombre tan bueno como lo pintan, "ni los buenos son tan buenos, ni los malos tan malos") os recomiendo el visionado de este film.

SrRorschach para Crónicas de Valhalla, Granada.

Breaking Bad

No hacer una entrada de Breaking Bad ha sido uno de los grandes pecados que teníamos en Crónicas de Valhalla desde que volvimos hace unos meses, pero con esta nueva entrada pretendemos cubrir ese vacío en nuestra biblioteca seriófila.

La serie consta de cinco temporadas y en la actualidad estamos esperando la emisión de la segunda mitad de la quinta temporada, que será la última,  este próximo verano. Personalmente me encuentro viendo la cuarta temporada luego intentaré hablar de mis impresiones de esta fantástica serie, creada y producida por Vincen Gilligan y emitida por AMC.

En ella, el profesor Walter White (Bryan Cranston) se verá abocado a un mundo muy alejado de su rutinaria vida cuando descubren que tiene una grave enfermedad. Walt decide que debe usar la química de otra forma menos ortodoxa para dejar un mejor porvenir a su familia si el fatal desenlace llega a ocurrir. Y así es como un tranquilo profesor de instituto, que necesita un segundo trabajo para pagar las facturas, decide fabricar metanfetaminas junto a su ex alumno, Jesse Pinkman (Aaron Paul).

Y es que la pareja entre Heisenberg (alias de Walter en el mundo criminal) y Pinkman tiene una pegada increíble en pantalla y su recorrido en la serie es fantástico. Podemos ver como dos personas que en principio no son malas van perdiendo los escrúpulos y hacen lo que haga falta, lo que sea. Y es que en este negocio o aplastas o te aplastan.

Y con esta reflexión llegamos a otros dos personajes que me están encantando, Gustavo "Gus" Fring (Giancarlo Esposito) y sobretodo Michael "Mike" Ehrmantraut (Jonathan Banks). Mike es un personaje que llena la pantalla cuando esta, sientes que si él está, alguien está bastante cerquita de acabar esta historia e irte para el otro barrio. Con su mirada transmite poder y cuando habla, peligro.

Pero al ver a Jesse y a Walter se me ocurre que tanto Gus como Mike son la involución que sufre las personas al ser participes de este negoció, donde se pierden los escrúpulos a niveles inimaginables, donde primero se asesina porque era él o yo y luego se asesina para mandar mensajes, donde solo los listos y crueles sobreviven.

Los monstruos son creados dentro del negocio ya que en si, la base del mismo, está podrida. Porque no lo olvidemos, las drogas destruyen, las drogas arrancan las personas de su vida y las hacen vivir en torno a esos trozos de cristal azul. Y aunque Breaking Bad no desarrolle tan bien este aspecto como si lo hace The Wire, tenemos momentos horripilantes donde se deja bien claro que el punto de partida puede ser noble pero los medios son totalmente inmorales y por lo tanto, pervierten todo lo que tocan. 

Otro tema que subyace es la problemática que hay en los Estados Unidos con el sistema de salud. Los que vivimos en Europa se nos hace extraño ver como las personas de clase media (simplemente lo señalo porque son la base de la sociedad americana) se puede quedar excluida de unos tratamientos médicos de calidad y abocan a estas familias prácticamente a la ruina por tener la mala suerte de sufrir una enfermedad o lesiones realizando su trabajo. Un sistema sanitario que a pesar de ser uno de los mejores solo está al alcance de una minoría y no puedo olvidar que la primera decisión de Walter cuando lo diagnostican es que aquí acaba todo y que no puede dejar a su familia en la ruina. Para mí es algo trágico y hay que tenerlo presente para entender y valorar lo afortunados que somos. 

Una serie fantástica que nadie debería perderse. El final está abierto aún y dependiendo de cuál sea Breaking Bad será una de las mejores o una buena serie, pero sin duda, habremos disfrutado el camino.

Para terminar, una de mis escenas favoritas hasta el momento. Es un spoiler de la cuarta temporada, sexto episodio donde Skyler, la mujer de Walter, ve realmente por primera vez el álter ego de Walter. 

5h 42min de risas y sonrisas

¿Estás contando los días para que llegue la primavera? ¿Estás harto de los políticos? ¿Sufres estrés?¿Cuántas veces te has cabreado en el último mes? ¿Estás triste porque no has podido ir a los caranavales de Tenerife? A veces, el invierno es largo y oscuro, llueve y se respira -y transpira- la falta de vitamina D. A veces, hay momentos de desmotivación, cabreo, capa caída, futuro sombrío y desilusión... ¡No os preocupéis! Que desde un pedacito de Valhalla en modo ''sangre cinéfila'' llegamos al rescate; y es que "a mal tiempo, buena cara", o mejor dicho, "a mal tiempo, buenas comedias". Porque la risa es la medicina omnipresente, omnipotente y omnitodo, y la carcajada tal eficaz principio activo que hay miles de publicaciones con beneficios clínicos demostrados. ¿Qué mejor opción que una sesión de cine para liberar esas endorfinas de la risa?

      

94 minutos: La vida de Brian (1979) de Monty Python

¡Un clásico! Una brillante película satírica y parodia sobre la historia de Jesucristo, en la que se confunde al protagonista Brian con el salvador de la religión católica; un humor "British" de los años 80. Si no la conoces, deberías dejar de leer esto inmediatamente e ir a verla. Curiosamente, fue financiada -y salvada- por el Beatle George Harrison. Además, se prohibió en Noruega, y las malas -y picadas- lenguas dicen que durante su estreno en Suecia, había carteles que decían: "Esta película es tan divertida que la han prohibido en Noruega". Arrasó en taquilla y tuvo tal éxito que está considerada como la mejor película de comedia de todos los tiempos por varias revistas especializadas y varias cadenas de televisión [Wiki, IMDb] y, aún hoy día, es inevitable que no nos arranque una carcajada. ¿Por qué no la pondrán durante las Navidades?

87 minutos: Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo pero nunca se atrevió a preguntar (1972) de Woody Allen

El mismo título ya provoca una perversa sonrisa, ¿a que sí? Esta es una película que parodia y ridiculiza el libro del Dr. David Reuben y aquéllos que tratan de explicar la psicología del sexo. Escrita, protagonizada y dirigida por Woody Allen, está formada por siete segmentos con el clásico humor y estilo woodyalliano sobre temas como la seducción, el travestismo, la sexualidad y la eyaculación. Algunos de estos segmentos son preguntas lanzadas al abismo tales como ¿Son eficaces los afrodisiacos? ¿Por qué algunas mujeres no pueden conseguir el orgasmo? ¿Qué sucede durante la eyaculación? En éste último se viste como un espermatozoide y empieza a lanzar su disertación sobre el asunto.... ya os podéis hacer una idea del estilo que encontrareis.

68 minutos: Sopa de Ganso (1933) con los hermanos Marx

"Duck Soup" en argot significa "algo fácil de hacer", título que llevó consigo la tradición que llevaban los hermanos en llamar a sus películas con nombres de animales; la primera de la cadena de éxitos de los hermanos Marx, como "Una noche en la ópera". Groucho, por su gran popularidad, se convierte en el presidente de la República Democrática de Freedonia, amenazada por la dictadura de Sylvania. Frases famosas como "Claro que lo entiendo, incluso un niño de cuatro años podría entenderlo. ¡Que traigan a un niño de cuatro años!" vienen de esta película. Un humor de los años 30, inocente y surrealista dirigido por Leo McCarey:

"¿Está usted casada? ¿Tiene mucho dinero? Responda primero a la segunda pregunta."
"Claro. Mi marido me dejo toda su fortuna al morir."
"¡Pues permítame decirle que la amo...!"

96 minutos: Loca academia de policía (1984)
"Se necesitan más policías en el cuerpo, no importa sexo, raza, condición física ni mental". Y es así como nace una renovada academia de policía, formada por un fregado de personajes cuyo plan último era hacerse poli. No se trata de una gran película, ni siquiera estoy segura de añadirla a esta lista junto con los Python y los Marx, pero supongo que hizo reír a un buen par de generaciones por los años 80, o por lo menos la primera de las -ni más ni menos que- siete entregas. ¿Cuál era tu personaje favorito? ¿Os acordáis de Michael Winslow?


Como dice Mafalda: "Comienza tu día con una sonrisa, verás lo divertido que es ir por ahí desentonando con todo el mundo".

Os deseo carcajadas, risas y sonrisas.

(500) days of Summer

No os confundáis con mi post de hoy, no soy un fan de las películas romanticonas y caramelosas que te espesan la sangre de las venas hasta que la diñas por muerte celular. Odio a los actores y actrices como Julia Roberts o Hugh Grant que se han hecho asquerosamente ricos haciendo esas películas ñoñas que son siempre la misma maldita historia, contada de la misma maldita manera y siendo a veces el mismo maldito director. Ya que estamos, odio al PP, al PSOE, a Justin Bieber y a los reggaetoneros que no saben usar auriculares, pero bueno no nos desviemos... Entre toda esa mugre de "lecciones de amor" que nos da Hollywood y sus más fieles imitadores en todo el mundo, a veces, y solo a veces, aparecen creaciones que merecen dos horas de nuestro tiempo. Por supuesto, esta es solo mi opinión, y trata acerca de una película que en su momento me caló y que hace poco volví a ver. Pero no os acostumbréis, el próximo día hablo de Torrente y tan panchos.

Lo primero que me convenció es que no conocía a ningún actor, ahí se ganó mi curiosidad. Y fue luego cuando escuché los primeros 10 segundos de la voz narradora en off cuando consiguió mi atención. Tom (Joseph Gordon-Levitt) es un joven licenciado en arquitectura que se dedica a escribir tarjetas de felicitación porque la vida lo ha llevado irremediablemente por ese camino, y un buen día entra a trabajar en la empresa como ayudante del jefe una chica llamada Summer (Zooey Deschanel). Tom es el típico tío que ha crecido escuchando putas canciones del pop de los 80 que le hicieron creer en la existencia de un amor verdadero, un alma gemela, y que su vida seria una desgracia hasta que la encontrara. Por el contrario, Summer conoce la verdad sobre el amor al vivir el divorcio de sus padres cuando era una niña, y crecer siendo una rebelde . De esta manera, ambos se enzarzan en una relación en la que se ve que algo no encaja.

Llegados a este punto no deja de ser la misma mierda de siempre, pero las palabras a veces no son suficientes para describir una historia, hay que vivirla. Es así como en el film consiguen embaucarte, mostrando cosas que todos alguna vez hemos pensado o sentido: salir a la calle bailando después de haber conseguido llegar a segunda base, ver como el mundo se deshace a jirones literalmente cuando no ha fraguado la relación, notar como el tiempo pasa como Usain Bolt cuando todo es perfecto, o como se para cuando se cree que todo se ha acabado, queriendo retener cada mirada y cada caricia hasta el infinito. Se hacen saltos en el tiempo para comparar estados de ánimo, y situaciones aparentemente idénticas pero muy diferentes, todo desde un punto de vista cómico pero no estúpido. Recurriendo a diferentes formas de filmar y a animación, se salen de la linea "realista" que marcan las cosas y las personas físicas y tangibles, y se meten en la verdadera realidad de la mente y las emociones. Además, se incluyen buenas reflexiones que al menos te dejan unos segundos pensativo/a, presentando una historia tan común como la vida misma de una manera diferente, y que independientemente del desenlace siempre merece la pena vivirla.

Os animo a verla, y si al menos consigo que escribáis un comentario con un infinito "GAAAAAAAAYYY" habrá merecido la pena, me subirá una visita, I always win.

SrRorschach para el finalista favorito del concurso 20blogs en la categoria "Cine y Televisión", Granada

El Atlas de las nubes, una nueva fantasía de los hermanos Wachowski

El Atlas de las nubes supone el regreso de los hermanos Wachowski -como diría el bueno de Troy McClure, tal vez los recuerden por dirigir películas como Matrix o producir y escribir la adaptación cinematográfica de V de Vendetta- para dirigir junto a Tom Tykwer la que se postula como una de las películas más ambiciosas, sorprendentes y sensacionales de los últimos años.

La película está basada en la conocida novela de David Mitchell donde, como en la película, la trama se construye en torno a una serie de historias totalmente alejadas de lo convencional que transcurren en lugares y épocas distintas, y que nos invitan a recorrer el mundo desde el siglo XIX hasta un futuro apocalíptico a través de seis historias entrelazadas que, gracias a la habilidad de Mitchell, forman un fresco impresionante sobre la naturaleza humana.

El Atlas de las nubes es por tanto, y ante todo, una obra que encaja a la perfección con la filosofía y los proyectos de los hermanos Wachowski en el sentido de que es una novela de corte extraño, compleja y con lugares y personajes que, una vez adquieran forma en la gran pantalla, pueden llegar a transmitir una fuerza visual y dramática deliciosa. Una película donde el espectador será partícipe de cómo las acciones y consecuencias de las vidas de los personajes tienen repercusiones entre sí a través del pasado, el presente y el futuro. Una mezcla de acción, drama y misterio donde uno puede pasar de ser un asesino a un héroe o donde un simple acto de piedad se propaga a través de los siglos para inspirar una revolución en un futuro lejano.


Para poner la guinda al pastel, la película cuenta con un elenco de estrellas encabezadas por los ganadores del Premio de la Academia Tom Hanks (Philadelphia y Forrest Gump) y Halle Berry (Monster’s Ball) que comparten cartel con los también ganadores del Oscar Jim Broadbent (Iris) y Susan Sarandon (Pena de muerte) y otros actores de renombre como Hugh Grant, Hugo Weaving o Jim Sturgess (casi nada).



Una película que promete ser uno de esos esporádicos soplos de aire fresco que de vez en cuando uno puede encontrar en las carteleras y que, independientemente del resultado final, promete no dejar indiferente a nadie.

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El nombre del viento, de Patrick Rothfuss

Antiguamente se asociaban las novelas de fantasía épica a ese grupo de gente o subcultura que todos conocemos por frikis. Estos frikis o nerds en EEUU además de las novelas de fantasía gustan generalmente también del manga o cómic japonés, de los juegos de rol y de los videojuegos. Éste grupo social cada vez está más aceptado gracias a series como The big bang theory y al dependiente de La Mazmorra del Androide de los Simpons. Bueno, siendo sinceros éste último no les hace ningún favor.

Pero dejando a un lado a los frikis como tal, el objeto de culto de esta gente está cada vez más extendido entre la gente "normal" o no friki. Esta nueva moda por las novelas de fantasía se le debe achacar en gran medida a la serie de televisión Juego de Tronos, serie basada en la magnífica y colosal colección Canción de Hielo y Fuego. En Crónicas de Valhalla no somos ajenos a éste nuevo bum (algunos prefieren que escriba boom pero yo prefiero escribir a lo "aspañol") de la novela de fantasía. Ya en anteriores posts hablamos de grandes series de fantasía como El ciclo de la Puerta de la Muerte y Nacidos de la bruma.

Hoy quiero hablaros un poco por encima de la nueva novela fetiche dentro de los corrillos frikis: El nombre del viento, de Patrick Rothfuss.

Primero voy a contaros qué os vais a encontrar inicialmente en la novela y luego daré mi opinión personal de la misma.

Antes de empezar aviso que contaré un poco del comienzo de la novela, únicamente el comienzo que no es relevante para la historia, pero si alguien desea leérsela sin saber nada de nada puede dejar de leer y saltarse éste párrafo, aunque no lo considero spoiler en absoluto. Bueno, ahora sí que me meto en materia. El nombre del viento nos lleva al comienzo hasta un pequeño pueblo perdido de la mano de dios en el que hay una taberna llamada Roca de guía regentada por un hombre que destaca por su melena color rojo fuego, y por su joven ayudante. Todo perfecto hasta que además de un incidente que no voy a contar llega al pueblo y a la taberna un forastero que identifica al pelirrojo como el legendario héroe y hechicero Kvothe (se pronuncia Cuouz como la propia novela indica al principio). El forastero entonces le pide a Kvothe que le cuente la historia de su vida, ya que su leyenda es tan impresionante que es difícil distinguir entre rumores y realidad. Por supuesto, Kvothe se decidirá a contarnos su historia.

Kvothe nos contará en esta novela los hechos desde su infancia hasta gran parte de su aprendizaje en la universidad. Que no os confunda lo de la universidad, ya que en ella nuestro protagonista no va a estudiar Derecho o Ingeniería sino que va a estudiar magia y materias relacionadas con la misma. El nombre de la novela viene del hecho de que se supone que la magia más poderosa se invoca cuando aprendes el "nombre" de las cosas. En su historia encontraremos aventuras y peligros, pero también amoríos y romances. Y no puede faltar un rival destacado que rivalice con nuestro héroe y trate de hacerle la vida difícil.

Hay una segunda parte de la novela llamada El temor de un hombre sabio, novela que todavía no he tenido la oportunidad de leer (no me lo permiten las telarañas del bolsillo), aunque tengo apalabrado con un amigo su préstamo. Imagino que ésta segunda novela nos narrará la vida de Kvothe desde el punto en que nos deja la primera parte.

Ahora que ya he resumido muy por encima de qué trata la novela, voy a pasar a dar mi opinión de la misma. El nombre del viento me parece una novela entretenida, muy entretenida. La historia absorbe, salvo por el comienzo que es algo lento y por algún pequeño altibajo por la mitad, en general es una novela que engancha en su lectura. Sin embargo no todo es perfecto ni mucho menos.

Aunque tiene muchas virtudes esta novela, la gran pega que le pongo no es precisamente moco de pavo. El gran inconveniente que le veo es el propio protagonista de la novela. Es tan perfecto y tan sobrado que cae hasta mal. Me parece el típico sobrao que es bueno, lo sabe y además le gusta demostrarlo. La humildad y él no pegan mucho. Ahora que me pongo a pensar en ello hay un personaje bastante popular que podría explicar más o menos la percepción que de Kvothe me hice: Mourinho, el entrenador del Real Madrid (y que conste que yo soy merengue, aunque no es que me guste demasiado el dulce).

Pese a todo, disfruté de la novela y como digo estoy deseando leerme la segunda parte. Por tanto me parece una novela muy recomendable, aunque voy a hacer un pequeño inciso final.

Yo en mis años mozos jugué al rol con un grupo de amigos entre los que había grandes frikis. Para quien no lo sepa en el rol se supone que los jugadores se crean un personaje ficticio al que se supone que deben "controlar o representar". Dependiendo del juego obviamente cambiarán las posibilidades, ya que igual que en un juego de magia y hechicería te puedes crear a un mago, en uno futurista puedes crearte un mercenario con cyberimplantes y metralletas y todo lo que a uno se le ocurra mientras el juego en cuestión lo permita. Dentro del heterogéneo grupo de amigos con el que jugaba (y yo creo que en cualquier grupo que se junte) siempre había y habrá lo que en lenguaje rolero se conoce como Gangrol o Munchkin, o más coloquialmente conocido como personaje Mata-mata. Se trata de jugadores que obviando cualquier habilidad social del personaje, se crean al personaje más poderoso y destructivo que las reglas les permiten, incluso sacando su propia interpretación de las reglas si fuese necesario.

Pues cuando me leí la novela me acordé de éste tipo de jugadores. Creo que es una novela creada por y para frikis (culpable), pero que cualquier persona que disfrute del género de fantasía y aventuras la encontrará muy entretenida. Si esta afirmación no os parece del todo acertada a algunos, sólo diré para defender mi afirmación que el personajillo éste que ha robado el gorro a David el gnomo no es otro que el ya mencionado Patrick Rothfuss, frikiautor de la novela.

Para despedirme, os pongo un vídeo promocional de la novela de youtube, a ver si al verlo os pica el gusanillo.

Vuelve The Walking Dead con la segunda parte de su tercera temporada

La espera ha llegado a su fin. Tras el parón invernal con el que nos machacan la mayoría de series americanas (se ha convertido en costumbre entre las que arrancan con la parrilla de otoño) hoy regresa la segunda midseason de The Walking Dead con el episodio 9 de la tercera temporada: "The Suicide King".

Y para ir abriendo boca qué mejor que deleitarnos con una nueva y jugosa promo de lo que nos espera (cargada de spoilers, eso sí):


Echando la vista atrás parece que los guionistas comprendieron finalmente que la serie requería de algo más de ritmo, más acontecimientos interesantes y menos minutos de relleno. A ese respecto, la primera parte de esta tercera temporada de The Walking Dead viene siendo de lo mejorcito que ha ofrecido la serie hasta el momento. Lejos parecen quedar los anodinos episodios del comienzo de la segunda temporada. Esperemos que sigan por el camino señalado. Hagan sus apuestas.

TOP 10: Lo que podría haber sido y no fue

Hoy no os voy a hablar sobre ninguna película, ni sobre ningún libro, hablaré de lo que pudo haber pasado en algún universo paralelo. Algunos estaréis pensando en Fringe, pero a mí me ha venido a la cabeza un capítulo de Futurama (que dejo aquí para el que lo quiera ver), en el que se interconectan dos universos donde existen pequeñas diferencias, basadas en decisiones sencillas que los personajes tomaron en su momento y que creyeron nimias, pero que a la postre condujeron a un futuro claramente distinto.

De eso trata mi post de hoy, de la decisión que tomaron algunos actores al rechazar un papel, y que  cambió totalmente lo que podrían haber sido algunas películas que se han convertido en clásicos hoy en día. Porque hay ocasiones en las que no nos podemos imaginar a otro actor en el papel protagonista de nuestras películas favoritas.

Somos finalistas de los Premios 20Blogs

Ladies & gentlemen; lo hemos conseguido. Crónicas de Valhalla es oficialmente finalista de los Premios 20Blogs en la categoría de "Mejor Blog de Cine y Televisión".

Se acaba de hacer público el fallo y este humilde rinconcito del ciberespacio cinéfilo ha conseguido estar entre los favoritos de público y jurado. Descorchemos el cava señores, porque ahora formamos parte de esa selecta terna de blogs de entre los que el 21 de febrero saldrá el ganador que se alzará con la preciada estatuilla.

Ni que decir tiene que el simple hecho de haber llegado hasta aquí es, además de una grata sorpresa, todo un premio para el equipo de Crónicas de Valhalla. Independientemente de si finalmente resultamos o no ganadores, personalmente estoy más que satisfecho por los resultados de esta convocatoria. Y todo gracias a ti, querido lector. Gracias a ti, porque este blog se alimenta de vuestras visitas, de vuestros comentarios y, en este caso, de vuestro apoyo y vuestros votos. Así que puedes sentirte partícipe de todo esto, porque si el blog ha llegado hasta aquí es únicamente gracias a ti; gracias a vosotros.

El próximo 21 de febrero estaremos en la gala que organiza el diario 20 Minutos en Madrid. Y ¿por qué no soñar con ser los elegidos del jurado? Sea cual sea el veredicto final, me voy a tomar la licencia de parafrasear al maestro Woody Allen en "La maldición del escorpión de Jade" (The Curse of the Jade Scorpion, 2001), porque no se me ocurre mejor manera de definir nuestra alegría:

"Vaya, si me muero mientras hacemos esto dígale al embalsamador que conserve la sonrisa de felicidad de mi cara".

Gracias, gracias, gracias.

El lado bueno de las cosas

Desde hace un tiempo, aquí, en Crónicas de Valhalla, estamos presentando películas que tienen nominación en alguna categoría de los Oscars. Y es que estamos en el mes de entrega de las doradas estatuillas. En unas semanas se desplegará la alfombra roja y la flor y nata del cine paseará modelito por el Dolby Theatre.

Hoy se añade a la lista Silver Linings Playbook. ¿Y cómo es que una aparente comedia romántica, sí, de esas del tipo "chico conoce chica", puede resultar nominada en 8 categorías de los Oscars? Algo más debe de haber.

Pat (Bradley Cooper) es un exprofesor de historia cuya única obsesión es recuperar a su mujer. Lo simpático del asunto es que el desencadenante de la separación es la propia infidelidad de ella. Y es que en el momento que Pat lo descubre experimenta un ataque de ira y pierde el control. Ese episodio le lleva a ser evaluado y a descubrir que, en realidad, sufre un trastorno bipolar.

En este momento de su vida Pat está en terapia e intenta salir adelante siguiendo su propio lema: Excelsior (siempre hacia arriba). No obstante, el asunto no es tan simple. Su carácter sufre grandes altibajos y su comportamiento es del todo impredecible. Esto hace que su familia pase por situaciones bastantes peliagudas y busque el modo de transmitirle cierta armonía. En esas circunstancias de desorden irrumpe Tiffany (Jennifer Lawrence). Una personita que es de todo menos armoniosa.

Desde el mismo momento en el que estos dos individuos interactúan parece que adquieren la naturaleza de imanes. Por una parte existe cierto magnetismo, una conexión, una sensibilidad entre semejantes que se recuperan de un duro golpe. Sin embargo, en un chasquido los polos giran y surge la antipatía y la aversión. Comienzan batallas verbales y se arrojan verdades sin consideración, como jarras de aceite hirviendo. Este juego agridulce da mucha intensidad y espectáculo a los momentos en los que aparecen juntos en escena. La gran baza con la que cuenta la cinta.

Sin embargo, esos vaivenes, esas conductas inestables, en contra de lo que se temen todos, pasan a ser la mejor terapia para ambos. Y es que, por curioso que parezca, esa agitación les da equilibrio. La turbación les hace ver las cosas con más nitidez. Los duelos a franqueza les dejan más calmados. Terapia de choque.

De esta manera, toda esa desorbitada energía positiva que Pat era incapaz de manejar comienza a tomar forma. Empieza a controlarla y a contagiarla con control.

Así lo que en un principio podía parecer otra obra dentro del género manido de las comedias románticas se convierte en algo más complejo. Y es que, lo que realmente importa, se impone: una historia de aceptación y superación del dolor. Una visión positiva, una llamada a ver el lado bueno de las cosas. Un lugar con espacio para alguna que otra situación tierna. De esas que tensan las mejillas y te dejan una media luna dibujada en el rostro.

El tango de la Guardia Vieja

Los caminos de Max Costa y Mecha Inzunza se cruzarán en tres periodos a lo largo de su vida, los tres momentos que relata con agudeza la novela que tenemos entre manos. Max es un buscavidas, un bailarín mundano, un ladrón de guante blanco y un verdadero galán, capaz de enamorar a una mujer en lo que se baila un tango. Mecha es rica, atractiva y hermosa, la mujer de la que todo hombre podría enamorarse, o casi.

Sus destinos, aunque separados por una división social que los mantiene convenientemente alejados, transcurren inevitablemente paralelos a lo largo de las cuatro décadas de historia que cubre la novela.

No cabe duda de que los personajes de esta obra pertenecen al Pérez-Reverte más puro, más fiel a su estilo. Él (Max) es un tipo duro, de esos que han crecido en barrios marginales, que no se amedrentan al atravesar un callejón solitario y oscuro (tal vez como su propia vida) por la noche, y de los que estás seguro que guardan, en algún insospechado lugar de su ropa, un afilado cuchillo dispuesto a sacarle las castañas del fuego si la cosa se pone fea. Ella (Mecha) es La Mujer, la parte femenina con que toda buena historia debe contar, tan atractiva como inteligente, no menos peligrosa que él, aunque sus maneras sean más gráciles, más delicadas, tal vez.

La novela destila acción, y lo hace además en tres etapas distintas de la vida de los protagonistas. La aparición en varias ocasiones de escenas de sexo, magistralmente descritas, explícitas y elegantes, con la dificultad que eso conlleva, da un toque sensual a la novela, distinto al que estábamos acostumbrados últimamente.

Otro toque que me llama la atención en la novela, y que ya viene siendo habitual en Arturo Pérez-Reverte, es la aparición del ajedrez como telón fondo de la historia. En La tabla de Flandes era argumento principal, a diferencia de lo que ocurre en esta obra donde, sin ser principal, es esencial; también aparece, con menos notoriedad pero sin poder olvidarnos de ello, en El asedio. Matiz interesante dentro de la obra del autor, sin duda.

El tango de la Guardia Vieja es una novela que se lee fácil, enganchando desde el principio hasta el final, que maneja bien los tiempos de la trama y conmueve al lector cuando es necesario. Cierta violencia, la carga sexual y las distintas tramas que se entrecruzan en sus páginas, convierten este tango en un agradable paseo a través de la sociedad elitista de la primera mitad de siglo.

Título: El tango de la Guardia Vieja

Autor: Arturo Pérez-Reverte

Editorial: Alfaguara

Paperman, cortometraje Disney (2012)

Todos conocemos las grandes obras de animación de Disney. A unos nos gustarán más y a otros menos. Desde los clásicos como La Bella Durmiente hasta las grandes producciones de nuestros días con Enredados, pasando por Mulan y otras películas de alto calibre. Siempre ha estado la compañía en lo más alto de la animación.

Disney también produce algunas películas con actores de carne y hueso, algunas de ellas de gran calidad. A mí personalmente me encanta la de El príncipe de Persia. Un peliculón de bandera.

Otra faceta en la que trabaja la compañía es en los cortos de animación, lo que yo considero la base de las grandes producciones. Uno de los últimos cortos de animación que Disney ha realizado se titula Paperman. Mi motivación para escribir éste post es el presentaros dicho corto para que podáis disfrutarlo vosotros también. Dejando a un lado el hecho de que está nominado tanto en los Premios Annie como en los Oscar a mejor cortometraje animado, os daré un dato que es todavía más relevante para convenceros de verlo: yo lo he visto y me ha molado un montón. Con un estilo sobrio pero elegante, y realizada en blanco y negro para dar una mayor ambientación a la época.

La historia, dirigida por John Kahrs, y ambientada en la Nueva York de los años 40, nos muestra una breve (por algo es un corto) pero emotiva historia de amor, en la que vemos cómo dos personas enamoradas a primera vista pero separadas por la distancia conseguirán, gracias a la fuerza del amor que toma la forma de avioncitos de papel, vencer la distancia.

Bueno, sin más dilación os pongo a continuación el corto:

Espero que lo hayáis disfrutado como yo lo hice y que os haya dejado un buen sabor de boca. Un saludo desde Crónicas de Valhalla.

Zero Dark Thirty, 2012

Por casualidades de la vida este post tiene cosas en común con el anterior, ambas producciones tratan el terrorismo islámico desde el punto de vista de una mujer agente de la CIA, no es que ahora me haya obsesionada con el tema, simplemente ha coincidido que fui al cine a ver ‘Zero Dark Thirty’ o ‘La noche más oscura’, uno de los estrenos que más nominaciones lleva en la temporada de premios, y no quería desaprovechar la oportunidad para recomendaros esta estupenda película.

‘Zero Dark Thirty’ está basada en hechos reales, narra el proceso de capturada de Osama bin Laden organizado por la CIA; comprende el periodo que va desde los atentados del 11 de septiembre de 2001, hasta su muerte en una operación militar el 2 de mayo de 2011. La protagonista es una  joven agente de la CIA, Maya, especializada en el grupo terrorista Al Qaeda, quien durante diez años sigue la pista del terrorista más buscado del mundo hasta que lo localiza. El film en ocasiones está contado a modo documental, pero a pesar de sus tintes realistas, en su mayoría es una película al uso que te mantiene intrigado desde el comienzo hasta el final, a pesar de sus 157 minutos de duración y de que todo el mundo conocemos el desenlace de los acontecimientos.

Quiero destacar que la cinta es de la laureada directora Kathryn Bygelow, quien fue la primera mujer en ganar un Oscar como mejor director en el 2010 por ‘The Hurt Locker’; y para el que le guste el cotilleo rosa diré que fue esposa de James Cameron (sí, el de ‘Avatar’, ‘Titanic’ y ‘Terminator’).

La protagonista es una de las actrices de moda, Jessica Chastain, quien ya ha conseguido llevarse el Globo de Oro por este papel y es también candidata al Oscar por el mismo; podéis seguirle la pista gracias a la maravillosa ‘Criadas y Señoras’ y la poco convencional ‘El árbol de la vida’ (ojo, hace falta mucha madurez y mucho amor al arte para que te guste esta última, yo carezco totalmente de madurez, por lo tanto me arranco carcajadas y bostezos por igual, que creo que no era la reacción esperada en el espectador). Destacan también Jason Clarke, como Dan, agente de la CIA compañero de Maya en Pakistán, un actor australiano hasta ahora desconocido para mí; y Kelly Chandler quienes muchos recordaremos por la inolvidable ´Friday Night Lights’. Siguiendo con mi “vena rosa” os diré que también tiene un pequeño papel de una sola frase el novio de Lady Gaga, Taylor Kinney, interpreta a un miembro de los SEALs.

La polémica con la cinta está servida, sobre todo por el tema de las torturas de la CIA a miembros de Al Qaeda que aparecen en el film; el propio director de la central de inteligencia, Michael Morell, se vio obligado a emitir un comunicado a raíz de su estreno para desmentir que los hechos hubieran ocurrido así, y desvincular la imagen de su agencia de este tipo de interrogatorios (aunque yo no soy muy partidaria de creerme la versión oficial de la CIA). Lo cierto, es que a la hora de ver la película tenemos que tener en cuenta que es una dramatización de los hechos, por lo que no todo tiene que ser real, pero eso no la hace menos interesante. Yo la recomiendo a pesar de su dureza, porque no debemos olvidar que en la mayoría de las ocasiones la realidad supera a la ficción.