Argo (2012)

Que Ben Affleck no es muy buen actor eso es algo que sabemos todos, pero lo que sí es Ben Affleck es un buen cineasta, ya lo demostró en su día cuando ganó el Oscar a mejor guionista junto a su amigo Matt Damon por 'El Indomable Will Hunting’, cuando sólo contaba con 25 años, y su valía como director la vimos con la maravillosa ‘Adiós Pequeña, Adiós’ y ‘The Town’, y nos lo vuelve a demostrar con el estreno de la temporada ‘Argo’. En ‘Argo’ Affleck luce nuevamente sus habilidades al mando de un equipo de rodaje, mostrando una técnica depurada y una calidad exquisita,  yo veo en él a un Clint Eastwood en potencia. La producción de la película corre a cargo de George Clooney, quien suele tener buen ojo para seleccionar sus proyectos.

‘Argo’ nos cuenta la historia de cómo un experto en rescates de la CIA, Tony Méndez, se las ingenia para sacar de Irán a 6 miembros de la embajada estadounidense que habían conseguido escapar y refugiarse en casa del embajador de Canadá, después de que el edificio fuera tomado por los seguidores del Ayatolá Jomeini, secuestrando a todos los diplomáticos estadounidenses en protesta contra el régimen de Sha de Persia y pidiendo su extradición al país, ya que este se encontraba refugiado en los EE.UU. Para elaborar su plan el agente Méndez finge que se va a rodar una película en Irán, y que los diplomáticos son parte del equipo de rodaje. Lo maravilloso de la historia es que está basada en un hecho real que ocurrió en el año 1979.

El film es un thriller que mezcla tensión y misterio al estilo de Alfred Hitchcock (sí, me habéis oído bien, he dicho Hitchcock), con comedia,  todo muy bien entrelazado y a un buen ritmo, haciendo una obra de entretenimiento perfecta. En esta película podemos meternos perfectamente en la época, debido a que han cuidado muchísimo la ambientación (las manifestaciones en Teherán están magníficamente rodadas), nos permite aprender algo de historia, que nunca viene mal, entender el porqué de las revueltas de ahora en Oriente Próximo, “porque de aquellos mimbres vienen estos cestos”.

Estupendo casting, aparte de Ben Affleck, una vez más sobresale Bryan Crasnton (que por casualidades de la vida últimamente lo menciono mucho), Alan Arkin y John Goodman están geniales y son quienes ponen la nota de humor a la cinta.

En resumen, película muy recomendable, sin duda de los mejores estrenos del año, que todo buen amante del thriller no se puede perder, es cine de Hollywood, en eso estamos de acuerdo, pero también es cine del bueno. Quien no haya visto los anteriores trabajos de Ben Affleck como director también se los recomiendo, porque estoy segura que ha nacido una estrella y con ‘Argo’ se ha confirmado.


Un último consejo, quedaros a ver los créditos finales y no salgáis huyendo del cine despavoridos, como soléis hacer en cuanto veis salir las primeras letras, que parece que corréis por si os toca limpiar la sala,  lo digo porque podréis ver fotografías de los personajes reales y compararlos con los de ficción y apreciareis el estupendo trabajo realizado por el departamento de arte.

La Caída de los Gigantes

Esta semana en Crónicas de Valhalla volvemos a los libros y me gustaría comentaros uno que me leí la navidad pasada, La Caída de los Gigantes de Kent Follett. 

La caída de los gigantes es el primer libro de la trilogía que abarca los acontecimientos más importantes del siglo XX, un siglo movido donde los haya y que sin lugar a dudas es el precursor de nuestra sociedad tal cual la conocemos. 

En mi opinión, conocer nuestra historia es importante y creo que es un gran error la idea que a veces se transmite de lo "pasado, pasado está". La historia es necesaria para conocer el mundo que nos rodea, para poder entenderlo y no volver a cometer los errores por los que ya hemos pasado.

Por citar un ejemplo y sin entrar mucho en política ya que no es el lugar apropiado para ello, estos días podemos ver cierto resurgimiento de partidos xenofobos y fascistas en países como Grecia. Estos partidos, ayudados por la crisis económica, usan el miedo al que es "diferente" (al emigrante, al judío, etc) para crecer y conseguir poder. Esta misma situación ya se ha vivido en el siglo pasado, con las consecuencias que todos conocemos. 

Para mí demuestra una falta de conocimiento histórico preocupante y en mi opinión esto provoca no  sólo un retroceso individual, sino también un retroceso social como el que estamos viendo estos días. 

En este caso es Ken Follett el que nos acerca un trozo de lo que somos con este fantástico libro. Puede que  como escritor no sea de lo mejor que hay ahora pero sin lugar a dudas Ken Follett es muy entretenido y a mí parecer es lo interesante de estos libros y porque recomiendo que os los leáis. Alrededor de una genial historia, con su clásico sello, tendremos reflejado el inicio del siglo XX. 

A través de los ojos de diferentes familias de Estados Unidos, Reino Unido, Alemania y Rusia podremos ver los cambios sociales que se viven en los primeros años del siglo. El nacimiento de los sindicatos y su importancia como entidad capaz de hacer presión mejorando la vida de los trabajadores y en general de las capas más bajas de la sociedad. El despertar de la mujer con el movimiento sufragista. El desastre de la que después se conoció como la Gran Guerra. Los movimientos revolucionarios comunistas en Europa y el triunfo bolchevique en Rusia. 

En definitiva, un gran libro que nos permitirá conocer la realidad del siglo XX y en definitiva, nuestra realidad. Sin duda, no es un manual de historia y por lo tanto no hace un análisis exhaustivo pero, en mi opinión, es un buen punto de partida en ese gran viaje que es el siglo XX.  

Un soplo de vida... La vida es bella

Pensemos en una bella historia de amor, en el comienzo de una bonita relación, en esas sonrisas, en la ilusión de los primeros días, en que alguien te alegra la mañana con un mágico "Buenos días princesa", y pensemos también en el horror, en un campo de concentración, en la violencia, en el miedo, en la injusticia... Ahora, imaginemos que juntamos esos dos escenarios en una de esas películas que quedan grabadas en la retina... Pues ya podéis dejar de imaginar, porque esa auténtica obra maestra existe y su título no podía ser otro que "La Vida es Bella".

Basada en el libro de Rubino Romeo Salmoni, "Al final derroté a Hitler" y en la experiencia del escritor, director y protagonista Roberto Benigni, la historia nos muestra toda la belleza de la Italia de los años 30, donde Guido Orefice (Roberto Benigni) simpático y feliz judio, inocente soñador, poeta intrépido, enamora gracias a su caracter jovial y a sus fantásticas ocurrencias a la profesora Dora (Nicoletta Braschi) con quien se casara y tendrá un hijo Guiosué (Giorgio Cantarini). La vida de la feliz familia transcurre tranquila, hasta que la ciudad es tomada por los nazis y son enviados a un campo de concentración, donde Guido, para evitar que su hijo sufra con todo el temor y el miedo que hay a su alrededor, le hace creer que están participando en un juego.

La historia, comedia dramática amarga y tierna como la mirada del engatusado niño, ofrece un valioso y duro alegato contra el horror nazi con el punto de mira en los terribles e infames campos de concentración, y una alegoría contra la intolerancia, tanto racial como ideológica, y las penurias de la guerra. En esta obra Roberto Benigni muestra la tragedia de las barbaridades nazis con un estudiado sentido del humor y una cuidada ternura.

Estamos ante un precioso relato, que nos recuerda que aún en las situaciones más terribles, es posible encontrar la alegría y la ilusión de vivir, a través de los que tenemos a nuestro alrededor. Una auténtica lección de vida, una auténtica forma de afrontar los problemas y una obligación de encontrar esa belleza cada día.

Nos vemos en la próxima entrada, hasta entonces… hoy más que nunca… ¡¡¡¡¡ SONRÍAN!!!!!

Sonidos

Al arte de organizar sonidos y silencios es, lo que habitualmente denominamos música; y lenguaje musical, al sistema de escritura utilizado para representar gráficamente una pieza musical. Como en el lenguaje escrito es la letra, la nota musical constituye su unidad básica.


Hace pocos días comencé el estudio de ese nuevo lenguaje, el de la música. Cada nota escrita es un sonido en el que altura, duración, intensidad y timbre son, los cuatro parámetros fundamentales que lo hacen único e irrepetible. La mayoría de los sonidos que escuchamos son complejos, al ser resultado de un conjunto de sonidos simultáneos, pero que percibimos como un solo sonido fundamental; de igual forma lo leído, lo percibido, lo que sentimos es igualmente complejo, al estar situado en la inevitable superposición de elementos que constituye la vida.

En literatura la música es una constante a lo largo de toda la historia. En esta ocasión no deseo hablar de música y literatura, tiempo habrá, sino de autores que "componen" obras como si fueran melodías; en la que cada nota-palabra va seguida de otra que solo puede ser esa; en la que cada párrafo sigue a otro con una cadencia y ritmo que solo algunos saben imprimir; en la que cada situación inspira sentimientos solo comparables a la audición de una melodía.

Charles Dickens escribió la mayoría de sus obras como entregas mensuales o semanales en periódicos de la época: es conocido cómo sus seguidores americanos esperaban en masa en el puerto de Nueva York, gritando sobre la multitud a los marineros que arribaban, sobre la suerte de determinados personajes de sus obras; personajes que trascendían más allá de sus novelas: Scrooge, David Copperfield, Micawber, Nell, Oliver Twist... y que revelan la pobreza y estratificación social de la sociedad victoriana de su época. A través de sus trabajos, Dickens mantenía una especie de empatía por el hombre común y un escepticismo por la familia burguesa.


El pasado 7 de febrero celebramos el bicentenario del nacimiento de Dickens y por este motivo, muchas de sus novelas han sido reeditadas. No dudéis esta Navidad coger cualquiera de sus novelas, yo comencé por "Grandes esperanzas", y os adentraréis en un mundo que seguro os sorprenderá. Por desconocimiento siempre había creído que Dickens era autor de literatura infantil tal vez, porque "Cuento de Navidad" era lo único que conocía de él.

Escenarios, personajes y situaciones que constituyen ese TODO necesario para satisfacer los cinco sentidos en especial, prestad atención a esa forma de música que trasciende de sus palabras y que solo leyendo a Víctor Hugo y "Los Miserables", tuve ocasión... Tiempo habrá también para hablar de él.

Siempre vuestro, Pedro.

Drive (2011)

“Dame una hora y un lugar, y yo te doy un margen de cinco minutos, cualquier cosa que suceda en esos cinco minutos soy tuyo, pase lo que pase, cualquier cosa que suceda al minuto fuera de ese margen estas por tu cuenta.”

Estas son las simples normas a cumplir para poder contratar ‘Al Conductor’, y al oírlas te das cuenta rápidamente del tipo de persona al que te enfrentas, la historia promete. Así comienza ‘Drive’, la que en mi modesta opinión ha sido la mejor película de estreno que he visto en los últimos tiempos, porque me sorprendió por lo original, por sus excelentes actuaciones, porque me encanta su estética, y porque, aunque la vi hace ya un año, al visionarla de nuevo me ha parecido mejor que la primera vez. Si este film aún no se ha convertido en película de culto acabará siéndolo sin lugar a dudas.

Os hago un mini resumen porque no quiero desvelaros mucho de la trama, quiero que la veáis. Narra la historia de un conductor especialista de cine que lleva una doble vida, también es conductor de fugas en atracos, es el mejor en lo suyo. Entabla una relación con su vecina Irene, una joven madre cuyo esposo está en prisión, y que al salir de la cárcel se ve envuelto en un turbio asunto con unos mafiosos a los que les debe mucho dinero.  Para poder saldar la deuda pide ayuda a su vecino, pero la cosa no sale según lo previsto, y se desencadena toda una serie de líos que no desvelare, solo diré que al final acaba convirtiéndose en una autentica carnicería. Esto es lo que nos cuenta ‘Drive’, pero lo más interesante es su protagonista, un tipo de pocas palabras, no habla pero actúa, es un tío duro, no sabemos nada de su pasado, no sabemos ni su nombre, lo único que sabemos es que sabrá apañárselas en el futuro. Pero a pesar de la violencia de la cinta, ‘Drive’ es una historia de amor de las de toda la vida, él se la juega por la chica, es como su superhéroe particular, algo que queda claro hasta en una de las canciones de su B.S.O  ‘A Real Hero’.

‘Drive’ es un film para todo el que le guste la velocidad y la violencia, pero no os llevéis a engaño no es ‘The Fast and the Furious’, si esperas ver algo como esta ultima probablemente no te vaya a gustar. Es una película de género neo-noir que tiene algo del western de toda la vida. Se ven las influencias del director, el danés Nicolas Winding Refn  (el cual a partir de ahora conviene tener vigilado, y me apunto como pendiente 'Valhalla Rising'), de los films de Tarantino. Además, es imposible no pensar en Scorsese y su ‘Taxi Driver’, sobre todo en las escenas que conduce por la ciudad y cuando empieza el ajuste de cuentas.

Una de las cosas que más me ha gustado del film es su estética ochentera, se aprecia en la manera de contar la historia, en una fotografía magnifica, una banda sonora estupenda realizada con sintetizadores, y hasta en los créditos que son de color rosa neón como se hacía en la época. El vestuario tampoco escapa  a esas influencias: vaqueros ajustados, cazadoras, guantes de cuero para conducir,…de hecho  la cazadora con el escorpión en la espalda que lleva ‘El Conductor’  ya es una prenda mítica.

Lo más importante del film es el casting, no podría haberse hecho mejor elección para el protagonista que Ryan Gosling, porque es el mejor actor contemporáneo que existe en estos momentos, como lo está demostrando con toda su filmografía, te salva cualquier film, no tiene papel mediocre, todo son actuaciones increíbles, aunque no todas las películas hayan estado a su altura. Se me nota la devoción, pero desde que vi a Gosling en de ‘The Believer’ sabía que este chico iba a hacer cosas muy grandes. No voy a ponerme a hablar de toda las películas de Ryan Gosling, no os preocupéis, solo deciros que es un acierto seguro, un silencio de él y una mirada vale más que el mejor monólogo de cualquiera de los considerados grandes, como bien se ve en ‘Drive’, con una actuación contenida, sabiendo sacar el lado sensible simplemente con un gesto o una sonrisa, y por otro lado pudiendo ser el tío más feroz y temible con el que te hayas encontrado. Ryan Gosling es un ‘monstruo’ de múltiples caras, el cual parece que está siendo descubierto ahora por el gran público, pero lleva mucho trabajo detrás, y os recomiendo que echéis un ojo a todos sus trabajos independientes.

Pero no solo de la estrella de Gosling vive el universo de ‘Drive’, el resto de actores son de primera, la chica es interpretada por la siempre dulce Carey Mulligan (quien está en mi lista de actrices favoritas, echadle un vistazo a ‘An Education’), Bryan Cranston ( ‘Breaking Bad’) o Albert Brooks, quien se sale un poco de la comedia y aquí se enfrenta a un papel algo más duro, con el que obtuvo varias nominaciones como actor de reparto (tiene una extensa filmografía pero destaco ‘Al filo de la noticia’), menciono solo a los más destacados. Os dejo el tráiler para que flipéis.


De verdad, no os la podéis perder, además hoy es el día ideal para hacerlo temático si te gusta el mundo del motor, porque también tenemos la final del mundial de Fórmula 1, y al que no le guste lo de quemar neumático, pues que le dé a un buen libro, o a los vampiros, que hay opciones para todos.

Capitanes intrépidos (1937)

Antes de nada, antes de empezar a contaros algo sobre la película, tengo que pediros algo: no sintáis rechazo hacia ella por el mero hecho de ser antigua, dejad de lado los prejuicios que podáis tener por este motivo, ya que no os traería algo que no mereciera la pena de verdad. Sólo unas pocas películas de la década de los 30 han pasado la criba necesaria para pensar que son merecedoras de ser recomendadas, y esta es una de ellas.

Por si sirve de aliciente, os diré que está dirigida por Victor Fleming... y vosotros pensaréis, ¿y quién es ese? pues alguien que unos años después, en 1939, rodaría un par de películas que puede que os suenen de algo: por un lado, El mago de Oz con una maravillosa Judy Garland, que interpreta una de las canciones que han pasado a la historia del cine; por otro lado, la película de mayor duración en ganar el Óscar a mejor película con sus 234 minutacos, todo un clásico del cine, Lo que el viento se llevó, ganadora de 8 de las 13 nominaciones a las que optaba, entre ellas mejor película y actriz protagonista.

Sayonara, 666 Park Avenue.

Yo al igual que el gran Sherlock Holmes tengo mi séquito de chavales que me ayudan con mis investigaciones a la hora de recoger datos, ya que pese a mi gran omnisciencia siempre hay pequeños detalles que se me escapan, como quién es el actor principal de tal película o de qué color son los ojos de mi novia. Resulta que uno de mis secuaces, Iván (aquel al que no permitimos elegir película en el cine debido a su sugerencia de ver el hombre lobo), me ha informado de que una de mis series predilectas de la nueva temporada ha sido cancelada. Nada menos que la gran 666 Park Avenue.

Así es señores, en contra de lo esperado su información es verídica.

Por lo visto los índices de audiencias iban de Guatemala a Guatepeor. Estos americanos, que si no les pones un partido de fútbol americano, unas animadoras con sus pompones y sus falditas y unos nachos no están contentos.

666 Park Avenue, descansa en paz.

Breve encuentro, 1945

Hay películas que nacen con la única intención de transmitir y revivir algunas de las más íntimas emociones, conflictos y experiencias personales; películas de sensaciones, de sentimientos... películas donde el argumento es lo menos relevante, aquellas que buscan la autenticidad y que consiguen la simbiosis perfecta entre lo que vemos en pantalla y lo que sentimos en lo más profundo del alma. Este es el caso de Breve encuentro, el clásico de David Lean que pasa por ser una de las historias de amor más bellas que ha dado el séptimo arte.

Breve encuentro es el relato agridulce de dos amantes, una historia de amor condenada por las circunstancias desde el principio.

 Si la película funciona es sencillamente por la exquisita química entre sus dos estrellas, Celia Johnson y Trevor Howard, y por la banda sonora que, dicho sea de paso, merecería un capítulo aparte. El Concierto para piano nº2 de Rachmaninoff dota a la película de una fuerza emotiva incomparable. Es una de esas canciones que uno asocia inmediatamente con la película, uno de esos temas que se quedan para siempre en nuestro subconsciente.


En cuanto a las interpretaciones, Celia Johnson y Trevor Howard no son dos actores, son dos desconocidos en un andén. Es algo que el espectador asume en cuanto se deja atrapar por el primer cruce de miradas. Todo se desenvuelve de forma tan natural que incluso la infidelidad se presenta como algo casi inevitable. Y es que Laura y Alec son dos personas casadas que, sin pretenderlo, se enamoran perdidamente. Sin embargo su integridad y la rectitud de su conciencia moral les llevan a optar por la única solución posible; esa solución que dice que en esta vida no todo vale.

-¿Puedo ayudarla?
-No, gracias. Es algo que me ha entrado en el ojo.
-Permítame que lo vea, soy médico.
-Es usted muy amable.
-Vuélvase hacia la luz, por favor. Mire hacia arriba. Hacia abajo. Quieta, ya lo veo. Ya está.
-¡Qué descanso! Era molestísimo.
-Parece una arenilla.
-Fue al pasar el expreso, muchas gracias. He tenido suerte de encontrarle a usted.
-Cualquiera lo hubiera hecho.
-Pero ha sido usted, y se lo agradezco.

Breve encuentro es una de esas películas que sobreviven en el recuerdo, que evocan la mismísima esencia del romanticismo pero sin el toque meloso y cursi que destilan otras obras del género. Una película atemporal. Sencillamente... es una de esas películas que tienes que ver.

Castaway On The Moon (2009)

Por el azar hace unos días llegó a mí una película que hasta el momento desconocía por completo. Libre de expectativas o ideas previas me puse a verla deseando que mereciera la pena. Y aunque al principio me pareció un poco simple o incluso inverosímil acabó siendo todo un descubrimiento. Una de esas joyitas asiáticas que últimamente me están sorprendiendo con su combinación de fuerza y elegancia visual (como Confessions o Despedidas).

En Castaway On The Moon nos encontramos con dos protagonistas desconocidos entre sí pero a los que les une un profundo sentimiento común, el rechazo de la sociedad que les rodea.


El primero es un ejecutivo desesperado que para acabar con su vida se lanza a las aguas del río Han. Sin embargo, al igual que en los negocios tampoco tiene suerte ejecutando su plan y acaba arrastrado por la corriente hasta una pequeña isla cerca de la ciudad. Su aislamiento podría acabar con unos cuantos largos pero al infortunio general del protagonista se le añade el hecho de que es incapaz de nadar. Debido a esta condición quedará confinado a esos pocos metros cuadrados de superficie y, a pesar de que en todo momento serán visibles los rascacielos de la ciudad, el protagonista terminará siendo consciente de que es un completo náufrago. Como tal tendrá que enfrentarse a los desafíos propios de alguien en sus circunstancias como buscar comida o refugio, los momentos más simpáticos del filme.

La segunda es una joven adicta a la red social Cyworld (una realidad virtual al estilo de los Sims) donde encarnando a su avatar se siente mucho más cómoda que en su propio cuerpo. Esta disposición le lleva a recluirse en su cuarto convirtiéndolo en el reducido espacio en el que se mueve y a establecer Cyworld como el único mundo en el que interactúa con otras personas.

En esencia, una llamada de atención hacia las posibles consecuencias de coyunturas como la recesión económica actual o el abuso de las tecnologías por parte de la juventud. Situaciones que en su extremo pueden llevar al intento de suicidio en un caso o a un completo aislamiento en el otro.

Ya para terminar lo único que resta es una pequeña advertencia. Aunque su comienzo pueda parecer un poco superficial dadle una oportunidad y seguid con ella teniendo la mente abierta. Minuto a minuto va creciendo en calidad y profundidad, en gran parte gracias a la importante evolución de la personalidad de los protagonistas. Con todo espero que no os defraude. ¡Que la disfrutéis!

Amanece que no es poco

"Calabaza, se acaba un nuevo día y, como todas las tardes, quiero despedirme de ti. Quiero despedirme y darte las gracias una vez más por seguir aquí conmigo. Tú, que podías estar en la mesa de los ricos y de los poderosos, has elegido el humilde bancal de un pobre viejo para dar ejemplo al mundo.
Yo no puedo olvidar que en los momentos más difíciles de mi vida, cuando mi hermana se quedó preñada del negro o cuando me caparon el hurón a mala leche, sólo tú prestabas oídos a mis quejas, e iluminabas mi camino. Calabaza, yo te llevo en el corazón."

Tal vez estas palabras sean un buen resumen de Amanece que no es poco, de José Luis Cuerda, una obra repleta de humor absurdo, de risas envueltas en el hilarante entramado que forman el guión, repleto de situaciones imposibles, y la brillante actuación de todos los personajes. Un pueblo donde los hombres crecen en los bancales, se puede hacer "flashback" para volver al pasado, y donde la Guardia Civil puede perder las elecciones, es el lugar ideal para pasar unas vacaciones relajadas y distintas. Esa es la vía central de la historia, el nexo de unión de todos los acontecimientos, de todas las locuras geniales que componen la película.


De estas se han escrito pocas. Haberlas las hay, pero pocas, y de la brillantez con la que está realizada Amanece que no es poco, hay menos, contadas casi con los dedos de la mano. Una película ideal para una tarde "tonta"; casi dos horas de puro bienestar mental, más de cien minutos de risas; un largometraje de esos que puedes ver varias veces, aprenderte los diálogos y repetirlos una y otra vez, como si de un mantra se tratara, con una sonrisa en la boca, mientras recuerdas que "quería yo a hablarle de Dostoievski".


Sirva, por cierto, esta pequeña entrada como homenajea a Manuel Alexandre, actor que falleció en 2010, que se ganó el cariño de todos los amantes del cine.

Personalmente tengo un gran cariño a esta película, quizá porque la recuerdo con el afecto con el que se recuerdan las cosas que te han acompañado en muchos buenos momentos. Muchas han sido las tardes que he pasado, junto a grandes amigos, pegado a la pantalla de la televisión, viendo una y otra vez, incansables, esta delicia del cine español. Si no la conocéis, no dejéis de verla. Si ya la habíais visto, es el momento ideal de volver a verla.

El Castillo Ambulante

Cuando recuerdo las películas de animación clásicas y no tan clásicas de Disney, pienso que al contrario de lo que luego pretenden vender, dan una gran importancia a la belleza exterior y apariencia física. Blancanieves, la Cenicienta, la BELLA durmiente; todos unos bellezones de cuidado. Blancanieves especialmente, la bruja le coge manía porque es la mujer más bella del reino. Se supone que también son buenas personas y almas caritativas, pero lo cortés no quita lo valiente. De los príncipes prefiero no hablar que he desayunado hace poco y no quiero que se me revuelva el estómago.

Sin embargo hay una película de animación que hace mayor hincapié en la energía y las ganas de vivir de la protagonista en lugar de en su belleza física. Se trata de El Castillo Ambulante (Howl's moving castle en inglés), basada en la novela de la autora británica Diana Wynne Jones. El hecho de que Studio Ghibli sea responsable de la película ya hace pensar que va a ser una buena película.

Esta maravilla visual nos narra el periplo de una tímida, humilde y trabajadora chica llamada Sophie, que debido a la buena o mala fortuna de cruzarse por casualidad con el famoso y temido mago Howl, sufre el hechizo de una bruja que desea fervientemente ganarse el amor o corazón del brujo. Éste hechizo o maldición transforma a nuestra protagonista en una anciana, con todo lo que ello conlleva.

Debido a su transformación, Sophie debe huir de su vivienda y lugar de trabajo, una sombrerería. En su forzado viaje se cruza no por casualidad con un castillo con patas que se desplaza mágicamente. Resulta que el morador del mismo no es otro que Howl, que debido a su aspecto de anciana no reconocerá a Sophie.

Además de la envidia, los celos y por supuesto el amor; El Castillo Ambulante trata las ganas de vivir y el optimismo ante la adversidad como uno de sus principales temas. Sophie, a pesar de su terrible maldición no se hundirá en el desánimo, sinó que tendrá unas ganas de luchar por seguir adelante y por vivir que harán que su apariencia de anciana vaya menguando, y por contra irá recuperando su juventud y belleza natural.

Pero no sólo de pan vive el hombre, ni el Castillo Ambulante vive únicamente de Sophie. El propio Howl tendrá problemas reales y morales contra los que luchar, además de haber un elenco de personajes tan dispares como carismáticas. Un espantapájaros al que Sophie ayuda en su viaje y que por tanto se siente en deuda con la chica a la que trata de ayudar (no, no hay león ni hombre de hojalata); Calcifer, un demonio de fuego con una personalidad irónica y difícil, encargado de dar vida al castillo de Howl; un joven discípulo de Howl; la Bruja del Páramo, culpable de la maldición de Sophie; y muchos más.

En resumidas cuentas, una película de enorme belleza visual y narrativa que además defiende unos valores positivos que ojalá la juventud de hoy aprendiera. ¡Chúpate esa Disney!

Para terminar os dejo con la magnífica y relajante banda sonora de la película:


Nota: Hay muchas películas actuales de Disney que me encantan, como Enredados (de animación) o El Príncipe de Persia (actores reales).

MAD MEN... Una obra maestra

Esta semana quiero que ayudados por la oficina de publicitas de Madison Avenue,  viajemos juntos por la América de los años 60', esta semana quiero hablaros de una serie que ha conseguido ganar el Emmy al Mejor Drama en primer time durante tres años consecutivos, esta semana quiero hablaros de una serie que, a base de trabajo bien hecho, se ha ganado todo el respeto de la crítica, esta semana toca hablar de Mad Men.

Producto de la AMC, estamos ante un retrato de la realidad cotidiana de Sterling Cooper al frente de una agencia de publicidad, que lucha por codearse con las grandes empresas dentro del mercado publicitario. Pero Mad Men no es el relato de la simple rutina de un publicista de época, estamos ante una  serie que nos muestra con sublime maestría un reflejo de una sociedad americana sesentera, representada como el origen de toda modernidad, donde fumar y beber es obligatorio para todo hombre y mujer de estilo y gusto refinado.

Sin utilizar grandes giros argumentales, sitúa perfectamente al espectador en temas tan delicados como el machismo que sufren las mujeres al intentar asumir cargos de mayor importancia, representado en el personaje de Peggy Olson o el racismo, haciendo aparecer a las personas de color en muy pocas ocasiones, pero ocupando posiciones y trabajos muy concretos, mostrando así la discriminación de la que eran objeto.

Algunos detractores tachan su ritmo como lento en sus comienzos. Sin embargo, a mí me parece que sintonizar el ritmo de la serie con el de la sociedad que describe, es otra muestra del saber hacer de los guinistas de la serie. Mad Men con una narrativa de precision historica  y un cuidado guión, entrelazados con una impecable ambientación de vestuarios y escenarios logra ser una réplica fiel de las costumbres y conductas de la época, a la vez que seduce al espectador.

Estoy segura de que si te decides a ver unos minutos del primer capítulo, no habrá vuelta atrás... devorarás las cinco temporadas que actualmente podemos encontrar. Yo lo hice, y ahora estoy deseando que llegue la siguiente emisón...

Nos vemos en la próxima entrada, hasta entonces... ¡¡¡¡¡SONRÍAN!!!!!

Los Soprano

La semana pasada hablamos en Crónicas de Valhalla sobre una gran serie, The Wire (el post aquí). Esta semana os traemos otra fantástica serie emitida por HBO, The Sopranos (más aquí). Una de esas series que ha tenido un tremendo impacto en cine y televisión. Además, entre The Wire y The Sopranos no puedo decidirme cual me gusta más, por lo tanto, creo que es buen momento para hablar de ella.

Tengo que confesar que soy un enamorado de las historias de mafiosos y si ya habéis visto esta serie, no perdáis la oportunidad de ver otra serie de la que os hablamos hace unas semanas en Crónicas de Valhalla, Boardwalk Empire (más aquí).

Los Soprano (como se conoce en España) está creada y producida por David Chase (más aquí), teniendo una duración de seis temporadas, 86 episodios en total de entre 40 a 60 minutos cada uno.

La trama de la serie gira en torno a una familia de mafiosos, Los soprano, de New Jersey cuando los años dorados de la "Cosa Nostra" ya pasaron. Los tiempos han cambiado y aunque quedan miembros que aún pueden recordar esos buenos años porque los han vivido, muchos otros son de la segunda y tercera generación de emigrantes. No hablan italiano, nacidos en los EEUU y aunque conservan algunas costumbres, otras muchas son plenamente norteamericanas.

Y en este perfil encaja nuestro protagonista, Tony Soprano (genialmente interpretado por James Gandolfini) junto a su familia.

Pero como buen mafioso que se precie, Tony tiene otra familia, unidos también por lazos de sangre (simbólicos en este caso) pero que son igualmente difíciles y peligrosos de romper. Y entre estos dos mundos gira nuestro protagonista.

A lo largo de seis magnificas temporadas podremos ver la ascensión y consolidación de Tony Soprano como líder mafioso en New Jersey. Tendremos la clásica dosis de traiciones, envidias y muertes que han hecho grande a éste género. 

Pero en mi opinión lo que hace grande a Los Soprano no es la historia de la mafia, aunque esté ambientada en los años 90, lo que es menos habitual. Esta serie da un paso más y no se queda en la mafia como organización sino que nos muestra la vida, en sí misma, de un mafioso. Conoceremos a un Tony Soprano padre de familia, un hombre hasta cierto punto inseguro, que necesita liberar tensión y acude a la consulta de una psiquiatra jugándose el cuello por ello (impagables esas escenas en la consulta de la Dra. Jennifer Melfi). Un hombre al que su madre es capaz de manejar a su antojo como podremos ver desde el principio. En definitiva, una historia más compleja que una "simple historia de mafiosos." 

Sin duda una gran historia, pero no podemos olvidarnos de unos tremendos personajes. Sí es verdad que el reparto de protagonismo está un poco descompensado, Tony Soprano es la estrella y todo gira en torno a él. A parte de Tony, mis personajes preferidos son Silvio Dante y Paulie Gualtieri en las primeras temporadas, pero a lo largo de la historia pierden cierto peso. Otro del que no hay que perderse su evolución es Christopher Moltisanti  ya que será la viva imagen de la decadencia. 

Para terminar os dejo lo que es sin duda una de las mejores "Opening Themes" de la televisión.

Oasis

Con el ritmo habitual, constante y sin posiblidad de pausa alguna, todos los signos a nuestro alrededor indican que el año 2012 finaliza, dando paso a un nuevo y esperanzador 2013.

Como desde hace ya varios años, es momento de recapitular cuales fueron propuestas de lectura para el 2012 y de aquellas, cuales han sido leídas en su totalidad, solo parcialmente o ni tan siquiera, tenidas en cuenta. Debo ser honesto y confesar que el 2012 en materia de objetivos literarios cumplidos no ha sido el mejor. La relectura de "La montaña mágica", la lectura de la segunda parte de "El Quijote" y, el inicio de "A la búsqueda del tiempo perdido" sin embargo, fueron tres de los objetivos propuestos para 2012 cumplidos.

Para 2013, Thomas Mann será quien comience su andadura nuevamente el 1/1/13; y "Doctor Faustus" ha sido la elegida. El resto del programa, pues en estas semanas irá conformándose.

Sin embargo y sistemáticamente, soy injusto con determinados autores que, sin estar presentes en "mis listados", siempre encuentran un hueco en "mis lecturas". El autor que es un valor seguro; que nunca falla; que siempre te rescata; que te ayuda a poner en orden lo que a tu alrededor permanece eternamente desordenado; ¡¡esos!!, nunca son tenidos en cuenta a priori porque gozan de mi confianza.

El pasado 12 de marzo de 2010, estando en Valencia por motivos de trabajo, mientras observaba el impresionante montaje de una falla en una plaza que no recuerdo el nombre, con las manos calientes y manchadas de acetite del cucurucho de buñuelos que en esos momentos degustaba, oí de repente: "Delibes ha muerto"... Títulos de novelas, artículos de caza, la imagen de un apático anciano años atrás en la plaza mayor de Valladolid... de súbito acudieron. La necesidad de leer aquella misma noche algo de Delibes se adueñó de mi y, pese a ser la hora de cierre habitual de establecimientos, busqué y pregunté por librerías en aquella zona... La mayoría estaban ya cerradas pero, justo en el momento en el que una jovencita comenzaba a bajar el cierre de Fnac-Valencia,  imagino que sorprendida de que un desconocido le gritara a la cara: "Delibes acaba de fallecer y tengo que leerle esta noche...", me dejó pasar y cogí lo primero que vi: "Obras completas IV. Miguel Delibes. El novelista, IV. Editorial Destino".

Recuerdo aquella noche en la que leí íntegramente "Señora de rojo sobre fondo gris" y, aquella nota de Miguel Delibes que anunciaba que era algo más que una simple novela: "Lancé este libro discretamente diecisite años después de morir Ángeles, mi mujer, en la creencia ingenua de que era un homenaje íntimo únicamente conocido por mí...".

Don Miguel Delibes es desde el 2010 un refugio al que acudo muy a menudo; con una capacidad casi mágica de trasladarte a los inhóspitos, crueles  y en definitiva, humanos escenarios, creados a partir de un fluir de palabras sencillas. Don Miguel, hombre de campo que escribe sobre el campo y atiende a su lenguaje: "Un mundo que agoniza, en el que al hombre se le arrebata la pureza del agua y del aire pero también se le amputa el lenguaje".

En el caminar diario de nuestra vida afortunadamente encontramos oasis sin los cuales, sería aun más difícil. Gracias D. Miguel.

P.D.: Mi sencilla estantería rebosa de libros en ediciones modestas sin embargo, guardo como tesoros los bellísimos tomos de las obras completas de Delibes (Destino).

Siempre vuestro, Pedro.

El ciclo de la puerta de la muerte

Semana tras semana os he traído películas que por una razón u otra, he pensado que eran dignas de recomendar a cualquier persona, ya fuera por la moraleja y los valores que transmiten o simplemente por su belleza visual y lo bien montadas que están técnicamente.

Esta semana en cambio, he decidido dedicar mi espacio a una saga de libros que me fascinó y me tuvo embelesado hasta que acabé la última página del séptimo libro. Se trata de El ciclo de la puerta de la muerte, libros que no me canso de recomendar a cualquier amigo que le pueda interesar la fantasía épica o que simplemente le guste leer buenos libros. Como podéis ver en la imagen, la saga consta de 7 volúmenes escritos entre 1990 y 1994 por los magníficos Margaret Weis y Tracy Hickman, más conocidos por ser los iniciadores de la saga de libros Dragonlance en 1984, y que junto a un grupo selecto de amigos han continuado escribiendo hasta constar de 118 libros publicados hasta el momento.

Domo (2012), cine de terror paranormal con acento español

De la mano de Manolo Hernández y Vicente García, dos jóvenes aspirantes a cineastas con varios cortos y documentales a sus espaldas -y ganas de comerse el mundo-, nos llega Domo, un largometraje de terror sobrenatural con el que buscan continuar la buena senda que últimamente está marcando el cine español en el género.

La película narra la historia de Sira (Mireia Grau), una chica que trabaja de limpiadora en el turno de noche del Museo Morgen Brandt. Sira descubre que una soprano de origen alemán, Morgen Brandt (Olga Galvany), murió hace años en el incendio de una mansión sobre cuyas cenizas fue construido el museo en el que trabaja. Sira tiene miedo, empieza a notar sucesos extraños; percibe que no está sola.

Los responsables del ambicioso film prometen una cinta de terror con una forma narrativa que el director califica de "novedosa y arriesgada" que da como resultado un concepto cinematográfico "minimalista e hipnótico" con el que pretenden encontrar una manera distinta de abordar el género y hacer que el espectador no pueda despegar su trasero del asiento.

"En un porcentaje muy elevado está grabada en el MUSEO DE BADALONA, porque con su espectacular subsuelo arqueológico de termas Romanas nos ofrecía ese plus que necesitábamos para acabar de armar el proyecto."

"Es una peli que producimos nosotros, y que cuenta con unas 40 personas directas en cuanto equipo técnico y artístico, y unos 40 más entre figurantes y colaboradores."

La película, además de tener muy buena pinta, está en fase de posproducción y la intención es que pueda ser estrenada antes de final de año.

Aquí os dejo el primer teaser oficial, donde ya se intuye el papel que la oscuridad y el silencio parece que jugarán en la historia:



También os dejo algunas imágenes del rodaje que los responsables del proyecto nos han hecho llegar en primicia para Crónicas de Valhalla:

Good bye Lenin! (2003)

Película orientada en la Berlín del 79, archipremiada en Alemania y los premios europeos de cine, entre los que se encuentra el Empires magazine's "The 100 Best Films Of World Cinema" en 2010. Banda sonora de Yann Tiersen, dirigina por Wolfgang Becker y protagonizada por Daniel César Martín Brühl González Domingo, aka Daniel Brühl, un actor nacido en Barcelona, de madre española y padre alemán, políglota y polifacético, con un extenso currículum internacional, como Malditos Bastardos y 7 Días en La Habana. Este pobre actor sólo habla alemán, inglés, español, francés y catalán.

Tras el abandono de su marido, Christiane se entrega de lleno a las causas e injusticias sociales y a las actividades del Partido Socialista Alemán en la antigua RDA. Madre de dos hijos y orgullosa de sus ideas políticas, cae en coma y permanece en él hasta que cae el muro de Berlín. Para evitar que vuelva a peligrar su delicado estado de salud, su hijo Alex (Daniel Brühl) se las ingenia para que Christiane no sepa que su querida nación había desaparecido, y lidera la recreación de la desaparecida Alemania del Este en una habitación de 75m2, editando y creando las propias noticias, o camuflando los alimentos conseguidos en una ya globalizada Berlín.

Good bye Lenin! entrelaza tristeza, amor, sarcasmo, ingenio y política. A la vez, revive la reunificación del país y reflexiona sobre los valores sociales con la particular visión idealizada del protagonista sobre la desaparecida RDA. Ocurrencias tan divertidas como que Coca-Cola es un invento socialista, hacen que esta película te deje un buen sabor de boca, la mente abierta a la reflexión y una sonrisa.

Tropa de élite (2007)

Después de varias entradas sobre obras más pausadas esta semana toca dar un giro de género y llamar la atención sobre un largometraje con más movimiento. Ya leyendo el título uno puede imaginar que no se encontrará ante calma y armonía y, efectivamente, si se busca acción Tropa de élite no defrauda. 

Sin embargo, no todo en esta película son persecuciones, tiroteos y violencia. El director, José Padilha, continúa con la línea de sus demás trabajos y presenta una nueva pieza para darnos a conocer un poco mejor su tierra, Brasil. Así, paso a paso, su obra compuesta por películas y documentales va describiendo algo más la vida en el país de la samba.

En este caso le llega el turno a un segmento de la policía militar de Río de Janeiro, el BOPE (Batallón de Operaciones Policiales Especiales). Pequeña facción que se encuentra compuesta por hombres con alta formación y cuya función es intervenir allí donde la policía convencional se ve limitada. Algo que ocurre con bastante frecuencia.

 El eje de la trama y narrador de la misma es Nascimento, jefe del equipo alfa de este grupo de élite. Un hombre de férrea convicción que detesta la corrupción tan generalizada entre el resto de compañeros del cuerpo carioca. 

Paralelamente, Neto y Matías, dos aspirantes a policías, van desempeñando su primeros trabajos con eficiencia y honradez a pesar de las adversidades. Esta honestidad les lleva a coincidir en una misión con Nascimento que en ese momento, cansado ya de su interminable lucha y a punto de ser padre, busca un sustituto para su puesto. 

El gran compromiso de estos tres personajes con una labor tan peligrosa y de mala reputación en el país les conducirá irremediablemente a situaciones de conflicto entre la vida personal y profesional.

Mediante la experiencia de los protagonistas se va conformando una imagen sobre el BOPE, sobre los demás batallones de la polícia militar y, en menor medida, sobre mundos tan diferentes como las favelas o la universidad. Una cruda película muy descriptiva que cuenta con un buen ritmo y refleja parte de las injusticias que se dan en el día a día de este país sudamericano.

Arrugas

Dicen las malas lenguas que a Almodóvar le sentó peor perder el Goya al mejor guión adaptado, frente a Arrugas, que el de mejor película o mejor director. Según parece, era un premio con el que contaba casi seguro. Nunca, hasta este año, un Goya al mejor guión adaptado había sido concedido a una película de animación, pero Arrugas, dirigida por Ignacio Ferreras, y basada en un cómic de Paco Roca, rompió la tradición y se llevó los honores del premio. Y honores bien merecidos.

La película es una fiel traslación cinematográfica del genial cómic de Paco Roca, con las adaptaciones que exige el medio. Una película de contrastes, de extremos, donde se nos empuja tanto a la risa como a la lágrima, una delicia con el amargo sabor del realismo, de los años finales, sin tabúes, sin eufemismos. Dura, genial y real. Brillante.

Arrugas nos sumerge en la vida de Emilio justo cuando su familia decide ingresarlo en una residencia de ancianos. La historia nos lleva a vivir junto al protagonista, con síntomas de Alzheimer en las primeras fases de la enfermedad, el día a día de una institución geriátrica, descrita con un realismo que nos congela la sangre, que nos hiela el corazón y el ánimo por su crudeza bañada de ternura y sentido del humor. Que el espectador no empatice con Emilio es prácticamente imposible, tal vez porque, en cierto modo, sabemos que el nuestro no será un destino muy distinto al que Paco Roca nos muestra, tal vez porque precisamente el autor hace un esfuerzo titánico por conseguir que sus dibujos tengan más humanidad que algunas (demasiadas) personas.

Hablar del cómic es hablar de la película, y hablar de la película es hablar del cómic: un guión que comienza sobresaliente y asciende hasta límites extraordinarios. Bravo. Bravo por conseguir que "una de dibujos" parezca tan real como las demás. Bravo por escapar del eufemismo y contar la realidad tal y como es. Bravo por la valentía de afrontar de cara una enfermedad que, tal vez por su dureza, parece que queremos olvidar. Y de eso se trata precisamente, del olvido.

Recomendación: leer el cómic, ver la película. Guardar ambos con el cariño que merecen. Una gran obra.

Arrested Development

Esta es la historia de una familia acaudalada que lo perdió todo, la historia de la familia Bluth, dueños de una prospera compañía constructora ahora en crisis gracias a la mala gestión del cabeza de familia y al desfalco que ha cometido. El encargado de sacar las castañas del fuego y mantener a la familia es el bueno de Michael, el hermano mediano, pero no le será una tarea fácil, porque los miembros de su prole son la mayor panda de egoístas, incompetentes y manirrotos que probablemente jamás haya existido. Así podemos resumir ‘Arrested Development’ una de las comedias televisivas más divertidas que jamás he tenido el placer de disfrutar.

‘Arrested Development’ es una serie muy laureada (tiene varios premios Emmys y un Globo de Oro), en Estados Unidos fue considerada como serie de culto, aunque aquí en nuestro país no ha tenido la suficiente trascendencia. Recupero esta joya que ya tiene algunos años (se estrenó en el 2003 y finalizó en el 2006), porque como está celebrándose el juicio de la Operación Malaya me parece que viene al pelo, por ser un tema muy de actualidad. No, es broma. Lo hago, porque gracias a la insistencia de los fans, han conseguido que este año se haga una nueva temporada (la cuarta), que tiene previsto su estreno en el año 2013 y una película. Esta es la foto promocional de las nuevas entregas.

Para los que no conozcáis está sitcom, os diré que no esperéis ver algo como ‘Friends’, no es ese tipo de comedia, ‘Arrested Development’ es otra cosa, todo es más original, es mucho más surrealista, nos cuenta la historia a modo de falso documental, con una estética y un aire ‘indie’. Al final de cada capítulo nos sorprende con un falso avance de lo que va a suceder desternillante, donde suceden las más grandes locuras, una gozada para la comedia. Los chistes son constantes y buenísimos, al igual que los gags visuales. Cierto es, que por sus características especiales quizás no sea para un gran público. 

Uno de los creadores es el cineasta Ron Howard, el cual es también el narrador de los capítulos, aunque no aparece acreditado. El elenco principal lo componen Jason Bateman (Michael Bluth), Will Arnett (George Oscar Bluth, alias Gob), Michael Cera (George Michael Bluth), David Cross (Tobias Fünke), Portia de Rossi (Lindsay Bluth), Tony Hale (Buster Bluth), Jeffrey Tambor (George padre y Oscar Bluth),  Jessica Walter (Lucille Bluth) y Alia Shawkat (Maeby Fünke). Todos los actores están maravillosos, y tienen una vis cómica impresionante,  pero si me tengo que quedar con algún personaje elijo los de Michael, George Michael y Buster, con ellos ha habido capítulos en los que he llorado de la risa. 

Creo haberos dado suficientes argumentos para que veáis la serie, yo la recomiendo encarecidamente, sobre todo en esto tiempos que corren que nos viene tan bien reír, solo espero que os guste tanto como a mí.

El dulce sabor del Chocolate... CHOCOLAT

Esta semana quiero hablaros de una de esas películas que hacen los honores a aquellos que buscan saciar su apetito filmográfico con un "dulce", esta semana quiero hablaros de una película tan dulce como su título, esta semana quiero hablaros de Chocolat. Película del año 2000, dirigida por Lasse Hallström y coproducida por Reino Unido y Estados Unidos que obtuvo cinco nominaciones a los Óscar.

 

Basada en la novela de Joanne Harris, Chocolat cuenta la llegada de Vianne Rocher (Juliette Binoche) y su hija Anouk (Victoire Thivisol) a Lansquenet, una aldea francesa dominada por un alcalde retrógrado y unos habitantes sumergidos en unas vidas rutinarias, tristes y sin ilusiones. Sin embargo, algo va a cambiar con la nueva Chocolateria y los dulces que Vianne prepara en ella, ya que además de satisfacer el apetito, consiguen despertar las esperanzas perdidas, las ilusiones y las ganas de vivir de aquel que los toma, a la vez que el recelo, la oposición  y la ira del alcalde y de los habitantes más conservadores. A aquellos que nos gustan los toques románticos, tendremos ademas el añadido de disfrutar con una historia de amor entre la protagonista y Rouge (Johnny Deep), un artesanso que surca los ríos en barca. 

Estamos ante una película que habla sobre la intolerancia y las consecuencias de no permitir a las personas vivir sus propias experiencias, experimentar sensaciones y desarrollar sus propias creencias. Estamos ante un relato que refleja miedo al cambio, a perder el control. Estamos ante una narración de tentaciones y represiones. Estamos ante el temor de despertar las pasiones, la ilusión y las ganas de sentire vivo...

Película deliciosa, que nos hace reflexionar sobre la intolerancia y la hipocresía, y que nos anima a combatirlos con optimismo, alegría e ilusión. Porque como dijo una vez un sabio, "quién pierde dinero no pierde nada, quién pierde salud pierde algo, pero quién pierde la ILUSIÓN, lo ha perdido TODO" Ojalá que todos aquellos que se animen a ver esta mágica película, reciban además del dulce sabor del chocolate, fuerzas para afrontar cada día con ilusión.

Nos vemos en la próxima entrada, hasta entonces... ¡¡¡¡¡ SONRÍAN !!!!!

The Wire

¡Enhorabuena a los ganadores del nuevo concurso de Crónicas de Valhalla! Que mala pata no poder participar. ¡Felicidades!

Hoy dejo el género literario para escribir de una fantástica serie que me apetecía mucho comentaros, The Wire (más aquí). Ambientada en Baltimore, creada por David Simon (más aquí) y emitida por HBO.

The Wire consta de cinco temporadas de entre 10 y 13 episodios cada una, entre 50 y 60 minutos de duración. Como podemos ver, no es una serie ligera y precisamente puede que esto sea lo que echa a algunas personas para atrás. En un primer momento, la serie puede parecer lenta pero es importante tener la suficiente paciencia hasta que te atrape porque luego no decepcionará. 

La que para muchos es la mejor serie hasta ahora pretende hacer un reflejo de los bajos fondos en Baltimore. Para ello, el hilo conductor será la lucha contra las drogas pero cada temporada se centrará en distintos nodos de la sociedad.

Así la primera temporada nos muestra la lucha contra las drogas y las mafias, cómo funcionan y quiénes las forman. La segunda temporada se centrará sobre el puerto, puerta de entrada de contrabando bajo el control de sindicatos y mafias extranjeras. La tercera veremos la política de la ciudad, la ascensión de una esperanza y cómo se corrompe hasta ser uno más en el juego de siempre. En la cuarta tendremos una escuela y cómo para los pequeños es difícil no convertirse en aquello que no querían. Para mí esta temporada es una de las más duras ya que vemos como a pesar del esfuerzo de alguna buena gente, los jóvenes se pierden porque el sistema en su conjunto los deja desprotegidos.  Por último, en la quinta temporada adquieren peso los medios de comunicación, el cuarto poder, antes al servicio de los ciudadanos, pero que está perdiendo su función inicial por otra simplemente comercial. Por ello, un importante contrapeso que entre otras cosas debería controlar que nuestros gobernantes hicieran bien su trabajo, se pierde. 

Las actuaciones son fantásticas creando personajes tan grandes como el detective Jimmy McNulty, un tipo que sólo sabe ser un buen policía jodiendo todo lo demás. Un ladrón de narcotraficantes, Omar Little, temido como pocos y donde su condición sexual no importa a la hora de matar a un par de personas. Igual que no importa en el caso de la detective Kima Greggs a la hora de "patear algún culo" en la calle. El narcotraficante Stringer Bell, un tipo que si hubiera nacido en otro lado probablemente sería un hombre de negocios. Va a clases en un máster de negocios, aplicando los conocimientos y consejos de su profesor en la venta de drogas. También tenemos drogadicto Bubbles, un tipo con un gran corazón que nos dejará grandes momentos.

El realismo de la serie es espectacular, donde la policía tiene menos medios que los narcotraficantes o a los jefes les importan más las cifras que la realidad. Los casos no se acaban en unos días como en CSI. Donde los políticos se corrompen y piensan en su carrera antes que en los ciudadanos por los que fueron elegidos. Y por último, el futuro, los niños, a pesar de no querer, comenten los mismos errores que un día cometieron los mayores. Además plantean debates tan interesantes como si legalizar las drogas sería una solución o agravar los problemas.

En definitiva nos muestra una sociedad rota donde el sistema falla y es imperiosa una modificación para romper el círculo vicioso que es la vida en estos barrios.  

Una serie que permite ver la sociedad de otra forma. Las personas fallan pero, a veces, el sistema también nos falla.

Para terminar una gran escena de esta fantástica serie que no debería perderse nadie.

Nacidos de la Bruma, de Brandon Sanderson.

No sé porqué pero para este domingo me apetece hablaros de alguna novela en lugar de películas o series como vengo haciendo desde que empecé en Crónicas de Valhalla. Y nada mejor que una de las últimas novelas de fantasía épica que he tenido el placer de leer. Voy a hablaros de la trilogía "Nacidos de la Bruma" de Brandon Sanderson, empezando por "El Imperio Final", primer volumen de la serie.

Esta novela tiene todos los ingredientes para desarrollar una historia emocionante y entretenida. Pero por muy buenos que sean los ingredientes, si no se aplican en la medida justa y en el momento adecuado, el plato final queda desmojardo y alejado del resultado deseado. Por suerte en esta novela todo está medido y aplicado a la perfección, resultando ello en una lectura deliciosa y atrayente, que engancha desde un primer momento hasta que tristemente deboras la última página, dejándote con ganas de más. Esto de dejar con ganas de más es peligroso, ya explicaré porqué.

Los principales ingredientes que posee esta novela son: un héroe legendario que lucha por los desfavorecidos, clases obreras y clases nobles con la consiguiente desigualdad social, una chica de los bajos fondos a la que se le abre un nuevo camino en su vida, una magia novedosa y limitada que sigue unas extrañas normas físicas que gustan a la mayoría de lectores, personajes secundarios de lo más carismáticos, antiguas leyendas y profecías y como no podía ser de otro modo, un malo maloso todopoderoso que gobierna el mundo con mano de hierro.

El protagonista (o uno de ellos) es el legendario Kelsier, el Superviviente, la única persona que ha logrado salir de los Pozos de Hathsin, una especie de prisión en la que los presos son explotados como esclavos minando los pozos hasta que mueren. Kelsier lucha en favor de la clase obrera y es un despertado, es decir, puede utilizar la magia. Nuestro héroe posee una fuerte personalidad y un gran carisma y es capaz de convencer a sus amigos a emprender cualquier misión por surreal o suicida que esta parezca.

En el camino de Kelsier se cruzará Vin, una chica skaa (clase obrera) que poco a poco irá adquiriendo protagonismo en nuestra historia. Vin es una chica tímida acostumbrada a malvivir entre miseria, pero una vez que se encuentre con Kelsier, poco a poco irá abriéndose y volviéndose algo más extrovertida.

Como punto contrario tenemos al Lord Legislador, cruel gobernante al que se considera inmortal, bajo cuyas órdenes trabajan una criaturas a las que tampoco nadie ha conseguido jamás matar conocidas como Inquisidores.

En El Imperio Final se nos cuenta el periplo que inicia Kelsier con la intención de derrocar al cruel Lord Legislador, misión que todo el mundo considera suicida; todo ello en un mundo en el que las tierras están devastadas y no cesa de llover ceniza del cielo y en el que la magia adquiere una nueva dimensión.

En cuanto a la magia que se muestra en esta trilogía, conocida en el mundo del libro como alomancia, me ha gustado tanto la originalidad de la misma como su "lógica" y sus "leyes". Aquellos con la fortuna de ser despertados, usuarios de la magia, son capaces de usar uno o varios de los metales que sirven como fuente de poder por medio del consumo de los mismos. Los poderes de que son capaces de emplear van desde obtener una fuerza sobrehumana hasta poder atraer o empujar objetos como si de control del magnetismo se tratara. Mediante el empuje y la atracción los personajes son capaces de hacer algo parecido a volar.

Anteriormente he comentado en éste post que es triste que uno se quede con ganas de más tras leer el primer volumen de la trilogía. Digo esto porque tras el título El Imperio Final viene el segundo volumen, El Pozo de la Ascensión. Y es que al leerme éste segundo volumen me costó creer que un libro tan lento de ritmo y falto de acción pudiese ser la secuela de una obra maestra. Éste libro me recuerda un diálogo de la serie Friends en la que un personaje le dice a otro: Sé que me estás diciendo algo pero sólo escucho bla bla bla. Pues algo así fue la sensación que tuve al leer éste segundo volumen. Siendo sinceros tampoco es una obra que se merezca ir directo a la basura. De hecho habrá gente que ese tipo de narración le guste aunque obviamente yo no soy uno de ellos. Estoy seguro de que más de uno lo leerá a pesar del aviso por el mero hecho de querer ver cómo sigue la historia. Pero me temo que esto no es lo peor de todo.

En esta serie vamos de Guatemala a Guatepeor. Pero las pegas que le voy a poner al tercer volumen de la serie, El Héroe de las Eras, no son culpa del autor. De hecho no me lo he leído todavía, y es que me tira para atrás la edición española. ¿Por qué digo esto? Porque mirando por foros opiniones de gente que ya se lo ha leído resulta que la edición española está llena de errores ortográficos y lo que es mucho más grave, errores de traducción. Resulta que al traducir el libro han cambiado o confundido nombres de personajes. Uno se da cuenta de estos errores porque lees sobre un personaje y te das cuenta que bien por el trasfondo bien por cómo actúa se refiere a otro personaje. Yo he realizado un curso de traducción asistida por ordenador (saco pecho), y desde luego no me explico cómo se puede cometer un error de tal calibre.

Y lo peor de todo es que he leído críticas en inglés de El Héroe de las Eras y lo ponen por las nubes en muchos aspectos, ya que es una novela que alcanza una enorme complejidad y en la que se desentrañan todos los misterios que han ido apareciendo a lo largo de la trilogía. Una pena que tengamos que sufrir por culpa de un mal trabajo de las editoriales. Como dijo el maestro Yoda: No, no lo intentes. Hazlo, o no lo hagas. Pero no lo intentes. Lástima que la Fuerza no esté del lado de las editoriales españolas.

En conclusión yo personalmente sólo recomiendo la lectura de la primera novela de la trilogía, pero cada cuál es libre de arriesgarse con los otros dos bajo su propia responsabilidad. Yo simplemente aviso de las pegas del segundo y tercer volumen de la serie. Llegados a este punto, si algún lector de éste post ha leído los tres libros estaría encantado de conocer su opinión. Un saludo y hasta la próxima.